Sitges 2014: Programación completa


Sitges 2014, presenta su programación completa.  En apenas dos semanas da comienzo la 47ª edición Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya, que se celebra entre el 3 y el 12 de octubre, a la multitud de títulos anunciados con anterioridad, se suman algunos títulos que cierran la programación, nunca definitiva, pues los veteranos sabemos que siempre existe alguna sesión sorpresa de última hora. Pero como se suele decir 'está todo el pescao vendido'.

 

Annabelle, es una de las últimas incorparaciones, la precuela de The Conjuring, de John R. Leonetti, será proyectada dentro del certamen. Como ya sabiamos, REC 4, dirigida por Jaume Balagueró, era la encargada de inaugurar el Festival. Con esta actualización, se da a conocer la clausura, Burying the Ex, una comedia de zombies dirigida por Joe Dante, de quien también se programará Gremlins.
Musarañas, producida por Álex de la Iglesia y dirigida por Juanfer Andrés y Esteban Roel. Pos Eso, de Sam o la producción catalana L'altra frontera, de André Cruz Shirawa, también estarán en Sitges 2014.


Como no me gusta repetirme, el resto de títulos anunciados podéis consultarlos en el siguiente enlace a nuestra cobertura, o en la web oficial del Festival.

La televisión de género, por segundo año consecutivo, contará con una sección dedicada especialmente a las series de TV de género fantástico, en la que se podrán ver algunos de los grandes éxitos internacionales, como Juego de tronos, Gotham, Big Bang Theory o la esperada Fargo, que tendrá su preestreno en Sitges un día antes que Canal + la estrene en su circuito.

Para terminar, la cartelera se hará pública el próximo viernes, 19 de septiembre y las entradas se pondrán a la venta el próximo martes, 23 de septiembre. A las 10:00h para el público Premium y a las 12:00h para el público general, a través de la página web del Festival.

Metalhead

Metalhead
Título original: Málmhaus (Metalhead)
Año: 2013
Duración: 97 min.
País: Islandia
Director: Ragnar Bragason
Guión: Ragnar Bragason
Fotografía: August Jakobsson
Reparto: Ingvar Eggert Sigurðsson, Thora Bjorg Helga, Pröstur Leó Gunnarsson, Sveinn Ólafur Gunnarsso, Hannes Óli Ágústsson
Productora: Mystery Island

Una niña se debate entre la vida que llevaba su hermano y su propia incapacidad para actuar por su cuenta. En su dolor, ella encuentra consuelo en la música oscura del Heavy Metal y sueña con convertirse en una estrella de rock.

Desde tierras nórdicas nos llega un film rubricado con la característica sobriedad del cine europeo de autor. Sin perder el hilo argumental y el contacto con el formato película, Metalhead se entremezcla levemente con el falso documental. En distintos momentos del film, el guionista y director Ragnar Bragason, bastante bien documentado -todo hay que decirlo-, a través de su personaje principal, Hera, hace referencia a los orígenes del Heavy Metal, y de cómo en Noruega nació el subgénero del Black Metal. Aunque esto último, lo hace con un toque ficticio adaptado a las exigencias de la propia historia, sin embargo, se permite incluir algunos datos reales como la quema de Iglesias asociadas al movimiento de dicho subgénero.

El resultado final no es grandioso en ninguna de sus dos vertientes, cierto. Pero, gustos aparte, es irrefutable que el film supone una ejemplar y disfrutable curiosidad para los fans del Heavy Metal, mucho mejor si no tenemos aversión por el cine independiente, del cual hace buen uso su director. Sin embargo, los que esperen encontrar una enciclopedia visual o un film girando exclusivamente en torno al género musical, ya pueden dar media vuelta.

Metalhead no es un film que aporte datos sobre uno de los mejores movimientos musicales que ha existido y posiblemente existirá, el Heavy Metal (englobando todos los subgéneros). Metalhead es un trágico drama donde un hecho fortuito que se mastica de forma inesperada en los primeros minutos del film, sin más presentación que la de una familia feliz, lleva a la desolación más absoluta a la misma, cada uno de sus miembros busca su manera de escapar de una triste y abrumadora realidad por un arduo y largo sendero que les sirve para evolucionar e intentar recuperar la felicidad perdida.



El sentimiento de culpabilidad aflora en ella y sus progenitores, Karl y Droplaug, interpretados de manera muy solvente por Ingvar Eggert Sigurðsson y Halldóra Geirharðsdóttir. Pero la auténtica y verdadera protagonista que nos cautiva y nos sentimos identificados, es en la que se centra la historia, Hera, interpretada por Thora Bjorg Helga que se encuentra realmente creíble en todas sus escenas traduce esa tristeza en rebeldía contra todo y todos, haciendo la película algo más dinámica.

Es cierto que los tópicos se presencian con mucha facilidad a lo largo de la historia y en sus personajes también, pero el desarrollo y la forma de plasmarlo en la pantalla, no tanto. La influencia de Michael Haneke está latente en muchas de sus secuencias, aunque no consigue aturdir al espectador con la intensidad que lo hace el director austríaco, tiene puntos conflictivos entre sus personajes principales, que derivan en algunas secuencias de ritmo muy familiar para los degustadores del cine de Haneke.

La sobriedad en sus encuadres, tanto en interiores como en exteriores, los pausados e incómodos silencios, la distancia emocional entre sus personajes o las secuencias inhóspitas dan lugar a comparaciones inevitables.



El montaje es algo brusco en la transición de algunas secuencias, donde hay cambios de escenarios, edad de personajes o situaciones completamente diferentes que parecen no venir a cuento, pero forma parte de la propia identidad de la película. Y en realidad, tienen una continuidad, pero no estamos tan acostumbrados a su uso en el cine comercial que no se presta a ser usado.

La banda sonora, pues a los que nos gusta el Heavy Metal, toda una delicia para nuestros tímpanos; Megadeth, Lizzy Borden, Judas Priest, Savatage o Riot son algunos de los grupos que desfilan sus espectaculares canciones a lo largo de la película y en distintos tipos de escenas, lástima que la mayoría no suenan enteras. Personalmente, no es lo que esperaba encontrarme exactamente, pero me parece una buena e interesante propuesta desde las frías tierras Islandesas, siempre se ha dicho que el frio hace aflorar el talento. Metalhead cumple esa afirmación.

Puntuación

Jumanji

Crítica realizada por Maxy Asecas - Fuente: Los ojos críticos

Jumanji
Título original: Jumanji
Año: 1995
Duración: 104 min.
País: Estados Unidos
Director: Joe Johnston
Guión: Jonathan Hensleigh,
Greg Taylor, Jim Strain (Novela: Chris Van Allsburg)
Música: James Horner Fotografía: Thomas Ackerman
Reparto: Robin Williams, Kirsten Dunst, David Alan Grier, Bonnie Hunt, Jonathan Hyde, Bradley Pierce, Bebe Neuwirth, Adam Hann-Byrd, Patricia Clarkson Productora: TriStar Pictures

Alan Parris queda atrapado durante 25 años en un juego de mesa mágico y muy antiguo llamado Jumanji. Cuando, por fin, es liberado por dos niños, una manada de animales exóticos queda también en libertad.

La semiología es el estudio del signo. Cada uno de esos signos podemos darles un significado. Asociamos un trueno con lluvia, el humo con fuego, etc. Aplicando esta teoría, al escuchar el sonido de tambores solo podemos pensar una cosa: Jumanji está aquí. 

El joven Allan Parrish (Adam Hann-Byrd) es un joven que lo tiene todo, buena posición social, una enorme casa, abusadores escolares, un amor de juventud y unos padres que no lo entienden. Todo cambia cuando un extraño sonido de tambores provenientes del aún más extraño juego Jumanji lo adentra al interior de la jungla. Veinticinco años después, la casa de los Parrish está en ruinas y son los jóvenes Peter y Judy (Bradley Pierce y Kirsten Dunst) los supuestos “elegidos” en liberar al ya crecido Allan (Robin Williams) y terminar el juego.

Es probable que la premisa principal de la película nos relate una aventura fantástica para los más chicos. A medias. Si, es cierto, el film tiene grandes arquetipos de ese cine de aventuras para jóvenes: un reconocido actor principal haciendo de héroe y dos molestos mocosos que empiezan siendo de una forma y conforme avanza la película, cambian radicalmente. No es solo una película que moleste por los típicos clichés de esos films. Tampoco la sosa intervención de Bonni Hunt como interés amoroso de Williams. Sino que la película se enfoca demasiado en mostrar unos defectuosos efectos especiales y dándonos momentos dramáticos que parecen más sacados de una historieta de superhéroes de los años ‘40. Casi poco o nada.


No hay que malinterpretar cuando afirmamos que los efectos especiales no son del todo malos. Las secuencias que vemos de la estampida en la biblioteca son admirables en todos los aspectos. Tanto en lo técnico como en lo visual funcionan. El gran problema viene de los monos que aparecen en el film – que son los que más aparecen en toda la película -. Anatómicamente no se parecen absolutamente en nada a un mono de verdad. Incluso esa mirada diabólica que ponen, son tan irreales y poco creíbles que más que agradar a los chicos, los asustan.

Muchas veces nos preguntamos qué mensaje nos quiere dejar un film. Es ahí donde el doble personaje de Jonathan Hyde aparece. Por un lado interpreta al duro y estricto padre de Allan, Samuel. Por otro lado le da vida a Van Pelt, un cazador obsesionado en perseguir a Allan y matarlo como si se tratara de un trofeo de caza. Este es el único personaje interesante, pues le da sentido a todo el film. “Jumanji” nos deja un mensaje de superar nuestros miedos y eso lo vemos con Samuel Parrish/Van Pelt. Pensemos por un minuto que Allan, en ambas edades del film, le huye a esa figura de autoridad. Se siente amenazado por el carácter de su padre, casi como una presa es acechada por un cazador. 



Pero parece que el director Joe Johnston, quien es un especialista en dirigir aventuras fantásticas como “Cariño, he encogido a los niños” o la incomprendida “Rocketeer”, entre otras; se olvidó de algo fundamental: que nos agraden los personajes infantiles. Sentimos empatía por Williams y por Hunt, pero los personajes de Dunst y Pierce son tan irritables que básicamente hunde todo el concepto fundamental de un film para chicos en la inmensidad de una selva oscura.

Puntuación

Locke

Locke
Título original: Locke
Año: 2013
Duración: 85 min.
País: Reino Unido
Director: Steven Knight
Guión: Steven Knight
Música: Dickon Hinchliffe
Fotografía: Haris Zambarloukos
Reparto: Tom Hardy, Olivia Colman, Ruth Wilson, Andrew Scott, Ben Daniels, Tom Holland, Bill Milner
Productora: Coproducción Reino Unido-EEUU; IM Global, Shoebox Films

Ivan Locke (Tom Hardy) es un hombre que ha trabajado duro para conseguir su objetivo: llevar una buena vida. Sin embargo, un día, inesperadamente, recibe una llamada que trastoca todo su mundo. Desde ese momento se enfrascará en una peligrosa huida contrarreloj.

Resulta curioso que con una trama tan poco manida, cargada de tópicos dramáticos y en una duración tan ajustada, 80 minutos -descontando los créditos finales-. El guionista de Promesas del Este, Steven Knight, que debutó el año pasado en la dirección con Redención, consigue mantener el suspense desde el primer minuto hasta el último, incluso, cuando conocemos el motivo de dicha 'huida' sigue causando interés al espectador con nuevos problemas.

Con una secuencia de inicio bastante simple pero muy bien rodada, en la que Ivan Locke, interpretado por Tom Hardy (Bane en El Caballero oscuro: La leyenda renace), sale de su jornada de trabajo y monta en su coche para dirigirse a algún sitio con una intención muy concreta, una intención que acarrea graves consecuencias y que se nos van desvelando poco a poco en la medida justa y precisa, de manera muy adecuada a la duración final del conjunto.


Salvando las diferencias argumentales, es inevitable una comparación directa con Buried de Rodrigo Cortés. Ambas películas difieren en algunos puntos, cierto, pero consuman en otros. Desde un punto de vista esquemático son bastante similares, sendos protagonistas se ven encerrados en un reducido espacio y en una situación muy comprometida.

Además, en ambos films, éstos se convierten en el auténtico y único protagonista, el peso interpretativo recae sobre ellos con mucha fuerza, pues son los únicos actores en pantalla, los demás actores se limitan a interactuar e interpretar sólo con su voz a través del teléfono. Un punto en común idéntico.

El protagonista de Buried, Paul Conroy (interpretado por Ryan Reynolds) lo pasaba mucho peor. En contra de su voluntad y, prácticamente, sin más opciones que la de un teléfono móvil, se veía expuesto a una situación única, sobrevivir encerrado en un ataúd.
En cambio, Ivan Locke tiene la opción de elegir qué camino tomar, y mantiene esa opción buena parte del film. Pero su obsesiva perseverancia por solucionar todos y cada uno de sus problemas, lo pone en una situación muy similar, metafóricamente hablando.
Aparte de las diferencias argumentales, a nivel de desarrollo, esta es su mayor diferencia, la libre elección de la que goza Ivan Locke frente a su tocayo, Conroy.


Locke se encierra en su coche por voluntad propia, y los diversos problemas se generan de forma piramidal en base a su propia decisión. Una decisión que afecta sobre otros aspectos cotidianos de su vida. Y con la única 'arma' de que dispone, un teléfono móvil -la misma que en Buried- éste intentará poner solución a los diversos problemas de la misma intensidad problemática y dramática que van surgiendo en cadena durante su trayecto automovilístico. A pesar de sus diferencias, ambos films siguen un patrón muy similar y guardan cierto paralelismo, ya que Locke no está dispuesto a abandonar su misión.

Tom Hardy realiza una sobria pero intensa interpretación que a pesar de los mencionados tópicos, consigue una credibilidad y notoriedad dentro de la historia. A nivel técnico está bastante bien rodada. En post-producción han metido bastante mano en la fusión de planos, y juegan con el desenfoque de luces, ya que la película transcurre de noche. Unos desenfoques que realzan ese toque onírico que tiene el film en algunos momentos y se aprovechan para juntar distintas secuencias, que son transmitidas a nosotros en tiempo muy cercano al real.

Un film pausado y de poca intensidad visual, donde la sobriedad y la calma preceden una situación atronadora para su protagonista. Recomendable para los anuentes del drama.


Puntuación

Sitges 2014: Más títulos confirmados


A menos de un mes del inicio de la 47ª edición del Festival de Sitges, la organización anuncia que la semana próxima se dará a conocer la programación completa (esperemos que incluyan horarios también), pero no sin antes desvelar otra tanda de títulos a todos los anunciados con anterioridad.
En la Sección Oficial Fantàstic Competició de Sitges 2014, se incluyen estos nuevos títulos Goodnight Mommy, del dúo austriaco emergente formado por Veronika Franz y Severin Fiala, una película que llega del Festival de Venecia en la que el terror psicológico empieza cuando dos gemelos sospechan que su madre no es su madre, sino alguien que se está haciendo pasar por ella. Spring, el nuevo título de Justin Benson y Aaron Morread, la historia de un joven que emprende un viaje hasta un pueblo del sur de Italia, allí vivirá un romance con Louise, de la que pronto descubrirá que esconde un secreto que podría destruir la historia que habían empezado a construir.
When Animals Dream, de Jonas Alexander Arnby, donde una adolescente de diecisiete años padece una enfermedad degenerativa que la va convirtiendo en licántropo. Durante su transformación, inválida en una silla de ruedas, tendrá que lidiar con su familia y los habitantes del pueblo que la van acorralando para acabar con su potencial peligro animal.



Sin olvidar la producción catalana L’altra frontera, de André Cruz Shiraiwa; The Signal, de William Eubank; Réalité, de Quentin Dupieux; Over Your Dead Body de Takasi Miike; la española Pos eso, de Samuel Ortí Martí; Oculus, de Mike Flanagan; Cub,de Jonas Govaerts; I Origins, de Mike Cahill; Jamie Marks is Dead, de Carter Smith; These Final Hours, de Zik Hilditch y Sword of Vengeance, de Jim Weedon.

La Secció Fantàstic Panorama, contará con Let us Prey, del irlandés Brian O’Malley; Fièvre, de Louis Deluc; Preservation,de Cristopher Denham; Honeymoon, de Leigh Janiak y Creep, de Patrick Brice.

 

Incluidas en la tipología de films codirigidos por diferentes directores se proyectará la norteamericana V/H/S Viral, dirigida por Marcel Sarmiento, Nacho Vigalondo, Gregg Bishop, Todd Lincoln, Justin Benson y Aaron Moorhead.

  

ABC’s of Death 2, la secuela de cortometrajes de terror realizada por 26 directores, entre los que figuran Álex de la Iglesia, Alexandre Bustillo, Sion Sono o Vicenzo Natali. Y por último, la mexicana México Bárbaro, dirigida por Jorge Michel Grau, Isaac Ezban, Laurette Flores Born, Ulises Guzmán, Edgar Nito, Lex Ortega, Gigi Saul Guerrero y Aaron Soto.

 

La Secció Oficial Fantàstic Especials acoge a la española Autómata, dirigida por Gabe Ibáñez y protagonizada por Antonio Banderas, que estará presente en Sitges 2014 para recoger el Gran Premio Honorífico por su trayectoria cinematográfica. Y Tusk, donde un joven emprende la búsqueda de su mejor amigo, desaparecido en los bosques de Canadá. Tan escueta es la sinopsis de la nueva producción de Kevin Smith que en 2011 se llevó el Premio a la Mejor Película por Red State.