La conspiración del pánico

TITULO ORIGINAL: Eagle Eye
AÑO: 2008
DURACIÓN: 118 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: D.J. Caruso
GUIÓN: Eli Attie, John Glenn, Dan McDermott, Hillary Seitz, Travis Wright (Historia: Steven Spielberg)
MÚSICA: Brian Tyler
FOTOGRAFÍA: Dariusz Wolski
REPARTO: Shia LaBeouf, Michelle Monaghan, Rosario Dawson, Billy Bob Thornton, Ethan Embry, Eric Christian Olsen, Michael Chiklis
PRODUCTORA: DreamWorks

Jerry Shaw (LaBeouf), un joven inteligente pero inadaptado, cuyo hermano gemelo acaba de morir, y Rachel Holloman (Monaghan), una joven madre soltera, se ven de repente involucrados en una complicada trama de terrorismo que gira en torno a una misteriosa voz que parece controlar sus vidas.

D.J Caruso ha dedicado la mayor parte de su tiempo a dirigir telefilms y capítulos televisivos, debería plantearse seguir ese camino, después de tal nefasta y ridícula cinta. Aunque Taking Lives no estuvo tan mal y Disturbia la encontré entretenida a pesar de ser una copia de La ventana indiscreta de Alfred Hitchcock.

Cuando vi el tráiler de La conspiración del pánico (como de costumbre la traducción del título, nada que ver con el original, Eagle Eye) me esperaba lo peor, en efecto, acerté.

La película no arranca mal en comparación con el tráiler, aunque se ve venir a cual fantasmada más gorda que la anterior nos va a tocar recibir directamente en nuestra retina. La película se haya influenciada directamente por los estereotipos que creó Matrix de los Hermanos Wachowski , visuales y argumentales. El héroe que se enamora de la chica y salva el mundo, aunque debería decir superhéroe, ni siquiera Neo dentro de la red de Matrix se libra de tantas heridas, en cambio LaBeouf parece indestructible. Claro ejemplo lo ofrece Christian Bale y su Batman, aun llevando traje de superhéroe, éste sufre lo suyo en su cuerpo.

La interpretación por parte de LaBeouf no está mal, aunque personalmente, nunca me ha terminado de convencer demasiado el actor. Únicamente espero que adquiera madurez y acabe haciendo cosas más interesantes como en el caso de Leonardo DiCaprio.

Los efectos especiales son altamente espectaculares y cumplirán perfectamente para la mayoría de espectadores palomiteros. Pero son sumamente exagerados, rozando el paroxismo del género de acción. Siguiendo la estela dejada por las últimas aventuras del agente británico 007, algo que me exacerba, incluso en pelis de superhéroes, como por ejemplo el caso de Spiderman 3 de Sam Raimi.

Sin duda, lo mejor de toda el film es la banda sonora, manteniendo muy bien la tensión, a pesar de las ridículas imágenes y fantasmadas varias que se abalanzan sobre el espectador de una manera tan agresivamente impropia.

El guión no tiene nada destacable, resulta mareante en algunos trozos, aunque el argumento se clarifica bastante en su desenlace, no como en la reciente Red de mentiras de Ridley Scott. Aunque el desenlace es bastante previsible, acaba siendo una mezcla de referencias dispares, como son la computadora Skynet de Terminator, 2001 Odisea en el Espacio o El Cortador de Césped, mezclado de manera que no aporta nada que no hayamos visto antes.

Lo que podría haberse convertido en un interesante thriller futurista con altas dosis de tecnología termina en un completo desastre por querer abusar de la espectacularidad visual sin límites ni coherencia.

Infierno de cobardes

TITULO ORIGINAL: High Plains Drifter
AÑO: 1972
DURACIÓN: 105 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Clint Eastwood
GUIÓN: Ernest Tidyman
MÚSICA: Dee Barton
FOTOGRAFÍA: Bruce Surtees
REPARTO: Clint Eastwood, Verna Bloom, Marianna Hill, Mitchell Ryan, Stefan Gierasch, Geoffrey Lewis, Billy Curtis, Jack Ging
PRODUCTORA: Universal Pictures presents a Malpaso Company Production
En 1870, un forastero (Clint Eastwood) pasa a caballo por la tumba de Jim Duncan, antiguo sheriff de la ciudad fronteriza de Lago, en el Sudoeste de Estados Unidos. Los propietarios de la compañía minera, Dave Drake (Mitchell Ryan) y Morgan Allen (Jack Ging), apoyados por los vecinos, lo contratan para que los defienda de tres pistoleros que, recién salidos de la cárcel, están a punto de llegar a la ciudad. El forastero acepta el trato a condición de hacer las cosas a su manera...

Este es un western verdaderamente curioso, con todos los elementos propios del género, se añaden tintes de drama, humor, thriller y terror. Segundo film y primer western dirigido por Clint Eastwood, pero escrito por Ernest Tidyman, con un guión relativamente simple que apenas depara sorpresas. El film resalta por otros motivos. Eastwood dirige la película con sobriedad y corrección. Entretenida e impecablemente filmada, Infierno de cobardes te proporcionará un buen rato. Llena de intriga y con escenas violentas de gran intensidad, luce una gran fotografía con planos absolutamente memorables.

La película utilizando todos los estereotipos posibles de los westerns, consigue dejarte la sensación de haber visto algo totalmente fresco dentro de su género. El protagonista protagonizado por Eastwood es polémico, el bien y el mal están en la cuerda floja.

Con una espectacular puesta en escena, se muestra a un forastero peligroso, no es necesario que te cuenten nada sobre él para que te hagas una idea clara de como es. El resto de personajes son lineales, con menor relevancia en la historia, pero con una importancia determinante referente al desenlace.

La banda sonora, sin estar a la altura, puede hacer pensar en Ennio Morricone, ésta logra realzar el ambiente inquietante. Un punto negativo puede ser la utilización de algunos flashbacks, que no están muy logrados, al igual que algunos efectos de maquillaje. El resto cumple con lo que la historia ofrece. Sin duda, un western que sin ser de los mejores, tiene alicientes para ser recordado como uno de los más curiosos.

Comer, beber, amar

TITULO ORIGINAL: Yin shi nan nu (Eat Drink Man Woman)
AÑO: 1994
DURACIÓN: 123 min.
PAÍS: Taiwán
DIRECTOR: Ang Lee
GUIÓN: Ang Lee, James Schamus, Hui-Ling Wang
MÚSICA: Mader
FOTOGRAFÍA: Jong Lin
REPARTO: Sihung Lung, Kuei-Mei Yang, Chien-Lien Wu, Yu-Wen Wang, Ah-Leh Gua, Sylvia Chang, Winston Chao, Lester Chan
PRODUCTORA: Central Motion Pictures / Ang Lee Productions / Good Machine Productions

Agridulce comedia de éxito mundial que relata la historia de Chu, un viejo chef de Taipei, viudo y con tres hijas: Jen, Chien y Ning. Cada una de ellas ve la vida bajo un prisma distinto si bien todas ellas tienen una faceta común en su carácter: la incomunicación. La familia se encontrá durante el transcurso de la historia con una serie de personajes y circunstancias que cambiarán sus vidas.

Hablar de Ang Lee es hablar de lo polifacético, se trata de un director que toque el género que toque, lo hará bien. Y en este caso, se centra en una deliciosa comedia donde nos muestra los sentimientos humanos y las relaciones de distintos tipos de persona. La manera de contar la historia es ágil, marca característica de este director.

Su personal estilo, humanidad y encanto nos deleitan formando una trama variada, repleta de momentos inesperados. El desarrollo y caracterización de los personajes están perfectamente construidos. Terminé sintiendo que formaba parte de sus vidas, y de verdad, que me gustaría probar los tremendos manjares que cocina Chu.

Todos los ingredientes que contiene el film están en su punto, una perfecta combinación que desata un desfile de sensaciones. La fuerza de la película reside en el guión, mantiene la atención y muestra correctamente todos los datos necesarios sobre el desarrollo de los personajes, para lograr sorprendernos. Los protagonistas solo se comunican comiendo, y con muy poco sabemos cómo se relacionan entre ellos. Es una película divertida, amable y bien contada. Dispone de una traducción al castellano aceptable, pero es recomendable verla en versión original, y si es posible, con el estomago lleno, pues te dará muchísima hambre.

Bon appetit.

Viernes 13

TITULO ORIGINAL: Friday the 13th
AÑO: 2009
DURACIÓN: 90 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Marcus Nispel
GUIÓN: Damian Shannon, Mark Swift (Historia: Damian Shannon, Mark Swift, Mark Wheaton. Personajes: Victor Miller)
MÚSICA: Steve Jablonsky
FOTOGRAFÍA: Daniel Pearl
REPARTO: Derek Mears, Jared Padalecki, Danielle Panabaker, Amanda Righetti, Travis Van Winkle, Aaron Yoo, Julianna Guill, Arlen Escarpeta, Nana Visitor, Chris Coppola, Caleb Guss
PRODUCTORA: Paramount Pictures / New Line Cinema / MTV Films / Crystal Lake Entertainment / Platinum Dunes
WEB OFICIAL: http://www.fridaythe13thmovie.com/

Buscando a su hermana desaparecida en el bosque del legendario campamento Crystal Lake, Clay encuentra los viejos y decrépitos restos de una cabaña que yace detrás de unos árboles cubiertos por denso musgo. En contra del consejo de la policía y las advertencias de los habitantes de la zona, Clay continúa con su búsqueda, ayudado por una chica que ha conocido entre un grupo de jóvenes estudiantes preparados para pasar un emocionante fin de semana. Sin embargo, ellos están a punto de encontrar algo más que no habían tenido en cuenta.

Marcus Nispel se lució en 2004 con el remake de La matanza de Texas, en el qué supo mantener cierta afinidad y espíritu para con la original, dirigida por Tobe Hooper en los 70. Cinco años después de aquel buen remake, vuelve a probar suerte con Viernes 13, dirigido en 1980 por Sean S. Cunningham. Un slasher del que la mayoría de los de nuestra edad, se sentiría orgulloso de poder disfrutar una nueva visión de este gran clásico, con nuevos efectos especiales y el nivel técnico actual. Lástima que por culpa de un ridículo guión, con frases extraídas de cualquier Scary Movie, se vaya todo al traste. Me parece muy bien que un slasher contenga algunas bromas de quinceañeros en su guión, pero no tal cantidad que la conviertan en un circo de feria.

Lo más destacable en el apartado técnico es la banda sonora, que mantiene bien el suspense. Y la fotografía, consigue darle ese toque autentico de terror, lástima que el incompetente guión derrumbe estos tecnicismos. Las muertes sin ser demasiado originales también mantienen un buen nivel, fuera de esto la cinta cae en el ridículo extremo.

En el apartado interpretativo no hay nada que destacar, además de todas las gilipolleces propiciadas por culpa del nefasto guión, que los actores sueltan por la boca constantemente, éstos son puros estereotipos del adolescente fiestero americano. A la hora de la verdad, únicamente saben gritar y correr como un pingüino mareado. En ese aspecto la cinta consigue el propósito, los odias y estas deseando que los maten a todos, finalidad de cualquier slasher.

Este remake de Viernes 13 es una decepción en mayúsculas, intentando emular el estilo de las anteriores entregas, no consigue prácticamente nada positivo. Solo pueden remarcarse algunos contados momentos dignos de pertenecer a la saga, pero el resto se lo podrían haber ahorrado. Estamos ante otro tráiler que supera a la película entera.
El doblaje al castellano es lamentable, aún destaca más las penurias del guión, por llamarlo así. El ritmo de la película es exasperante, mal escrita, sin sentido ni sensibilidad alguna.

House, una casa alucinante

TITULO ORIGINAL: House (AKA House: Ding Dong, You're Dead)
AÑO: 1986
DURACIÓN: 93 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Steve Miner
GUIÓN: Ethan Wiley (Historia: Fred Dekker)
MÚSICA: Buddy Feyne, Harry Manfredini
FOTOGRAFÍA: Mac Ahlberg
REPARTO: William Katt, George Wendt, Richard Moll, Kay Lenz, Mary Stavin, Michael Ensign, Erik Silver, Mark Silver, Susan French
PRODUCTORA: New World Pictures

Roger Cobb es un exitoso escritor de novelas de terror. Su hijo Jimmy desapareció misteriosamente durante una visita a casa de su tía y desde entonces lo ha buscado obsesivamente. Tras la trágica muerte de su tía, Roger decide instalarse en su casa para escribir, pero terribles visiones y manifestaciones sobrenaturales le hacen intuir que su hijo está prisionero en algún lugar de la casa. A partir de esta intuición, empieza a luchar contra fuerzas diabólicas.

Esta película es otro ejemplo de cómo a menudo se mezcla el terror con la comedia. Enfocando su desarrollo desde un punto surrealista, House (una casa alucinante) se aleja de cualquier semejanza con un producto similar. Excepto por ser una película de casas encantadas, tiene un toque distinto a lo habitual. Una película de limitada calidad, pero con lo suficientes elementos para entretener, sin embargo, es mejor revisionarla para recordar aquella película que viste durante tu infancia, cuando su portada te cautivó en el videoclub. Si durante tu infancia no te causó ese efecto, no es indispensable que la veas, lo más probable es que te arrepientas.

De todos modos, la película no es tan nefasta como parece ser. Con un modesto reparto de actores, el protagonista Roger Cobb (William Katt), más conocido por su papel en la serie El gran héroe americano y su vecino Haroll (George Wendt), Norm en la serie Cheers, aunque sus actuaciones no tienen mayor compromiso que lo que ofrece la película, son los que se reparten el peso en la mayoría de situaciones.

Durante el film, Roger vivirá variopintas situaciones, enfrentándose a horribles seres, herramientas de jardinería y fantasmas. Escenas en las que sus efectos especiales, son ideales para asombrarte lo suficiente durante la infancia y bastante artesanales para hacerte sonreír en la actualidad.

La banda sonora está compuesta por piezas cortas de sintetizadores e instrumentos de cuerda, que consiguen crear la tensión y ambientación que necesita la película. Con un desenlace para todos los públicos, el film queda como una simpática curiosidad, mancillado con los años tras recibir dos entregas más de bajísimo nivel.

El curioso caso de Benjamin Button

TITULO ORIGINAL: The Curious Case of Benjamin Button
AÑO: 2008
DURACIÓN: 167 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: David Fincher
GUIÓN: Eric Roth (Historia: F. Scott Fitzgerald)
MÚSICA: Alexandre Desplat
FOTOGRAFÍA: Claudio Miranda
REPARTO: Brad Pitt, Cate Blanchett, Taraji P. Henson, Tilda Swinton, Jason Flemyng, Julia Ormond, Eric West, Elias Koteas, Elle Fanning
PRODUCTORA: Paramount Pictures / Warner Bros. Pictures

Un hombre (Brad Pitt) nace con ochenta años y va rejuveneciendo a medida que pasa el tiempo, es decir, en lugar de cumplir años los descumple. Ésta es la historia de un hombre extraordinario, de la gentes que va conociendo, de sus amores, pero sobre todo de su relación con Daisy (Cate Blanchett).

David Fincher ya deleitó hace más de una década con Seven a la que seguirían El club de la lucha o La habitación del pánico. Con éste film se desmarca del thriller, y vuelve a impactar pero con el drama de toda una vida, El curioso caso de Benjamin Button es la adaptación de un relato corto de igual título, escrita por F. Scott Fitzgerald en 1921.

Benjamin Button (Brad Pitt) nace con un cuerpo de ochenta años y con mentalidad de recién nacido, éste va rejuveneciendo físicamente y envejeciendo mentalmente con el paso del tiempo. Desde la Nueva Orleans de finales de la I Guerra Mundial hasta el siglo XXI, el film nos adentra en un viaje tan variado como puede llegar a ser la vida de cualquier hombre, pero con la peculiaridad de que Button no es un hombre ordinario, la gente que va conociendo a través de su vida, amigos y amores van desapareciendo antes que él. Conoce las alegrías de la vida y la tristeza de la muerte que perduran más allá del tiempo.

Su extensa duración podría haber sido un gran lastre para la película, pero gracias a un elaborado y efectivo guión escrito por Eric Roth, que también se ha encargado de adaptar la historia, se relatan los momentos y periodos de transición entre décadas, los cuales suelen ser realmente importantes en la vida de un hombre, de manera pausada al mismo tiempo que fluida.

Todo se sucede con el ritmo y velocidad adecuado a cada época, en la que la magistral banda sonora, además de brillantes piezas instrumentales, también introduce canciones propias a cada época, situando así al espectador en cada momento.
Aunque en algún pasaje de la vida de Button, el espectador puede llegar a sentirse expulsado fuera de la historia, como en el primer romance de Button. Fincher lo sabe y sin entretenerse, éste consigue recuperar el interés del espectador.

El apartado técnico es excelente en general, fotografía, movimientos de cámara muy precisos, suaves travellings y panorámicas excelentes, donde el zoom juega un papel importante, dando tiempo al espectador a apreciar detalles de los escenarios y sus personajes.
Pero si algo merece halagos y vítores, es el gran realismo y caracterización de ambos protagonistas, Button y Daisy (Pitt y Blanchett), en la etapa intermedia de sus vidas hasta llegar al envejecimiento de Daisy y, en consecuencia, el rejuvenecimiento de Button. Realizado en la medida de lo posible con maquillaje, el logro es plausible, las facciones de él en su etapa más han sido creadas digitalmente, pero el nivel de realismo es tal que resulta creíble en su totalidad. Llega a superar a Gollum en El señor de los anillos, convirtiendo el apartado de efectos digitales en un gran logro, lo malo es que a este ritmo no distinguiremos la realidad de la "ficción".

A medida que los personajes van apareciendo e introduciéndose en la vida de Button, la historia va cogiendo fuerza e interés, donde la relación de personajes prima ante todo, sin esto la cinta caería inevitablemente en un pozo sin fondo y pasaría a rozar lo insoportable dada su extensa duración, pero suceden tantas cosas y de manera tan fluida que apenas te das cuenta estás a las puertas del desenlace.

Una película en la que pasan tantas cosas de una manera tan fluida que no da tiempo a aburrirte, pero recomiendo verla despejado.

Cronos

TITULO ORIGINAL: Cronos
AÑO: 1991
DURACIÓN: 92 min.
PAÍS: México
DIRECTOR: Guillermo del Toro
GUIÓN: Guillermo del Toro
MÚSICA: Javier Álvarez
FOTOGRAFÍA: Guillermo Navarro
REPARTO: Federico Luppi, Ron Perlman, Claudio Brook, Margarita Isabel, Tamara Sanath
PRODUCTORA: Prime Films / Producciones Iguana S.A.

Cronos es un artefacto creado por un alquimista medieval, en cuyo interior se encuentra instalado un insecto, que se alimenta de sangre y tiene el poder de ofrecer la eterna juventud.

Recientemente he adquirido Cronos, el primer largometraje de Guillermo del Toro, en edición coleccionista de dos discos a un precio bastante económico. Tras revisionarla, me dispongo a reseñar su notable debut. Del Toro es uno de los directores que a base de esfuerzos personales han llegado a Hollywood.

Actualmente el cineasta mexicano, es más recordado y conocido por El Laberinto del Fauno o Hellboy, pero en sus inicios éste nos deleita, con una obra que reinventa el mito del vampirismo, conduciendo sus tópicos hacia el género fantástico, en el cual desmitifica el cristianismo mezclándolo con el alquimismo, atención a los nombres de los personajes, una extraña formula que en éste caso logra unos buenos resultados.

Jesús Cris (Federico Luppi) es un anticuario que vive con su nieta, por azar adquiere un artefacto fabricado por un alquimista en 1535 en el cual reside el poder de la inmortalidad. Pero Dieter de La Guardia (Claudio Brook) un enfermo terminal, con la ayuda de Angel de La Guardia (Ron Perlman) estará dispuesto a conseguir el artefacto a cualquier precio.

Del Toro que ya había dirigido dos cortometrajes y algunos capítulos para una serie televisiva, llevaba varios años re-escribiendo el guión y el story board. En él podemos encontrar todas sus influencias cinematográficas, haciendo hincapié en dos géneros concretos, el horror y el fantástico. Géneros que lo han caracterizado en su faceta de director, una 'imagen' y estilo que a día de hoy con seis películas a sus espaldas (siete, si contamos Cronos), ya conocemos sobradamente. Del Toro también es un gran aficionado al mundo del comic, esas referencias se denotan en los diseños de escenarios, objetos o el propio artilugio en forma de escarabajo.

Como toda historia relacionada con el mito vampírico encontramos una relación de amor, esta vez no es puramente sexual o erótica. Es un amor menos visceral, la relación entre Jesús (Luppi) y su nieta, sin duda recuerda a la versión clásica de Frankenstein realizada en 1931, donde la inocencia de la niña y su conocimiento de la vida y la muerte la hacen "inmortal" a todo lo que sucede a su alrededor. Aunque la caracterización de Luppi nos acercará al cuento de Pinocho.

En las interpretaciones el peso de la cinta cae sobre Ron Perlman y Federico Luppi, ambos son los que llevan prácticamente el ritmo de la historia sobre sus hombros, Cronos es una historia de pocos personajes convirtiendo a éstos en sus máximos protagonistas.

En el apartado técnico, la fotografía es el mayor logro film, va de un extremo a otro sin definirse por una tonalidad concreta, pero lo hace con tremenda facilidad. Colores vivos y llamativos como en las películas de la Hammer y oscuros y góticos como en algunas de las películas de Tim Burton. Por momentos, la disminución del color y sus apagadas tonalidades la acercan a una película en blanco y negro. La iluminación es "pobre" en los ángulos sobre todo en las escenas nocturnas, que priman a partir de medio film, volviéndose éste cada vez más siniestro y lúgubre.

La banda sonora acompaña con perfección y maestría durante toda la cinta, especialmente en estas escenas tan lúgubres, temas lentos y melancólicos, excepto en momentos un poco mas frenéticos de golpes rítmicos que simulan muy bien el caos y destrucción que causa el preciado artilugio. Aunque en general el ritmo de la película y su historia no tiene un gran frenesí, es lenta pero gracias a un efectivo guión, el espectador mantiene su atención puesta en sus personajes hasta llegar al romántico y melancólico desenlace.

Una profunda historia a la par que sencilla sobre el mito del vampirismo, un debut que supone un gran arranque como director, del que poca gente parece recordar en su filmografía, recomendable para los amantes del horror y el fantástico.

Hierro 3

TÍTULO ORIGINAL: Bin-jip
AÑO: 2004
DURACIÓN: 95 min.
PAÍS: Corea del Sur
DIRECTOR: Ki-Duk Kim
GUIÓN: Ki-Duk Kim
MÚSICA: Slvian
FOTOGRAFÍA: Jang Seung-beck
REPARTO: Seung-yeon Lee, Hee Jae, Kwon Hyuk-ho, Joo Jin-mo, Choi Jeong-ho, Lee Joo-suk, Lee Mi-sook, Moon Sung-hyuk
PRODUCTORA: Kim Ki-duk Film

El destino cruza los caminos de Tae-suk y Sun-hwa, aunque sus existencias están abocadas a no dejar huella en el mundo. Se conocen cuando Tae-suk entre en casa de Sun-hwa, y enseguida saben que son almas gemelas. Como si estuvieran unidos por vínculos invisibles, descubren que no pueden separarse y aceptan en silencio su nuevo y extraño destino.

Hierro 3, obra de referencia del coreano Kim Ki-Duk, es una película extraña, original y crítica con muchos de los conceptos que damos por sentados. Ya formalmente la película sorprende por la práctica ausencia de diálogos, aunque esto no vaya en detrimento de la historia, muy bien articulada en torno a un guión depurado, escrito por el mismo director.

Respecto a la historia, la película es también crítica con una de las bases de nuestra cultura, la identidad. Para ello, elige hablarnos sobre un hombre, un ser que no existe:

• No tiene nada, vive en las casas de los demás sin que ellos lo sepan, aunque no les roba y procura hacendosamente compensarles.
• No se define, ni se justifica... simplemente no habla, sus actos hablan por él.
• No se le ve, aprende a ser invisible, desaparecer a los ojos de todas las personas, menos de una.

Otro fantasma en el silencio, una mujer anulada por marido maltratador, que se enamora de él admirando a escondidas su manera de hacer, y se le une para habitar un vacío en común.
Durante la cinta los protagonistas no hablarán entre sí, su existencia se ciñe a lo esencial. Y para subrayar esto, una factura audiovisual intachable: excelentes contraplanos, fotografía esmerada y la banda sonora, simple y emocional, que nos envuelve en un halo de irrealidad.

My Name is Bruce

TITULO ORIGINAL: My Name is Bruce
AÑO: 2007
DURACIÓN: 86 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Bruce Campbell
GUIÓN: Mark Verheiden
MÚSICA: Joseph LoDuca
FOTOGRAFÍA: Kurt Rauf
REPARTO: Bruce Campbell, Ted Raimi, Mike Richardson, Casey Larios, Dani Kelly, Jeff Hunter, Adan Boyd, Mike Estes, Janelle Farber, Kieran Henthorn, Dan Hicks, Michael Kallio, David Moore, Ellen Sandweiss, Grace Thorsen
PRODUCTORA: Dark Horse Entertainment / Image Entertainment

Un pequeño pueblo es asediado por un grupo de demonios después de que unos adolescentes desaten una antigua maldición. Los habitantes recurrirán al actor Bruce Campbell y se verá inmerso en una película de Serie-B. Pese a sus protestas y su intento de convencer a los habitantes de que tan sólo es un actor, se verá obligado a convertirse en el heroico personaje que suele interpretar y salvar al pueblo.

Todo buen amante del género de terror, que se precie a sí mismo, debe ser conocedor de Posesión infernal, obra mítica del género dirigida por Sam Raimi. Con dos secuelas a sus espaldas -la segunda parte fue un remake/secuela y la tercera una 'fiesta' con momentos plenamente fantásticos. Ambas adquirieron un tono de comedia mezclado con el terror en muy buenas proporciones, aunque mi preferida sigue siendo la original. A pesar de ser conocida como trilogía, las secuelas se alejaban del terror puro y duro que tenía la original, siendo una de las películas que más pesadillas me produjo en mi infancia.

Cuando se anuncio que se iba a realizar una cuarta entrega de nuestro querido Ash (Bruce Campbell), la verdad, me hizo bastante ilusión. Su argumento parecía divertido y ciertamente original, incluso el propio Campbell que se supone se interpreta a sí mismo, aunque yo dudo bastante que el actor sea así en la vida realponía mucha ilusión en el proyecto. Éste se verá inmerso en una historia de fantasmas similar a cualquier película japonesa del estilo Zu, guerreros de la montaña mágica, sin duda prometía diversión y degeneración visual y argumental, de la talla mostrada en la tercera entrega, lamentablemente no es así.

El título con la tipografía de Indiana Jones en la portada, no es más que un reclamo inconsciente para el espectador, además, no acabo de entender la gracia puesta en ello.
No esperaba una gran película, pero la decepción ha sido tremenda. Su principal fallo reside en quererla hacer extremadamente graciosa, tanto que se les va de las manos. La culpa la tiene el zafio guión que contiene bromas bastante propias para una teen movie americana. La intención de auto parodiar al propio personaje me gusta, pero se vuelve demasiado ridículo.

Además, recurre a todos los tópicos vistos en miles de cintas, el típico personaje egoísta que no quiere ayudar al pueblo, pero al final éste encuentra su destino, convirtiéndose en el héroe que vence a los malos, consigue a la chica y todos comen perdices.

Los efectos especiales que prometían diversión a raudales, fallan en su cometido, falta más gore y más sangre, o como mínimo, un poco más de acción y ritmo. Pero nada de esto se cumple y aunque hay unas cuantas decapitaciones, me han sabido a poco. El malo podría haber subsanado parte del imperdonable error, pero su falta de carisma, estropea más el resultado. Parece un villano de los Power Rangers.

La banda sonora no está mal, pero es fácilmente olvidable. En el apartado técnico la cámara se mueve bien en un entorno muy acorde con la serie B. Lo más destacable es la fotografía, adquiere cierta similitud en las escenas nocturnas con la primera entrega de la saga, aunque sin producir ni un mínimo atisbo de terror, si bien, resulta nostálgico

El final en tono de comedia absurda "juega" con el espectador intentando divertir al público, pero a esas alturas ya ni siquiera el desenlace consigue remontar semejante despropósito. He intentado buscar motivos a donde agarrarme para salvar la película, pero no los encuentro. Una cuarta entrega que prometía ser una "fiesta" de la serie B a la altura de la desmadrada tercera parte, sin embargo, Bruce deja al espectador con un pie en cada lado. Sólo recomendable para ultra fans de la saga.

El luchador

TITULO ORIGINAL: The Wrestler
AÑO: 2008
DURACIÓN: 105 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Darren Aronofsky
GUIÓN: Robert D. Siegel
MÚSICA: Clint Mansell
FOTOGRAFÍA: Maryse Alberti
REPARTO: Mickey Rourke, Marisa Tomei, Evan Rachel Wood, Judah Friedlander, Ajay Naidu
PRODUCTORA: Wild Bunch / Protozoa Pictures

Randy "The Ram" Robinson (Mickey Rourke) es un luchador profesional de wrestling, ya retirado que, tras haber sido una estrella en la década de los ochenta, trata de continuar su carrera en el circuito independiente, combatiendo en cuadriláteros de tercera categoría. Cuando se da cuenta de que los brutales golpes que ha recibido a lo largo de su carrera le empiezan a pasar factura, Randy decide poner un poco de orden en su vida; intenta acercarse a la hija que abandonó, Stephanie (Evan Rachel Wood), a la vez que trata de superar su soledad con el amor hacia Cassidy, una streaper (Marisa Tomei).

Esta mañana de un lunes cualquiera, hemos madrugado como miles de ciudadanos que se dirigen a su puesto de trabajo, pero nuestro esfuerzo ha valido realmente la pena. Hemos asistido al pase de prensa El luchador, la nueva película de Darren Aronofsky.

La verdad, el año ha empezado realmente fuerte en lo que a cine dramático se refiere. La historia es sencilla, pero el papel interpretado por Mickey Rourke transmite una fuerza de grandes proporciones, y sin duda el peso de la cinta cae sobre él. No por ello voy a negar la excelente interpretación Evan Rachel Wood en el papel de hija o la notable Marisa Tomei, que además se marca un pedazo de "baile" que nos dejara babeando.

La mayor parte de la cinta esta filmada con un sutil efecto de cámara en mano, al principio esto puede parecer poco profesional en una cinta de estas características, pero el resultado es realmente excelente. Te introduce dentro de la historia, como si realmente el propio espectador se encontrara in situ viendo todo lo sucedido en primera persona.

El trabajo por parte de Aronofsky es excelente, consigue acercarnos a la historia sin grandes artificios, aunque todo esto no tendría sentido sin un Mickey Rourke inspiradísimo, que parece renacer de sus propias cenizas metiéndose en la piel del luchador. Un luchador que tiene muchos puntos en común con la propia vida del actor, puede que por este motivo haya conseguido hacer realmente suyo el personaje, interpretando el papel de su carrera muestra un abanico de emociones a través de su rostro marcado por el tiempo.
Un luchador tanto en el ring como fuera de él, que tendrá que enfrentarse al combate más duro de toda su vida superando su condición física, intentar redimir sus errores del pasado y recuperar el cariño perdido de su hija a la vez que toma las riendas de su propia vida.

De la banda sonora de la película no hay nada que decir en contra, compuesta por una selecta selección de temas heavy metal y hard rock de los ochenta, haciendo mención a grupos como Accept, Guns n' Roses o Quiet Riot entre otros. Si bien para algunas partes dramáticas se han compuesto algunos cortes de la misma calidad que en Réquiem por un sueño.

El resto del apartado técnico es notablemente modesto, pero con la calidad suficiente para hacerte creer que estás viendo la vida real del protagonista. Con un desenlace suficiente emotivo sin caer en tópicos, consigue dejarte con un gratificante recuerdo. Una película que desde Los criticonos, recomendamos especialmente ver en los cines a partir de su estreno, el 20 de febrero del 2009.