Grotesque

Grotesque dirigida por Kôji ShiraishiTITULO ORIGINAL: Gurotesuku (Grotesque)
AÑO: 2009
DURACIÓN: 73 min.
PAÍS: Japón
DIRECTOR: Kôji Shiraishi
GUIÓN: Kôji Shiraishi
FOTOGRAFÍA: Yôhei Fukuda
REPARTO: Hiroaki Kawatsure, Tsugumi Nagasawa, Shigeo Ôsako
PRODUCTORA: Ace Deuce Entertainment / JollyRoger / Tornado Film

Una joven pareja, Aki (la estrella del cine para adultos Tsugumi Nagasawa) y Kazuo (Kawatsure Hiroaki), son secuestrados cuando pasean por la calle por un sádico demente (Osako Shigeo) que los encierra en un sótano y los somete a degradantes torturas, degradación y toda clase de mutilaciones.

Con un planteamiento similar a Hostel, pero sin ningún tipo de preámbulos, empieza esta cinta de torturas al estilo Guinea Pig (o al menos es la pinta que tenía inicialmente). Osako Shigeo, se pone en la piel del psicópata (que guarda un gran parecido con Takeshi Kitano de joven) que los encierra en un sótano y los somete a degradantes torturas y vejación sexual mediante toda clase de mutilaciones, con el único objetivo de excitarse sexualmente.

Que la película es provocadora y está hecha para poner el grito en el cielo, sí, pero a estas alturas la intención resulta fallida. Es mucho más escandalosa políticamente hablando, que visualmente.
Debido a su lentitud argumental, las escenas de torturas pasan a un segundo plano. Además hay pocas y flojas, al menos para mí. Hace diez años habrían levantado algo más de revuelo, pero el público que se dedica a seguir este tipo de producciones, ya ha visto demasiadas burradas, siendo difícil sorprenderlos.


A diferencia de otras obras de esta calaña, aquí el guión se centra más en explicarnos una historia de amor que lo prometido en el tráiler, con esto no quiero decir que no haya escenas gore, que las hay, pero se aprovecha mucho más y exprime al máximo el concepto moralista ¿qué estarías dispuesto a dar por amor?

Los efectos especiales no están nada mal teniendo en cuenta el bajo presupuesto que habrá tenido (aunque algún que otro plagio nos encontramos, entre ellos uno de Braindead) y son bastante similares a producciones como Tokyo Gore Police, mucho más humorísticas. La diferencia entre ambas, reside en el aire serio que se le intenta dar a Grotesque, entonces se nos viene encima un gran defecto en las interpretaciones ¿qué ser humano sería capaz de aguantar tales torturas con esa impasibilidad y falta de gritos?

Es cierto que al público en general puede resultarle incomoda de ver, pero al público acostumbrado a este tipo de cine extremo, puede llegar incluso a encontrarla aburrida en algunos momentos, aún más después de haber leído alguna prometedora crítica y ver el tráiler que promete más de lo que termina ofreciendo. Personalmente, me esperaba algo mucho más polémico y llamativo.

Puntuación

La isla de los hombres peces

La isla de los hombres peces dirigida por Sergio MartinoTITULO ORIGINAL: L'isola degli uomini pesce
AÑO: 1979
DURACIÓN: 93 min.
PAÍS: Italia
DIRECTOR: Sergio Martino
GUIÓN: Sergio Martino, Sergio Donati, Cesare Frugoni (Historia: H.P. Lovecraft)
MÚSICA: Luciano Michelini
FOTOGRAFÍA: Giancarlo Ferrando
REPARTO: Barbara Bach, Claudio Cassinelli, Richard Johnson, Beryl Cunningham, Joseph Cotten, Giuseppe Castellano, Roberto Posse, Franco Mazzieri
PRODUCTOR: Luciano Martino
PRODUCTORA: Dania Film / Medusa Produzione

Hacia finales de 1800, un grupo de penados, evadidos de un presidio, naufraga y llega a la costa de una isla misteriosa, que no aparece en los mapas. En el interior de la isla, criaturas extrañas matan a todos los que se acercan a las lagunas o pozos de agua. Los presidiarios están a punto de morir de sed y de hambre, cuando el encuentro providencial con una hermosa mujer, que llega a caballo, los lleva a la única casa que hay en la isla, y que pertenece al marido de la mujer, hombre extraño, que se llama Rackhman. Éste concede hospitalidad a los presidiarios, y en la casa y en toda la isla se oculta un secreto que todos conocen, menos los penados. Una noche uno de los presidiarios es asesinado por una misteriosa criatura negra que sale de las aguas

Sergio Martino siempre demuestra cómo se hace cine barato, supongo que en su momento está película estaba destinada a un público adolescente o a sesiones dobles como la película mala de relleno. Con una historia basada en una novela de H.P. Lovecraft, como muchas producciones de esa época. Si bien al ver la portada, es inevitable pensar en cómics como 1984 o Creepy.

La película dispone de una atmósfera de cine clásico de aventuras, pero no tarda mucho tiempo en salir a flote la escasez de medios. Al principio se mantiene un nivel de tensión adecuada, pero con lo flojos que son los diálogos y la baja de calidad del guión, el producto queda mediocre.


Los efectos de la película no pasan de pequeñas maquetas, imágenes de archivo y trajes casposos. Cuando aparecen los hombres peces, es un momento tan emocionante como estúpido, parece mentira como sin poder recrear lo que necesitan esas escenas, se aventuren a mostrar un montaje absurdo y desconcertante, pero efectivo.


Las actuaciones del reparto son como las perlas, brillan por su ausencia, y están bastante descuidadas, aunque la traducción al castellano ayuda mucho a la degradación del producto final. Se puede destacar la aparición de Bárbara Bach (Cavernícola, 1981), pero el resto, son algunos actores que ya han trabajado con Sergio Martino y que no aportan ningún elemento especial a la película.


La banda sonora de Luciano Michelini, también está a la altura de lo que ofrece la película, ritmos absurdos y repetitivos, melodías que no vienen a cuento pero que contienen una esencia que las hace especiales.
Luciano Michelini ya colaboró con Sergio Martino en producciones como La polizia accusa: il servizio segreto uccide, La città gioca d'azzardo, Morte sospetta di una minorenne, todas de 1975.
Durante los años ochenta y noventa también trabajaron juntos en varias películas, lo que no puedo es corroborar si el nivel de las bandas sonoras a mejorado, como tampoco puedo hacerlo con las últimas películas de Sergio Martino.

Puntuación

El patio de mi cárcel

El patio de mi cárcel dirigida por Belén MaciasTITULO ORIGINAL: El patio de mi cárcel
AÑO: 2008
DURACIÓN: 99 min.
PAÍS: España
DIRECTORA: Belén Macías
GUIÓN: Belén Macías, Arancha Cuesta, Elena Cánovas
MÚSICA: Juan Pablo Compaired
FOTOGRAFÍA: Joaquín Manchado
REPARTO: Verónica Echegui, Candela Peña, Blanca Portillo, Ana Wagener, Violeta Pérez, Natalia Mateo, María de la Pau Pigem, Tatiana Astengo, Ledicia Sola
PRODUCTORA: El Deseo / Warner Bros. Pictures

El patio de mi cárcel es una historia de mujeres. Mujeres presas, excluidas. Es la historia de Isa, una atracadora, ácida y generosa, incapaz de adaptarse a la vida fuera de la cárcel. Y de su grupo de amigas: Dolores, una gitana rubia que ha matado al marido; Rosa, una frágil y tierna prostituta; Ajo, una chica enamorada de Pilar que vivirá su amor hasta el límite de lo soportable; Luisa, una cándida colombiana sorprendida por un entorno que no comprende... La llegada de Mar, una funcionaria de prisiones que no se adapta a las normas de la institución, supondrá para esas mujeres el inicio de un vuelo hacia la libertad. Con la ayuda de Adela, la directora de la prisión, crearán Módulo 4, el grupo de teatro que las llenará de fuerza para encarar el "mal bajío" con el que llegaron al mundo.

Otra película sobre cárceles donde el tratamiento que se da a la cárcel es algo distinto. No veremos un lugar oscuro e asfixiante, está tratada con vitalidad y realismo. De ese modo toman más protagonismo los dramas que cada una de las reclusas soporta. El punto de vista de este drama carcelario femenino es mostrado desde los sentimientos de las presidiarias. Se reivindica la mejora de las condiciones carcelarias y se intenta hace al público parte de todo.

Esta es la opera prima de la directora Belén Macías, que apuesta por un apartado técnico sencillo y se centra en el guión, de ese modo la película queda floja. El desarrollo de la historia no es fluido, el montaje es muy sencillo con interludios no muy acertados.


Donde se puede destacar lo positivo es en la dirección de actores y actrices. Se perfila muy bien los personajes, se transmiten sus emociones, pero no se termina de profundizar lo suficiente, su evolución es predecible y en muchas ocasiones el dramatismo es forzado. También nos encontramos con los estereotipos carcelarios, la yonqui, la macarra, la puta, la narco, la veterana, la lesbiana, la novata, parece que no falta nadie, sin pasar por las celadoras. Donde también encontramos los tópicos que se esperan, pero sin demasiada relevancia.


Hay que destacar las interpretaciones de las actrices principales, sobre todo Verónica Echegui y Candela Peña, buenas interpretaciones en una producción que se podría exprimir mucho más. Inspirada en un caso real, la historia se centra en mostrar el horror de ver sufrir a una persona durante su trato vejatorio de recepción en la cárcel, las frustraciones de quienes piensan que no se merecen estar ahí, desengaños y la incapacidad de volver a adaptarse a la sociedad.

Puntuación

Malditos Bastardos

Malditos Bastardos dirigida por Quentin TarantinoTITULO ORIGINAL: Inglourious Basterds (Inglorious Bastards)
AÑO: 2009
DURACIÓN: 153 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Quentin Tarantino
GUIÓN: Quentin Tarantino
MÚSICA: Varios
FOTOGRAFÍA: Robert Richardson
REPARTO: Brad Pitt, Diane Kruger, Christoph Waltz, Daniel Brühl, Mélanie Laurent, Eli Roth, Michael Fassbender, Samm Levine, B.J. Novak, Til Schweiger, Gedeon Burkhard, Paul Rust, Michael Bacall, Omar Doom, Sylvester Groth, Julie Dreyfus, Jacky Ido, August Diehl, Martin Wuttke, Richard Sammel, Christian Berkel, Sönke Möhring, Mike Myers, Rod Taylor, Denis Menochet, Cloris Leachman, Samuel L. Jackson, Enzo G. Castellari
PRODUCTORA: Coproducción USA-Alemania; Universal Pictures / The Weinstein Company / Lawrence Bender Productions / Neunte Babelsberg Film

Segunda Guerra Mundial. Durante la ocupación alemana de Francia, Shosanna Dreyfus (Mélanie Laurent) presencia la ejecución de su familia a manos del coronel nazi Hans Landa (Christoph Waltz). Shosanna consigue escapar y huye a París, donde se forja una nueva identidad como dueña y directora de un cine. En otro lugar de Europa, el teniente Aldo Raine (Brad Pitt) organiza un grupo de soldados judíos para tomar represalias contra objetivos concretos. Conocidos por el enemigo como “The Basterds” (Los cabrones), los hombres de Raine se unen a la actriz alemana Bridget Von Hammersmark (Diane Kruger), una agente secreto que trabaja para los aliados, con el fin de llevar a cabo una misión que hará caer a los líderes del Tercer Reich. El destino quiere que todos se encuentren bajo la marquesina de un cine donde Shosanna espera para vengarse...

A estas alturas todos sabemos que Tarantino se inspira en cientos y cientos de películas visualizadas por él mismo y esto no debería sorprendernos, aun así es innegable que su talento reside en la manera de combinar todas esas escenas con extensos guiones de una cantidad innumerable de diálogos, pero con la calidad suficiente para que la duración de la cinta no se convierta en algo tedioso y aburrido.


Malditos bastardos ha sido estructurada de manera similar al planteamiento ofrecido en Pulp Fiction. Esta vez más similar a una partida de póker en la que se reparten las cartas, se plantea cada jugada y se obtiene el resultado. De esta forma, la película se divide en cinco capítulos, en el que cada uno se nos plantea una situación diferente con sus propios personajes, luego la acción a realizar y en el último capítulo todo se fusiona con gran maestría. Y el hecho de dividirla en cinco capítulos, me parece un gran acierto para separar la cantidad de personajes y situaciones con gran claridad desde el primer minuto.

La fotografía me parece impecable junto a un agradable movimiento de cámara con planos sobrios de cada escenario y primeros planos de cada personaje.
Como novedad en este campo -debido a exigencias de la historia y de su extensa duración- también realiza zooms a objetos considerados "importantes" dentro de la historia, aunque bajo mi punto de vista en algunas escenas esto no sería necesario, no está de más recurrir a ello, asegurándose así que el espectador no pasa por alto ciertos detalles.


Una diferencia algo más notable respecto a sus anteriores trabajos, es que a pesar de cierta denotación humorística en toda su carrera, Malditos Bastardos es el más humorístico de todos y al mismo tiempo, la más bestia de todas, rozando el gore en algunos momentos, con perdón de Kill Bill.

La propia presentación de los personajes, a destacar la del Sgt. Hugo Stiglitz interpretado por Til Schweiger, (lástima que su personaje no se aproveche lo suficiente el resto de cinta), aunque todas las presentaciones están muy logradas. Las situaciones a las que se verán sometidos la mayoría de ellos realzan el aire auto paródico de toda la cinta.


Las interpretaciones resultan de un nivel aceptable en general y aunque Eli Roth no resulta convincente, me gusta como queda su cara de cretino en el personaje Sgt. Donny Donowitz.

De la banda sonora no hace falta decir que Tarantino como buen melómano, sabe elegir con gran acierto cada tema. Una banda sonora igual de variada que en todas sus anteriores películas, compuesta por temas de película italiana de serie B hasta música machacona a base de guitarras pasando también por algunos temas de Morricone, una delicia.

No es la mejor película de Tarantino, pero sigue manteniendo ese nivel al que nos tiene acostumbrados. Y aunque Death Proof dejo a muchos fans decepcionados (no fue mí caso) pienso que con esta cinta recuperara público, aunque no todo el que debería. La verdad, si sigue así tenemos Tarantino para rato.

Puntuación

Across the universe

* Crítica realizada por Pseudolus

Across the universe dirigida por Julie TaymorTITULO ORIGINAL: Across the Universe
AÑO: 2007
DURACIÓN: 133 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Julie Taymor
GUIÓN: Julie Taymor, Dick Clement, Ian La Frenais
MÚSICA: Elliot Goldenthal
FOTOGRAFÍA: Bruno Delbonnel
REPARTO: Evan Rachel Wood, Jim Sturgess, Joe Anderson, Bono, Eddie Izzard, Dana Fuchs, Cynthia Loebe, T.V. Carpio, Martin Luther
PRODUCTORA: Revolution Studios

Musical romántico ambientado en los años 60 del siglo XX en la época de los años turbulentos de las protestas contra la guerra, la exploración mental y el rock'n roll. La historia gira en torno a institutos y universidades en Massachusetts, Princeton y Ohio, y se traslada desde los muelles de Liverpool hasta la psicodelia creativa de Greenwich Village en Nueva Cork; desde las calles rasgadas por las revueltas en Detroit, hasta los campos de muerte de Vietnam. Ah, y con música de los Beatles.

En estos últimos años estamos viviendo un resurgir del género musical, que si bien no está llegando a los extremos de la gloriosa época comprendida entre los 40 y los 60, sí que está ofreciendo una serie de productos más o menos dignos y/o digeribles. Dentro de este resurgir están apareciendo (especialmente en formato teatral) propuestas consistentes en utilizar la música de alguna banda de culto (Abba en Mamma Mia, Queen en We will rock you, Mecano en Hoy no me puedo levantar) o de hits recientes (Moulin Rouge, o Al Otro lado de la cama), confiando en que la selección musical ya será de por si un reclamo para vender la película. El problema es que la música, por buena que sea, sólo es un porcentaje del total, y que por encima de todo, hay que contar una historia (y conseguir que esta resulte interesante, o al menos, entretenida).

¿A qué viene toda esta parrafada previa? Pues que básicamente, es la historia (y su realización) el mayor lastre de esta película. Recapitulemos: a priori, la combinación Beatles (para mí, la mayor banda de todos los tiempos) y Julie Taymor (una directora con un poderío visual innegable) podía sonar más que atrayente, pero acaba convirtiéndose en un proyecto cada vez más fallido a medida que avanza el metraje (y ojo, que hablamos de 133 minutos, la versión que Taymor quería estrenar superaba las 3 horas).


Los motivos son simples: Julie Taymor es una excelente directora en lo visual, pero su concepto de la concreción es inversamente proporcional a su ego (hablamos de alguien que en su momento se autodefinió como “la Spielberg del teatro”, así que ya os podéis hacer a la idea de como se las gasta la señora).

La película adolece de un exceso de personajes (todos ellos con su correspondiente presentación y el consiguiente coste en metraje), aunque la mayoría de ellos quedan reducidos a meras comparsas que no aportan nada, salvo minutos y minutos que bien podrían haberse invertido en hacer que todo fluyera de una manera más ágil (¿alguien ha dicho Prudence?).
Por otro lado, la directora parece querer hacer una radiografía del país durante la convulsa época de Vietnam, con lo que el desparpajo inicial se disuelve en una trascendencia algo cargante y degenera en un tufillo pretencioso bastante molesto.

Básicamente, el gran problema de Across the universe es que es una película que se toma demasiado en serio a sí misma, a años luz del desparpajo que muestran productos de origen similar como Mamma Mia o Moulin Rouge (y que resultan mucho más entretenidos y digeribles).


¿Cosas buenas? Pues tambien las hay. La historia consigue hacer encajar las canciones con mucha naturalidad (algo que a priori parece muy simple pero que no lo es tanto), la interpretación de los actores es bastante correcta en todos los aspectos (teniendo en cuenta el toro con el que les toca lidiar), y la banda sonora contiene grandes versiones de los Beatles (aunque en esto, Julie Taymor tenga poco que ver y el tanto deba apuntárselo Elliot Goldenthal).

Visualmente la película también tiene grandes momentos, pero que quedan en eso, en simples momentos. Simples videoclips, algunos mucho más inspirados (Across the universe, Strawberry Fields forever, I want you (She’s sho heavy), Hapiness is a warm gun) que otros (el gratuito y excesivo Being for the benefit of Mr. Kite, o el a momentos ridículo I am the walrus), y tiene algún cameo gracioso, como Joe Cocker haciendo tres papeles en Come Together, o Salma Hayek interpretando a cinco enfermeras sexys en Hapiness is a warm gun (de Bono interpretándose a si mis..., interpretando a un personaje mesiánico mejor no hablo).

Una película que prometía, y que pese a todo se deja ver, pero que resulta una experiencia fallida debido a su exceso de pretenciosidad (es destacable el abuso que se hace de referencias a los cuatro de Liverpool, propongo verla entre amigos y jugar a ver quién encuentra más en menos tiempo), y donde cada fotograma parece decir “este es el musical definitivo sobre los Beatles”. No, señora Taymor; el musical definitivo de los Beatles ya existe desde hace muchos años, exactamente desde 1968. Se titula Yellow Submarine

Puntuación

The Brøken

The Brøken dirigida por Sean EllisTITULO ORIGINAL: The Brøken (The Broken)
AÑO: 2008
DURACIÓN: 88 min.
PAÍS: Reino Unido
DIRECTOR: Sean Ellis
GUIÓN: Sean Ellis
MÚSICA: Guy Farley
FOTOGRAFÍA: Angus Hudson
REPARTO: Lena Headey, Ulrich Thomsen, Melvil Poupaud, Michelle Duncan, Asier Newman
PRODUCTORA: Coproducción Francia-Reino Unido; Gaumont

Gina McVey, joven radióloga de un importante hospital londinense, acude a la celebración del cumpleaños de su padre, John. Entre los invitados se encuentra su novio Stefan, su hermano Daniel y la novia de éste, Kate. Durante la cena, mientras charlan animadamente, un gran espejo de pared se hace añicos sin motivo aparente, provocando entre los asistentes el brote de una tensión inexistente hasta ese momento. Al día siguiente, de camino a casa, Gina cree ver en la calle a una mujer que guarda un asombroso parecido con ella. Sobrecogida, decide seguirla hasta su apartamento, donde, al encontrar la puerta abierta, descubrirá horrorizada una fotografía de su padre con esa otra mujer, un doble perfecto de sí misma. A partir de ese momento, la paranoia se apodera de ella y comenzará a dudar incluso de sus propios allegados...

Con esta original sinopsis (nótese la ironía) nos encontramos con un producto meramente comercial y lleno de todos los tópicos del género de terror asiático, incluida la estética. Además de encontrar influencias directas de otras películas como Psicosis.

El guión es lineal y aburrido, además, no nos da ningún tipo de explicación de donde provienen realmente esos dobles. El resultado es infringir sustos al espectador. La banda sonora mantiene bien la tensión, sin embargo, no asusta todo lo que debería, se ven venir demasiadas veces, con lo cual, no te pilla desprevenido.


El ritmo general de la historia ya es lento de por sí, agravado por travellings excesivamente lentos y planos estáticos que ralentizan todo el conjunto.
Las interpretaciones no son gran cosa, todos ellos quedan como actores secundarios, excepto Lena Headey (300). Destaca mucho más la estética y maquillaje aplicado después del accidente, que la propia interpretación de ésta, en la que se limita a poner caras chungas.

Parece que Sean Ellis ha metido la pata pasándose al género de terror, pues su anterior cinta Cashback, sin ser una maravilla estaba bastante más entretenida.


Puntuación

Arrastrame al infierno

Arrastrame al infierno dirigida por Sam RaimiTÍTULO ORIGINAL: Drag me to Hell
AÑO: 2009
DURACIÓN: 96 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Sam Raimi
GUIÓN: Sam Raimi, Ivan Raimi
MÚSICA: Christopher Young
FOTOGRAFÍA: Peter Deming
REPARTO: Alison Lohman, Justin Long, Lorna Raver, David Paymer, Dileep Rao, Reggie Lee, Adriana Barraza
PRODUCTORA: Universal Pictures / Ghost House Pictures / Mandate Pictures

La joven Christine Brown (Alison Lohman), ambiciosa apoderada de un banco de Los Ángeles, sale con un hombre encantador, el profesor Clay Dalton (Justin Long). El trabajo de Christine consiste en conceder préstamos hipotecarios. Un día la señora Ganush, una misteriosa anciana (Lorna Raver), va al banco para pedirle una moratoria, pero Christine se la niega, y la señora Ganush pierde su casa. La anciana decide entonces vengarse lanzándole una maldición que convierte su vida en un infierno. Ante la incomprensión de su escéptico novio, Christine busca la ayuda de un vidente (Dileep Rao) para salvar su alma de una condenación eterna. Intentando ayudarla a recobrar una vida normal, el vidente la guía en una frenética carrera para conjurar el hechizo. Pero las fuerzas del mal se acercan y Christine debe enfrentarse a algo impensable.

Arrastrame al infierno, el retorno al cine de terror de Sam Raimi, el director de nada más y nada menos que la trilogía de Evil Dead y películas como Darkman. Se podría decir que Raimi no dirigía una autentica película de terror desde su lejana Army of Darkness, allá por 1992, ya que no contaré aquí su Premonición del año 2000, que aunque contiene elementos comunes no me parece una película de género, el resto de la historia todos la conocemos. Raimi ha ocupado casi una década con la saga de Spiderman, así que estamos hablando de la friolera de 17 años en los que Raimi no había vuelto a dirigir una película de TERROR.

Teniendo en cuenta las altas expectativas creadas por este "retorno", me dirigí hacia el cine para ver la historia de Christine Brown (Alison Lohman) una joven y ambiciosa empleada de un banco en los Angeles. Un buen día, impulsada por el afán de impresionar a su jefe en busca de un ascenso decide hacer caso omiso a sus instintos y dejar sin casa a una anciana, la señora Ganush (Lorna Raver), la cual, tras sentirse humillada buscará su venganza haciendo a la joven Christine portadora de una terrible maldición, que a partir de entonces convertirá su vida en un infierno.


Como podéis ver un argumento, simple, nada original y que bien podría recordar a una de las historias cortas estilo Tales from the Crypt. Pero es aquí donde Raimi demuestra su talento al no necesitar nada más para mantener su particular función en pie.
La película se mantiene y lo más importante, entretiene, gracias al ritmo que Raimi sabe imprimirle y que no permite que la función decaiga en ningún momento, sobre todo a base de una buena dosis de sustos muy bien paridos y encajados, y también, con una gran cantidad de humor negro acompañado de unos cuantos guiños que los fans de toda la vida sabremos disfrutar.


El conocido ritmo y nervio del director queda patente en varias escenas memorables, especialmente en la escena de la lucha dentro del coche entre Christine y la Sra. Ganush, justo antes de lanzar la maldición. Una escena impecablemente rodada que hará caer la baba de la mayoría de sus seguidores.

Así pues, estamos ante una película que nos ofrece dosis equitativas, tanto de terror como de comedia, en ocasiones incluso decantándose más por el lado cómico, como ya ocurriera con Evil Dead 2 ó Army of Darkness, algo que puede no ser del gusto de todo el mundo, pero que personalmente, exceptuando alguna broma aislada no me pareció nada mal. Aunque quizá, sí que pueda achacarle la utilización de efectos CGI un tanto cutres, para resolver ciertas situaciones que pueden rozar un poco lo ridículo.


Resumiendo, en mi opinión un aprobado para el esperado retorno de Sam Raimi al terror, que si bien, no nos va a devolver al Raimi de Evil Dead, lamentablemente algo imposible. Si que nos regala un entretenimiento puro y duro, con ese sabor de serie B orgullosa de serlo y que tanto se agradece. Lo suficientemente alocada y desprejuiciada como para hacernos desconectar durante un buen rato del verdadero terror cotidiano, y dejarnos arrastrar de la mano de Sam Raimi con esta divertida comedia terrorífica.

Puntuación

Distrito 9

Distrito 9 dirigida por Neil BlomkampTITULO ORIGINAL: District 9
AÑO: 2009
DURACIÓN: 111 min.
PAÍS: Nueva Zelanda
DIRECTOR: Neill Blomkamp
GUIÓN: Neill Blomkamp, Terri Tatchell
MÚSICA: Clinton Shorter
FOTOGRAFÍA: Trent Opaloch
REPARTO: Sharlto Copley, Jason Cope, David James, Vanessa Haywood, Mandla Gaduka, Kenneth Nkosi, Eugene Khumbanyiwa, Louis Minnaar, William Allen Young
PRODUCTORA: Coproducción Nueva Zelanda-Suráfrica; Wingnut Films / Key Creatives / QED International / Sony Pictures / Tristar Pictures. Productor: Peter Jackson

Tras la llegada de una enorme nave espacial extraterrestre a Johannesburgo (Sudáfrica), a los alienígenas recién llegados a la Tierra se les obligó a vivir en condiciones penosas en una especie de campo de concentración en las afueras la ciudad. Todo empezó unos veinte años atrás, cuando los extraterrestres tomaron el primer contacto con nuestro planeta. Los humanos esperaban un ataque hostil, o un gran avance tecnológico de la raza alienígena. Pero nada de ello sucedió. Los propios extraterrestres eran refugiados de su propio mundo. Sin saber bien que hacer, se confinó a los alienígenas en un campo de refugiados, el Distrito 9, hasta que las naciones del mundo decidan qué hacer ante la nueva y extraña situación.

Distrito 9 es una película que parte de un planteamiento novedoso y muy original. Sin ser una película de ciencia ficción al uso, maneja muy bien ciertos elementos típicos de las grandes producciones norteamericanas con un estilo particular. Todo comenzó con un cortometraje llamado Alive in Joburg dirigido por Neill Blomkamp, en el que también realizó los efectos digitales, un falso documental sobre refugiados extraterrestres en Johannesburgo. Peter Jackson se sintió interesado por las grandes posibilidades que ofrecía esta idea y quiso utilizarla para Distrito 9.


La película no conseguirá contentar a todo el público, es un producto efectista que fascinará por su tratamiento, pero también sufrirá terribles rechazos. Puede pecar por la falta de una mejor explicación y exposición de los extraterrestres, han optado que tras veinte años en la tierra, los extraterrestres se humanizarán, y eso hará más evidente el dolor que causa el trato que reciben.
De ese modo se puede justificar el guión en muchos momentos, aunque personalmente no creo que importe, pues sin estar mal planteado, no es el fuerte de la película.


Desde el comienzo el ritmo es frenético, se pasa del increíble planteamiento a una historia visualmente tremenda, trepidante y técnicamente espectacular. Con actores desconocidos, sus interpretaciones no son de escándalo, pero tampoco escandalosamente malas.
La banda sonora está muy bien elaborada y muchos de los efectos de sonido están muy bien colocados.


En su apartado técnico visual y sonoro, se apuesta por un realismo ficticio muy bien encontrado. Distrito 9 no es una obra maestra de la ciencia ficción, es curiosa y original. La situación que se plantea dispone de algunos toques críticos hacia la discriminación y la segregación, pero es una película más valorable por su planteamiento inicial que por la forma de realizarla.

Puntuación

Man on Wire

Man on Wire dirigida por James MarshTITULO ORIGINAL: Man on Wire
AÑO: 2008
DURACIÓN: 94 min.
PAÍS: Reino Unido
DIRECTOR: James Marsh
GUIÓN: James Marsh
MÚSICA: Michael Nyman, J. Ralph
FOTOGRAFÍA: Igor Martinovic
REPARTO: Documental
PRODUCTORA: Coproducción GB-USA; Magnolia Pictures

Cuando Philippe Petit era un niño vio en un periódico la noticia sobre la construcción de dos torres gemelas en el World Trade Center de Nueva York. Las torres aún no existían pero la obsesión de Philippe acababa de nacer: pasaría entre esas dos torres a través de un cable. Este documental nos muestra todo el proceso de esa obsesión.

Philippe y sus impagables compinches llevan a cabo una de las gamberradas más bellas de la historia. Esa gamberrada, que lleva fraguándose desde la niñez de Philippe, crece con él e implica una tremenda infraestructura y un buen catálogo de personajes curiosos.
Les escuchamos a todos ellos dar el testimonio de su participación en el proyecto en una hábil mezcla de entrevistas con imágenes de archivo amalgamadas con algunas imágenes recreadas.


Con esta mezcla se logra una sensación de realidad completa, incluso de intriga, ya que, aunque sabemos que lo lograron (la mismísima portada del DVD nos lo confirma), no sabemos cómo, ni con qué problemas se encontraron. El documental arranca mostrándonos “el golpe”, vertiginoso, irremediable como si se tratara de un atraco, planificado, y, a través de flashbacks, seremos testigos de cada paso: entrenamientos, pruebas, éxitos, dudas…


Todo en el film conduce a la catarsis de las bellas imágenes que regaló al mundo este funambulista. Su figura suspendida como si caminara sobre el aire es estremecedora. La banda sonora remata la belleza de las imágenes, con una selección retrospectiva de la obra de Michael Nyman. El conjunto es simplemente impactante.

Puntuación

Los Caraconos en TV


Esta tarde a las 17:30h. en la sexta emisión de la película que inspiró el nombre de este blog: Los Caraconos (Coneheads, 1993).

Belder y Prymaat son emisarios de Remulack, planeta a 26 años-luz de la Tierra. Su misión: conquistar nuestro planeta. Pero un accidente les obliga a aterrizar en la Tierra antes de tiempo, tratando de pasar desapercibidos y evitando a los agentes que les acosan. Así, encuentras cierta seguridad en Paramus, New Jersey, donde se convierten en la típica familiar trabajadora con una hija.

Ronin

Ronin dirigida por John FrankenheimerTITULO ORIGINAL: Ronin
AÑO: 1998
DURACIÓN: 116 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: John Frankenheimer
GUIÓN: David Mamet
MÚSICA: Elia Cmiral
FOTOGRAFÍA: Robert Fraisse
REPARTO: Robert De Niro, Jean Reno, Natascha McElhone, Stellan Skarsgard, Jonathan Pryce, Sean Bean, Michael Lonsdale
PRODUCTORA: United Artists

Al igual que hacían en el pasado aquellos hombres sin honor, a los que la leyenda japonesa denomina Ronin, en la Europa actual abundan los expertos en operaciones tan secretas como arriesgadas que venden su lealtad y su vida al mejor postor. Para un mercenario con un futuro incierto en un mundo en el que las viejas alianzas han desaparecido y reina la relajación internacional, su único propósito es matar o morir: debe cumplir la misión que le han encomendado, pero ignora para quién trabaja y los verdaderos objetivos.

Una película de acción bien hecha, elementos de thriller, espionaje y con las persecuciones en coche más espectaculares de los últimos años. La introducción de la historia está muy bien planteada. Con un comienzo trepidante te mantiene alerta de lo que ocurre en la pantalla y con una trama que se va complicando poco a poco, pero muy bien explicada sin marear al espectador.


El guión es tremendamente efectivo, gira alrededor de un Mcguffin que lo complica todo, dejando al espectador descubrir los hechos parcialmente. Los personajes están bien explicados, su desarrollo está resuelto con efectividad y contundencia.
La relación de complicidad que crece entre Robert De Niro y Jean Reno está muy lograda, consigue que una pareja de peligrosos mercenarios nos guíe a través de un sinuoso relato lleno de incertidumbre y desconfianza.


La banda sonora con un pegadizo tema central que se repite constantemente, es un gran complemento para las escenas de acción. Es una de las grandes bazas de la película, a parte de un reparto muy solvente.


Trepidantes persecuciones que parecen no terminar nunca, tiroteos intensos y constantes situaciones de peligro. Todo rodado con interesantes planos y ángulos de cámara muy bien elegidos, aporta movimiento, intensidad e inmersión absoluta en las escenas.
El pequeño lado negativo, es el final marcado por los tópicos de este tipo de producciones, pero deja un buen sabor de boca. La sensación general es satisfactoria y el entretenimiento es constante.

Puntuación