The Brain from Planet Arous


TÍTULO ORIGINAL: The Brain from Planet Arous
AÑO: 1957
DURACIÓN: 71 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Nathan Juran
GUIÓN: Ray Buffum
MÚSICA:
REPARTO: John Agar, Joyce Meadows, Robert Fuller, Thomas Browne Henry, Ken Terrell, Henry Travis, E. Leslie Thomas, Tim Graham, Bill Giorgio
PRODUCTORA: Marquette Productions Ltd.

Psicodelicas aventuras de Steve March, un especialista en energía nuclear, detecta radiaciones provenientes del Monte Misterio, una montaña situada en el desierto. Cuando llega allí descubre a Gor, un cerebro diabólico huido del planeta Arous. Introduciéndose y controlando el cuerpo del científico, Gor se lanza a dominar el mundo. Pero Vol, un cerebro benévolo de Arous, le sigue la pista.

Este domingo 28 de marzo asistimos a la edición Spooky Cinema 6 en el auditorio Les Basses de Barcelona. La oscura ceremonia y Subfilms nos deleitaron con una doble sesión de películas de ciencia ficción de serie B de los años 50. La temática que se abordó fue la de cerebros malvados y cabezas vivientes, micro géneros que han influenciado mucho, sobre todo en producciones de los años 80. La primera película que se proyectó es la que a continuación se comentará, aunque tampoco hay mucho que comentar, pero reconozco que la película tiene elementos atrevidos y destacables para el año en el que se rodó. En esa época se estrenaban muchas películas de temática similar, cerebros que bajo la influencia de un científico loco se vuelven malvados, seres del espacio exterior, experimentos fallidos, cabezas parlantes, poderes mentales, radioactividad, etc... En The Brain from Planet Arous se atrevieron un poco más, en este caso tenemos la visita de unos cerebros que provienen del espacio exterior, llegan a la tierra en una especie de platillo volante y dejan el planeta inmerso en un terrible peligro. El presupuesto para la película es mínimo, eso queda bien reflejado, sobre todo en los simples aunque intrépidos efectos especiales. En este caso los cerebros son seres etéreos que pueden poseer otros cuerpos y controlarlos, aunque también necesitan materializarse, en ese momento es cuando vemos un cerebro de plástico colgando de hilos.

Durante la película veremos situaciones algo fuera de tono para esa época, connotaciones sexuales, un constante desprecio por las leyes científicas, se ridiculiza a los representantes políticos del mundo y también hay una violencia latente en algunas escenas. Los diálogos tienen un encanto fuera de órbita, precisamente por lo ingenuos que son. También las situaciones en las que se van encontrando los personajes son bastante curiosas y dan pie a la carcajada. Las interpretaciones son bastante exageradas, sobre todo la del malvado Gor cuando controla el cuerpo de Steve March y se ríe de forma diabólica. Otra curiosidad es el tiempo que mantenían los planos, en algunas ocasiones demasiado, pero lo mejor es la inventiva con la que tenían que resolver muchos de los efectos especiales. La banda sonora transmite mucho, es la clásica banda sonora para este tipo de película, efectista y tremendamente alarmista. Esta película es muy divertida y dinámica, mantiene un buen ritmo y con su ajustada duración se hace muy liviano el verla. Un detalle a tener en cuenta es que a los cerebros les han puesto voces, uno con voz de malo y otro con voz de bueno, de ese modo los cerebros adquieren mucho más protagonismo y personalidad. The Brain from Planet Arous es una de esas pequeñas joyas con sus errores de racord, final precipitado y frases absurdas. Si sientes curiosidad por este tipo de películas y sus especiales encantos, es recomendable dar una oportunidad a los cerebros y dejarse cautivar por ellos.


Leon (El profesional)

Título original: Leon
Año: 1994
Duración: 110 min.
País: Francia
Director: Luc Besson
Guión: Luc Besson
Música: Eric Serra
Fotografía: Thierry Arbogast
Reparto: Jean Reno, Natalie Portman, Gary Oldman, Danny Aiello, Samy Nacery, Peter Apple, Michael Badalucco, Ellen Greene, Elizabeth Regen, Maïwenn Le Besco
Productora: Gaumont / Les Films du Dauphin production

Mathilda es una niña de doce años que no se lleva nada bien con su familia, excepto con su hermano pequeño. Su padre es contrabandista de droga y hace negocios con el excéntrico Stan, un peligroso personaje. Estando Mathilda comprando en un supermercado, Stan mata a la familia de la joven. Ella no tiene más remedio que refugiarse en casa de su solitario y misterioso vecino Leon, y descubre que es un asesino a sueldo. No teniendo ningún lugar adonde ir, Mathilda se queda con Leon. Las circunstancias los llevarán a ser perseguidos por la mafia y la D.E.A. (Drug Enforcement Administration - departamento gubernamental contra las drogas).

 

El cineasta Luc Besson (NikitaEl quinto elementoJuana de Arco, entre muchos otros trabajos como escritor, productor y director), escribió y dirigió en 1994 una irregular historia de acción con elementos dramáticos. Una película que siempre a sido valorada de forma injusta, pues su tratamiento es especial e irreal. Con un suculento reparto, Besson nos cuenta una historia llena de ternura, pasión y acción. Dentro de la temática de la mafia, la corrupción y la violencia, se adentra en la vida de un asesino a sueldo implacable y nos muestra su otra cara.

Está película no alardea de tecnicismos, es muy efectista y sin llegar a profundizar en las situaciones que se van planteando, ni en los personajes, consigue transmitir un cumulo de emociones variadas. No hay que olvidar que se trata de una película de acción, quien no disfrute con este tipo de género la aborrecerá, pues tras su arranque pasamos por un interludio de calma, para poco a poco llegar a un climax que sin abusar, roza lo surrealista. Hay momentos que las transiciones de una situación a otra son algo bruscas y sobre todo al final, cuando el ritmo de la película adquiere otra connotación, dando la sensación de que todo es muy precipitado, aunque también consigue el efecto de hacerte perder el control, tal como ocurre en la situación de la película.

La película se desarrolla en New York y Luc Besson logra otorgar un estilo visualmente europeo, con muchas imágenes logradas, travellings interesantes y bueno planos. El contraste de las escenas de acción con los momentos más descriptivos, algunos detalles del comportamiento del protagonista y la interpretación de Gary Oldman, una de las más exageradas, son varios de los fallos que puede presentar la película. Lo que cuenta la película y el tiempo que se toma para hacerlo, puede resultar aburrido para muchos y muchas, siendo todo algo previsible y con un desenlace muy efectista y fácil. De ahí la diversidad de opiniones que siempre ha levantado está película, una película especial que puede gustar mucho o ser simplemente una historia hueca que no conduce a nada. Cada opinión vale y todo depende de la predisposición, gustos y tolerancia con que se visione. La banda sonora de Eric Serra es muy interesante, muy ambiental y simple, una mezcla de sonidos y violines que acompaña a la perfección las imágenes y situaciones. Ofrece a la película un aura especial de emociones y tensión, destacando la emotiva canción de los créditos finales Shape of my heart de Sting.

La película no tiene ningún tipo de pretensión, eso le hace sumar puntos, consigue el propósito de entretener con una historia imposible, aunque emocionante. El gran acierto de la película son sus personajes, que aunque sean exagerados e increíbles para el público, tienen carisma y consiguen ser recordados. Jean Reno encarna a Leon, un asesino a sueldo analfabeto, un tipo frío, calculador y metódico, pero introvertido y con una ligera disminución emocional. Natalie Portman en el papel de Mathilda, una niña con gran personalidad, sin suerte en la vida, el contrapunto inocente que necesita Leon. Juntos se complementan a la perfección, mantienen una platónica relación intensa y emotiva. La interpretación de Danny Aiello con Toni es de agradecer, un personaje de peso, sin demasiado protagonismo aunque importante dentro del desenlace. También disponemos de un grupo de malvados bien diseñados, dirigidos por un atroz, excentrico e irreal personaje protagonizado con maestría por Gary Oldman. Un papel muy sobre actuado, como suele ocurrir con Oldman, consigue realzar la figura del villano hasta el límite. La impresión que me llevé desde la primera vez que vi esta película, es similar a la de leer un buen cómic, por la forma de "dibujar" a los personajes, recrear las situaciones y compactar los diálogos. Para mí siempre fue una película especial, un consejo al verla, no busquéis defectos, pues hay muchos, hay que dejarse llevar para poder disfrutar de verdad.

El libro de Eli


TÍTULO ORIGINAL: The Book of Eli
AÑO: 2010
DURACIÓN: 118 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Albert Hughes, Allen Hughes
GUIÓN: Gary Whitta
MÚSICA: Atticus Ross
FOTOGRAFÍA: Don Burgess
REPARTO: Denzel Washington, Gary Oldman, Michael Gambon, Mila Kunis, Jennifer Beals, Ray Stevenson, Frances de la Tour, Tom Waits, Lateef Crowder, Chris Browning, Lora Martinez, Luis Bordonada
PRODUCTORA: Alcon Entertainment / Dark Castle Entertainment / Silver Pictures
WEB OFICIAL: http://www.ElLibrodeEli.com

Definida como un western de ciencia ficción, Book of Eli nos traslada a un futuro apocalíptico, donde un guerrero solitario (Denzel Washington) deberá vivir todo tipo de aventuras para traer a la sociedad el conocimiento que contiene un misterioso libro, que podría ser el origen de la salvación de la humanidad. Oldman interpreta al líder de una pequeña comunidad que hará lo que sea necesario por arrebatar el libro al protagonista.

La nueva película apocaliptica del año y la segunda de los hermanos Hughes nueve años después de co-producir y dirigir From Hell. Con un interesante reparto y buena ambientación para quienes disfruten de este tipo de ambiente, no puede evitar ser comparada con The Road. Pensaba que está película sería una especie de exploitation de The Road, una película de acción con un pequeño transfondo existencialista. Pues nada de eso, se trata de una estafa, un desproposito pedante. Su misteriosa trama que no terminaba de salir de un aura de misterio, donde todo parecía girar en torno a un McGuffin en forma de libro, solo es humo. El trailer que mostraba elementos del cine de acción de serie B, Spaghetti Western y cine de aventuras, adornado con una ambientación que recuerda al vídeojuego Fallout 3, solo era un reclamo. Al final solo te encuentras con dos horas en las que no te cuentan ni justifican nada, lo único que vale la pena, a parte de la ambientación, es la fotografía, algunas coreografias de acción y la desaprovechada aparición de algunos actores.

Denzel Washington es un actor consagrado, aparece en muchas películas, algunas muy buenas y siempre cumple con sus actuaciones, pero nunca me ha gustado como actor y siempre termina haciendo similares a sus personajes. En esta ocasión es un misterioso caminante errante, que resulta conocer el arte de la lucha, transporta un codiciado libro y es muy buena persona, no quiere meterse en líos y es muy amable con todos, pero si alguien se cruza en su camino es una maquina de matar. Hay apariciones curiosas, como la de Malcolm McDowell y Tom Waits, también tenemos la colaboración de Jennifer Beals, la actriz de Flashdance en un papel no muy relevante, aunque con cierta gracia. Una curiosidad es la preciosa actriz Mila Kunis (la voz de Meg Griffin en Padre de Familia), que hace un papel de joven desvalida que poco a poco se convertirá en una dura luchadora, aunque sin ningún sentido. Como peso pesado, según mis gustos, tenemos a Gary Oldman como villano excentrico, en una interpretación comedida en comparación con sus sobre actuaciones, pero muy interesante. De todas maneras, encuentro que el reparto está desaprovechado, no se profundiza en ningún personaje, no hay evoluciones ni carisma suficiente para entretener. Opino que el personaje de Denzel Washington es muy flojo por lo típico que resulta, pero al llegar el desenlace se transforma en algo odioso y repugnante.

Como tampoco creo que el desarrollo de la historia sea muy relevante , pues brilla por su ausencia, quiero comentar mi impresión, aunque rebele parte de la casi inexistente trama. La idea de utilizar la religión como fuente de poder para manipular a las masas es interesante, aunque para nada original. Si lo implantamos en un futuro apocalíptico donde la población superviviente vuelve a ser ignorante y manipulable, comienza a ser algo interesante. Pero tal como lo han plasmado en esta película se convierte en algo ridículo, más cuando representa que solo han pasado 30 años de la guerra que dio fin a la civilización y la gran mayoría de la población ya no recuerda nada. La idea de que un libro misterioso, aunque sea previsible saber de que libro se trata, pueda otorgar el poder de dominar a las masas, no se sostiene por si sola. Es cierto que su influencia en malas manos puede utilizarse para manipular, pero eso no es suficiente para llenar dos horas de película. La pequeña critica que puede hacerse contra la religión cristiana, diciendo que es un arma de doble filo, queda eclipsada por un insultante desenlace que perece una campaña a favor de la religión cristiana, ni que la película estuviera producida por el mismo Vaticano, aunque uno de los productores es Denzel Washington. Lo mejor que tiene la película, como comentaba antes, son recursos de otros géneros mal utilizados, una buena ambientación copiada directametne del video juego Fallout 3 y el desaprovechado reparto. La banda sonora apenas la recuerdo, pero sin ser nefasta queda como algo de fondo sin destacar.

Viernes 13, parte VI: Jason Vive


TITULO ORIGINAL:
Friday the 13th Part 6: Jason Lives
AÑO:
1986
DURACION: 84 Minutos
PAIS: Estados Unidos
DIRECTOR: Tom McLoughlin
GUION: Tom McLoughlin
MUSICA: Harry Manfredini / Alice Cooper
FOTOGRAFÍA: Jon Kranhouse
REPARTO: David Kagen, Jennifer Cooke, Kerry Noonan y Thom Mathews
PRODUCTOR: Don Behrns

De pequeño logró hacer algo que supuso el fin de cuantos lo intentaron: mató a Jason Vorhees, el terrible criminal que aterrorizó a los habitantes de Cristal Lake. Y ahora, años más tarde, Tommy se siente atormentado por el miedo de que no esté realmente muerto. Así que Tommy y un amigo van al cementerio y excavan la tumba de Jason. Desgraciadamente para Tommy (y más aún para su amigo), en lugar de encontrar un cadáver descomponiéndose, descubren que Jason se ha conservado a la perfección.

Hace poco os hablé de Viernes 13 parte III y lo mucho que disfruté con su visionado en 3D durante esta pasada edición del Festerror, pues tengo que decir que después de esto y tras haberme hecho con el pack editado hace unos meses por la Paramount (que contiene la película original, más sus siete secuelas consecutivas y el remake de 2009) he tenido la oportunidad de visionar en poco tiempo una saga que ya tenía bastante olvidada, sobretodo a partir de su cuarta parte. Lo más divertido y a la vez interesante de esto ha sido ver toda la evolución del personaje de Jason y el tratamiento que se le ha ido dando desde sus inicios más sombríos y humanos hasta convertirse en un personaje inmortal que ha ido saliendo de su "tumba" una y otra vez hasta convertirse en el icono absoluto del terror que todos conocemos. Pero vamos a centrarnos en esta sexta entrega y en su contribución a la hora de mitificar la figura de Jason Voorhees...

Si la tercera parte es mítica por la incorporación de la famosa máscara de hockey esta sexta lo és también por el nuevo enfoque sobrenatural que se le da a Jason, que marcará una nueva etapa en la saga Viernes 13. Esta es la parte en que como su título indica Jason Vive, o mejor dicho, resucita después de haber muerto en la cuarta parte (por algo titulada Último Capítulo) y de una quinta entrega con pirueta argumental donde para intentar mantener una lógica los guionistas llegaron al punto de sacarse de la manga a un falso Jason, demencial. En esta entrega de 1986 el guionista y director Tom McLoughlin lo tuvo mucho más claro, los fans querían a toda costa ver a Jason de nuevo, no importaba como, y se puede decir que lo hizo de la mejor forma posible, sin dar ningún tipo de explicación lógica, es decir Jason resucita al más puro estilo Frankestein y punto! ahora ya si que se puede decir que Jason es un ZOMBI con todas las letras sin ningún tipo de tapujos ni trampas argumentales, desde el primer momento te queda claro que Jason ha vuelto de entre los muertos y esta aqui para matar, punto. Todo esto contado en una intro memorable que rebosa encanto y sinceridad hacía el género, seguramente la mejor intro de toda la saga y con un detalle final cuando aparece el título, que si Jason aun no se había convertido en un icono popular a partir de aqui pasaba a serlo automaticamente, llegando incluso a alcanzar la categoría de "Slasher-Hero". Después de este subidón lo unico que a uno le importa es ver a Jason haciendo su trabajo, pero de todas formas os explicaré un poco de que va la cosa.

Resulta que Tommy Jarvis, el chavalín de la cuarta parte (interpretado por Corey Feldman) que es el mismo que se carga al pobre Jason al final de la peli y que también protagoniza la quinta entrega como adolescente (interpretado por John Shepperd) que se encuentra recluido en un centro/granja para jovenes con problemas mentales, pues resulta que ahora aparece de nuevo este personaje pero interpretado por un tercer actor (Thom Matthews, conocido por su papel en la comedia zombi El regreso de los muertos vivientes de 1985) que como no puede dormir tranquilo a causa de sus visiones se va con un colega a desenterrar el cadaver de Jason para asegurarse de que realmente esta muerto (SIC) pero lo que conseguirá el muy panoli es todo lo contrario (ver momento intro). A partir de aqui el prota intentará explicar lo que ha visto a la policía, pero claro, ya han pasado 6 años desde la última matanza en Crystal Lake al que ahora han cambiado el nombre por Forrest Green (este nombre no volverá a aparecer en el resto de entregas) para intentar olvidar lo sucedido por lo que ni el sheriff del pueblo ni nadie en su sano juicio estan dispuestos a creerle y menos aun con su "turbio" pasado. La única que le hará un poco de caso (más por intereses "físicos" que otra cosa) es precisamente la hija del sheriff, que unirá fuerzas con el prota para intentar detener a Jason, mientras este se dedica a matar a todo quisqui que se cruza en su camino mientras se dirige a su antiguo hogar, el ahora rebautizado Forest Green, donde está a punto de abrirse un nuevo campamento de verano para niños.


En esta sexta entrega todo es más exagerado para la ocasión, con un Jason de tamaño extra (interpretado por el grandullón C.J. Graham) que parece haber resucitado con una fuerza sobrehumana, algo que iremos comprobando muerte tras muerte hasta un total de 18 víctimas durante toda la película, que no esta nada mal. La mayoría de personajes que aparecen al principio no tienen nada que ver con la trama y unicamente aparecen para ser asesinados por Jason, lo que da lugar a variadas situaciones cómicas donde queda claro que la película no se toma en serio a si misma (aunque esto ya queda claro desde la misma intro) y resulta más una parodia que aprovecha para reirse de muchos de los clichés utilizados en las anteriores entregas, algo que a estas alturas de la saga ya se podían permitir. Si en las primeras películas la implicación con los personajes era poca en esta es practicamente nula y esa es otra de las diferencias de esta entrega respecto a las anteriores, aqui Jason ya es tratado como el protagonista absoluto del cotarro, como un héroe al que todos queremos ver en pantalla el máximo tiempo posible y claro para eso hacen falta muchas victimas por lo que la solucion más rápida es que tal y como aparezcan algunos personajes, mueran, sin mayor implicación. Por un lado se pierda el lado más serio y el suspense que podían tener las primeras entregas, pero por otro lado lo que nos ofrece esta peli es diversión pura, también hay que pensar que estábamos a mediados de los ochenta y de lo que aqui se trata es de dejarse llevar y disfrutar con el regreso de Jason como si de una fiesta de bienvenida se tratase, por que si algo tiene esta película es eso, espíritu festivo. Siempre habrá a quién este nuevo enfoque más cómico y fantástico no termine de gustarle, algo muy respetable, pero si nos dejamos de comparaciones innecesarias con la original y nos la tomamos como un producto de su época personalmente la encontré de lo más divertida y disfrutable para cualquier seguidor de Jason, los slashers y el terror tontuno en general.

Otro tema a parte es la música de la película, impresionante, a ese "look" profundamente ochentero y la clásica melodía de Harry Manfredini hay que sumarle algún que otro temazo de Mr. Alice Cooper como el Teenage Frankestein (gran momento este) y sobre todo el que para mi ya es un himno absoluto: He´s Back (The Man Behind The Mask) un título que lo dice todo para una canción compuesta especialmente para celebrar el regreso de Jason por todo lo alto, y vaya que si lo consiguieron, como podrán comprobar ustedes pinchando sobre el título de la canción con un vídeo que captura a la perfección el espíritu de la película y que nadie debería perderse.

Mientras visionaba esta película hubo muchos momentos en que bién sea por su "look", la música, lo estúpido de su guión o por la suma de todo esto, me sentí totalmente transportado a la década de los ochenta cuando era habitual encontrarse con este tipo de pelis totalmente desprejuiciadas y sin ningún tipo de intención más que la de hacerte disfrutar y pasar un buen rato. Seguro que esta sexta entrega no es ni mucho menos la mejor de la saga del hombre tras la máscara pero a mi se me antoja como una de las más divertidas, y eso amigos mios, no es moco de Jason.

The Lovely Bones


TÍTULO ORIGINAL: The Lovely Bones
AÑO: 2009
DURACIÓN: 135 min.
PAÍS: Nueva Zelanda
DIRECTOR: Peter Jackson
GUIÓN: Peter Jackson, Fran Walsh, Philippa Boyens (Novela: Alice Sebold)
MÚSICA: Brian Eno
FOTOGRAFÍA: Andrew Lesnie
REPARTO: Saoirse Ronan, Mark Wahlberg, Rachel Weisz, Stanley Tucci, Susan Sarandon, Michael Imperioli, Amanda Michalka
PRODUCTORA: Coproducción Nueva Zelanda-USA-GB; Paramount Pictures
WEB OFICIAL: http://www.lovelybones.com
PREMIOS 2009: Oscar: 1 Nominación al mejor actor secundario (Stanley Tucci).
2009: Globos de Oro: 1 nominación al mejor actor secundario (Stanley Tucci)

Basada en la novela "Desde mi cielo" de Alice Sebold, trata sobre una niña de 14 años llamada Susie Salmon (Saoirse Ronan, "Expiación") que es asesinada, y que ve desde el cielo cómo la vida de su familia y amigos cambia tras el terrible suceso. Un detective intentará resolver el caso, mientras el asesino borra todas las pistas y se prepara para volver a matar.

La nueva película de Peter Jackson parece que intentaba alejarse un poco de las grandes producciones para mostrar un proyecto más personal. El resultado a sido una película con diversidad de reacciones y predominan las negativas, en muchos medios la califican como el fiasco del año. Puedo decir que al finalizar la película, mi primera reacción fue algo fría, luego recapacitando sobre sus buenos momentos, declaro que no está nada mal, pero no está a la altura de lo que podría haber sido. La novela llegó a ser un bestseller y no puedo confirmar si la adaptación de Jackson dista mucho de la novela, aunque seguro que el componente dramático está bien reflejado en la película. Por lo menos, como espectador la sensación que recibí fue algo más que la de un simple drama, tiene un trasfondo de esperanza, pero con un componente de ternura que no me terminó de convencer por la forma de contarlo. Esta película se puede comparar con Criaturas celestiales, aunque no se parezcan, dentro de la filmografia de Jackson tienen ciertas semejanzas emocionales. El arranque de la película utiliza el recurso del flashback y la voz en off de la protagonista para situarnos, tanto en la época recreada, como en la relación de Susie con su familia. A los pocos minutos la propia protagonista anuncia que está muerta y de manera muy bien explicada, veremos como llega el momento del trágico suceso.

La película es un drama familiar con una pequeña, aunque interesante, labor de investigación policial, sin abusar de esa parte hay varias escenas muy logradas en las que interactúan el detective y el asesino. Con sencillos recursos se consigue recrear una buena sensación de tensión y nervios. Está película tiene un gran material desaprovechado, es extraño ver como muchas secuencias están realizadas con maestría y otras son algo mediocres. La historia es propia de un telefilm, pero consigue ir más lejos en un recorrido de emociones, durante sus 135 minutos se pasa de alegría a tristeza y de miedo a nostalgia con buenas transiciones, pero con lagunas intermedias. Aunque se trate del brutal asesinato de una niña, no veremos ninguna escena fuera de tono, pero si recibiremos la angustia de la situación, tampoco se recrean en la muerte de Susie, pero donde si lo hacen es en las escenas del mundo que Susie crea tras su muerte. Ahí se demuestra que Jackson se decanta más por lo fantástico, se abusa de todas las secuencias del "cielo" de Susie, dicho lugar es superfluo y gratuito, ralentiza el ritmo de la historia y tampoco está muy bien recreado, los efectos rozan el límite. La composición de las imagenes son arbitrarias, quieren mostrar un lugar tranquilo y bonito como contrapunto del drama que se vive en el mundo real, pero se alargan demasiado sin aportar mucho a la historia. El desenlace es algo de lo que no hablaré, pero tiene la escena de la caja que está muy lograda, lastima de todos los elementos que lo estropean, se podrían haber ahorrado algunos detalles absurdos que no aportan nada, solo es una forma de manipular los lagrimales más sensibles o menos exigentes.

Las interpretaciones no destacan, son correctas aunque en ocasiones por culpa del guión, las reacciones de los personajes dan la sensación de ser precipitadas. Luego está el problema del personaje de Susan Sarandon, una actriz con mucho nombre, pero que sobre actúa un poco y su personaje está algo forzado dentro de la historia, llega un momento en el que ya no sirve de mucho o no han sabido representar bien su función. Luego tenemos a los secundarios, que parecen ser bocetos, no quedan bien definidos y algunas de sus apariciones sobran, pues para mí gusto queda ridículo e inútil, aunque es posible que se haya respetado la novela, en contexto cinematográfico no me gustó el resultado. El personaje más interesante es George Harvey interpretado por Stanley Tucci, con el toque justo de excéntrico y una caracterización exagerada que intensifica lo inquietante del personaje. Lo que más destaco de la película es la fotografía, los intensos planos detalle que van intercalando y la banda sonora. El compositor elegido es Brian Eno, utilizando anteriores canciones suyas, otras compuesta para la ocasión y una selección interesante, donde las melodías atmosféricas refuerzan algunos momentos de la película. Destaco también la canción Alice de Cocteau Twins, utilizada a modo de presentación en el "cielo" creado por Susie.

Spooky Cinema 6

Bajo la frase promocional NO ES CIENCIA, ES UNA LOCURA ¡INCREIBLE! ¡¡ATERRADOR!! los chicos de La Oscura Ceremonia junto con la colaboración de Naxo Fiol, siguen deleítandonos con sus inefables sesiones cinematográficas tan sorprendentes como alucinantes.
Este domingo 28 de marzo en el auditorio Les Basses celebran su sexta edición del Spooky Cinema, enhorabuena, a este paso vais a desbancar a Jason Vorhees.

La proyección estará dedicada al poder de la mente humana...¿o no tan humana?, más concretamente dedicada a los CEREBROS MUTANTES, con las siguientes películas THE BRAIN THAT WOULDN'T DIE (1959) de Joseph Green y THE BRAIN FROM PLANET AROUS (1957) de Nathan Hertz, por supuesto las cuales no he tenido el grato placer de ver, lo mío es más de los 80 en adelante.


En la primera, un cirujano carente de ética, el Dr. Bill Cortner, está desarrollando una técnica de transplante de órganos y miembros. Después de que su prometida, Jan Compton, fuera decapitada en un horrible accidente de coche, intenta encontrar a una mujer con un cuerpo bonito para transplantarle la cabeza que ha podido salvar.

La segunda nos relata las psicodelicas aventuras de Steve March, un especialista en energía nuclear, detecta radiaciones provenientes del Monte Misterio, una montaña situada en el desierto. Cuando llega allí descubre a Gor, un cerebro diabólico huido del planeta Arous. Introduciéndose y controlando el cuerpo del científico, Gor se lanza a dominar el mundo. Pero Vol, un cerebro benévolo de Arous, le pisa los talones.
Este argumento a groso modo a influenciado a grandes películas de los años ochenta como Hidden y El Terror Llama a su puerta, entre otras.

También se proyectará el cortometraje EL PARQUE DE LOS CEREBROS (Naxo Fiol) - 2010 y que según tengo entendido ha sido rodado a contrareloj para alcanzar a ser proyectado dentro del evento.

Y si con todo esto todavía no te ha mutado el cerebro, no te preocupes, también se proyectaran Trailers cerebrales.
Además habrá stands con Merchandising 100% freak, palomitas y Refrescos a 1€ para los humanos y cerebritos (dulces) de regalo por si viene algún zombie.

AUDITORIO LES BASSES C/. Teide 20 (entrando por detrás) - Metro L5 Vilapicina 18:30h - 22:00h.
Barcelona. Entrada a gratuita.

Enemigo mío


TÍTULO ORIGINAL: Enemy Mine
AÑO: 1985
DURACIÓN: 108 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Wolfgang Petersen
GUIÓN: Edward Khmara
MÚSICA: Maurice Jarre
FOTOGRAFÍA: Tony Imi
REPARTO: Dennis Quaid, Louis Gossett Jr., Brion James, Richard Marcus, Bumper Robinson, Carolyn McCormick, Lance Kerwin
PRODUCTORA: 20th Century Fox

Los humanos y los dracon están en plena guerra. La historia comienza con una batalla espacial, similar a Star Wars, salvando algunas diferencias. ¿Quien empezó esta guerra y por que motivo?, no es el gran pilar de la historia, solo son los raíles que conducen a los dos protagonistas a FyrineIV, un planeta desolado, plagado de peligros y drásticos cambios climáticos.

La historia se sostiene en base a la relación entre ambos personajes, Willis Davidge un piloto humano interpretado por un jovencisimo Dennis Quaid, que apuntaba alto, caso similar al mítico Harrison Ford en Star Wars, aunque Quaid no ha llegado a gozar de tanta reputación como lo ha echo Ford.
En en el bando de los dracons tenemos a Jeriba 'Jerry' Shigan interpretado por Louis Gossett Jr., ambos acaban por accidente en el caotico planeta pero el instinto de supervivencia consigue superar sus diferencias fisiologicas, sociales, politicas y creencias religiosas, aunque estas últimas son similares entre ambas razas, los humanos no las aplican de la misma forma que los dracons, esto dará pie a conflictos verbales entre ambos.

Wolfang Petersen que dirigió, quizás, una de las obras más emblemáticas de los años ochenta, La Historia Interminable, basada en la novela de Michael Ende y aunque el propio escritor renegó de la adaptación realizada a la gran pantalla, pues según tengo entendido dista bastante del libro, digo esto pues no me lo he leído, pero la película, a mí me gusta bastante.


Petersen tiene una filmografia bastante dispar, no es un director que se estanque en un solo género, y después de la obra de Ende, de género fantastico, se pasó a la ciencia ficción y dirigió Enemigo Mío. Aunque resulta ser una libre adaptación de Infierno en el pacífico (John Boorman, 1968). En la que, un aviador estadounidense (Lee Marvin) y un aviador japonés (Toshirō Mifune) han quedado varados en una isla y, aunque sus países están en guerra, deben colaborar para sobrevivir. Creo que es una película caída injustamente en el olvido y la sigo considerando un gran referente dentro del género de la ciencia ficción.


La relación entre ambos personajes le da el ritmo necesario a la historia, su moraleja se puede aplicar a todos los tiempos, pasado, presente y futuro.
Las diferencias fisiológicas, sociales, creencias religiosas y políticas, hacen que entremos en conflictos bélicos, solo nuestra ansia de poder territorial nos ha llevado, nos lleva y nos llevara a esta lamentable situación. Pero su mensaje es de lo más emotivo, todos vivimos en el mismo planeta, en este caso universo y la distinción entre razas es algo que disponemos nosotros mismos, nos complicamos nuestra propia existencia, pero el instinto de supervivencia ante peligros mayores, rompe toda frontera y es que la unión hace la fuerza, incluso hasta tal punto de llegar a una gran amistad. Su desenlace se centra más en la acción, debido a algo que sucede en cierto punto de la historia, sin embargo eso es lo que le da el empujón final a la historia y un buen desenlace.


Aunque no la ví en la época, lo hice hace unos años siendo ya adulto, me dejó un buen recuerdo y muy gratificante ha sido su revisionado en la actualidad. Es cierto que la cinta ha envejecido, lógico, han pasado veinticinco años, pero lo ha echo muy bien, los efectos especiales todavía resultan creíbles y la lluvia de meteoritos es genial, en su momento debió contar con un gran presupuesto, pues a día de hoy otras producciones más recientes se encuentran más desfasadas en este aspecto, quizás el abuso de técnicas digítales sea el causante de tan rápido envejecimiento, mientras que las realizadas de una forma más clásica con maquetas, usando lo dígital de forma más leve, suelen aguantar mejor el paso de los años, sin quedar escesivamente desfasadas. El maquillaje draco roza la perfección, con latex, protesis y mucha paciencia se pueden obtener grandes resultados, además como bien he dicho aguanta mucho mejor el paso del tiempo.
Los planos panorámicos en Fyrine IV son muy grandes y de gran belleza, aunque muchos son decorados bastante planos, la fotografía juega un papel importante en este aspecto otorgándole un realismo digno de mencionar.

El paso del tiempo esta narrado de forma visual con la propia caracterización de Quaid, también realmente lograda.
Pero ante todo Enemigo mío es una emotiva historia donde la amistad se eleva por encima de todas las diferencias mencionadas.

A.I. Inteligencia Artificial


TÍTULO ORIGINAL: A.I. Artificial Intelligence
AÑO: 2001
DURACIÓN: 145 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Steven Spielberg
GUIÓN: Steven Spielberg & Ian Watson (Historia: Brian Aldiss)
MÚSICA: John Williams
FOTOGRAFÍA: Janusz Kaminski
REPARTO: Haley Joel Osment, Jude Law, Frances O'Connor, Brendan Gleeson, William Hurt, Jake Thomas, Sam Robards
PRODUCTORA: Warner Bros. Pictures & Dreamworks Pictures
WEB OFICIAL: http://aimovie.warnerbros.com

En un mundo futuro donde los avances científicos hacen posible la existencia, los humanos comparten todos los aspectos de sus vidas con sofisticados robots denominados Mecas. La emoción es la última y controvertida frontera en la evolución de las máquinas. Pero cuando un avanzado niño robótico llamado David es programado para amar, los humanos no están preparados para las consecuencias. David se encuentra solo en un extraño y peligroso mundo.

Antiguo proyecto de Stanley Kubrick, su presencia a quedado impresa en la película, sobre todo en el prólogo. Con un inicio muy interesante la película promete más de lo que ofrece, a medida que avanza surgen a flote las características del guión firmado por Steven Spielberg. La película se desvirtúa por momentos, se puede dividir en tres partes, siendo la parte del principio lo mejor y más interesante de la película. La parte del medio no tiene un rumbo definido, mucha información inconexa, detalles inútiles y situaciones que se resuelven de forma muy precipitada. Al pasar a la ultima parte de la película es cuando todo se estropea, aquí Spielberg hace gala de su capacidad para manipular las emociones, cierra la historia de una forma absurda, alargando el final hasta lo insoportable a modo de cuento o fabula futurista. La película la vi hace tiempo, pero mi mente borró casi todo lo que concierne al segundo y tercer bloque de la película, hace poco la volví a visionar y me ocurrió lo mismo que la primera vez. Me maravilla su planteamiento, como presentan a los personajes y como comienza a desarrollarse la historia, pero luego se toma un rumbo equivocado.

No quiero decir que Steven Spielberg sea un mal cineasta, todo lo contrario, cuando quiere consigue realizar grandes trabajos, aunque siempre bajo su manipulación. Con Inteligencia Artificial opino que se consiguen muchos aciertos, pero termina siendo un espectáculo de efectos especiales, luces de neón, estridentes personajes y con un desenlace que roza lo bochornoso, a parte de su excesiva duración. Otra característica de Spielberg es que suele salir airoso cuando trabaja con niños, en este caso con el personaje David, interpretado por Haley Joel Osment (El sexto sentido). El joven actor consigue dar al personaje el toque melodramático sin llegar a ser del todo repelente. No es fácil interpretar a un robot programado para sentir, tanto o más que un ser humano, aunque en ocasiones Haley Joel Osment abusa de su cara de pasmado. Otro personaje del que abusan mucho es el excentrico Gigolo Joe, interpretado por Jude Law dando el toque humorístico, pero hasta el extremo de cansar. Los padres que adquieren a David son personajes interesantes, están bien definidos, con pocos detalles se muestra su personalidad y sentimientos, están interpretados de forma correcta y la lastima es como en un momento concreto de la historia desaparecen, para luego servir a los propósitos de Spielberg. Durante la película hay muchos otros personajes que ofrecen juego y podrían haber sido interesantes, pero al aparecer durante la segunda división que hacemos de la película se pierden en el olvido sin llegar a profundizar en ellos. La película cada vez es más inestable, se convierte en una muestra de efectos especiales, se intenta, puede que de forma intencionada, crear un ambiente de Serie B, pero sin conseguirlo. Mezclan elementos de Tron con ambiente Mad Max sin gracia ni acierto, el circo ambulante donde torturan robots se supone que muestra escenas fuertes, pero es ridículo e innecesario, es parecido a una escena de Doomsday, pero descafeinada y mal desarrollada. Los personajes terminan escapando de una forma absurda y sin emoción ninguna, para mi era una parte que se añade a la película con calzador, aunque sirve para prepararnos para un final interminable e insoportable.

Elementos destacables de la película son la banda sonora, John Williams compone unas melodías más minimalistas, interesantes e intensas, comparadas con otros de sus trabajos. Luego el elemento más destacable y mal aprovechado de la película es el osito Teddy, un súper muñeco con voz profunda, ofrece los mejores consejos, consistentes y rotundos. Para mi Teddy es de lo mejor de la película y consiguió emocionarme, lastima que no le den la importancia que merece. Aunque nos acompaña hasta el final de la historia, Teddy queda desplazado, centran toda la atención en el interminable final, para mí, lo peor de la película. Es ahí donde Spielberg despliega su arsenal, nos embauca con elementos de lágrima fácil, nos inculca como la unión de la familia prevalece sobre todo y que la fe mueve montañas. Un final con una carga dramática manipulada de la forma más ruin, no quiero describir el final, pero aparecen ciertos elementos que forman parte de una obsesión de Spielberg y ayudan a cerrar finales inconclusos. Digamos que se utiliza un comodín para cerrar una historia que le dieron un comienzo prometedor y no supieron como terminar. ¿La mejor opción? dejarnos por cualquier medio, con buen sabor de boca, el resultado decepciona.

Los sustitutos


TÍTULO ORIGINAL: The Surrogates
AÑO: 2009
DURACIÓN: 88 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Jonathan Mostow
GUIÓN: Michael Ferris, John D. Brancato (Novela gráfica: Robert Venditti)
MÚSICA: Richard Marvin
FOTOGRAFÍA: Oliver Wood
REPARTO: Bruce Willis, Radha Mitchell, Ving Rhames, Rosamund Pike, Michael Cudlitz, Boris Kodjoe, Valerie Azlynn, Jack Noseworthy, Rachel Sterling, Stream, Jordan Belfi, James Francis Ginty, Michael O'Toole
PRODUCTORA: Touchstone Pictures / Mandeville Films / Road Rebel
WEB OFICIAL: http://chooseyoursurrogate.com

Ambientada en un mundo futurista donde los humanos viven aislados en interacción con robots, un policía se verá forzado a abandonar su hogar por primera vez en años para una investigación. Todo comienza cuando dos agentes del FBI son asignados para investigar el misterioso asesinato de un estudiante universitario relacionado con el hombre que participó en la creación del fenómeno high-tech de los sustitutos, que permiten a la gente comprar versiones perfectas de sí mismos -en buena forma, guapos, y controlados por control remoto-. Estas máquinas perfectas acaban asumiendo sus roles vitales, de modo que la gente puede experimentar la vida a través de otro cómodamente sentados en el sofá de su casa. El asesinato pone de manifiesto una cuestión: en un mundo de máscaras ¿quién es real y en quién se puede confiar?

Producción inspirada en la novela gráfica con mismo nombre del 2005, con guión de Robert Venditti y dibujo de Brett Weldele, una historia de drama policial y denuncia social dentro del contexto de la ciencia ficción. Seguro que el cómic consigue reflejar la cultura del consumo y la crítica a nuestro actual modo de vida, proyectada en un futuro muy tecnológico. En la adaptación cinematográfica no se consigue llegar al punto sensitivo que podría haber tenido la historia, queda resaltada la parte de acción con toques dramáticos sobre el mensaje de crítica social. La película termina siendo una más del montón, no es una mala película, pero le ocurre lo mismo que otras, su planteamiento es muy interesante, pero se queda como a medias tintas. Consigue entretener y el guión no está mal del todo, hay algunas incoherencias que simplemente, no se explican y quedan camufladas por escenas de acción bastante logradas. Los efectos especiales están en el límite, en algunos momentos chirrían un poco y puede que no estén a la altura de lo prometido, aunque tampoco es una película que se refuerza en los efectos. Digamos que todo se compensa, pues hay carencias en cada apartado, el guión es algo flojo y previsible, los efectos están bien, pero no son nada del otro mundo, las escenas de acción cumplen de sobras sin sobrecargar y la banda sonora no destaca pero acompaña bien a las imagenes. El resultado final es una película que empieza muy bien, pero poco a poco se torna algo previsible y floja, aunque la secuencia final con todos los sustitutos está muy lograda y resulta impactante.

Bruce Willis está como siempre, cumple con su papel a la perfección y su cara sigue siendo la misma, una expresión que personalemente, me hace gracia cada vez que la veo. Durante la película vivirá un momento de crecimiento personal, se revelará contra si mismo y los que lo rodean. Como es de esperar en una película de acción con Bruce Willis de protagonista, hay muchos momentos en los que recibe caña hasta quedar exhausto, sacando así su lado John McClane en más de una ocasión. El resto de reparto queda por debajo del carisma de Bruce Willis, pero cumplen con sus papeles, es gracioso durante la película ver actuar a los actores maquillados como sustituto y que luego aparezcan como son en realidad, aunque algunos personajes cambian de actor, depende si utiliza el sustituto. La actriz Radha Mitchell (Silent Hill, Pitch Black) queda bastante creíble como sustituto en los diferentes roles que le tocarán hacer y la curiosidad de la aparición de Ving Rhames, que coincidió con Bruce Willis en una mítica escena de Pulp Fiction.

Si te gusta la ciencia ficción, el thriller policíaco y la acción está película seguro que te entretiene, aunque no se puede evitar que deje la sensación de que podría haber sido algo mejor. El director Jonathan Mostow (Terminator 3: Rise of the Machines, U-571) demuestra que puede salir bien parado de algunos proyectos aunque en otros su resultado es bastante mediocre. Dentro del apartado técnico de la película puede acentuarse el maquillaje, la diferencia entre los sustitutos y los seres humanos es muy notable, algunas veces exagerada, aunque es necesario para el contraste. Una película con mensaje que no queda bien definido, con mucho más contenido que aportar, aunque su escaso metraje la limita bastante. La duda es, si con 20 o 30 minutos más la película ganaría en argumento o sería aburrida y aún más decepcionante.

Shutter Island


TÍTULO ORIGINAL: Shutter Island
AÑO: 2010
DURACIÓN: 138 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Martin Scorsese
GUIÓN: Laeta Kalogridis (Novela: Dennis Lehane)
MÚSICA: Varios
FOTOGRAFÍA: Robert Richardson
REPARTO: Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo, Ben Kingsley, Emily Mortimer, Michelle Williams, Patricia Clarkson, Max von Sydow, Jackie Earle Haley, Elias Koteas, John Carroll Lynch, Ted Levine, Christopher Denham
PRODUCTORA: Paramount Pictures / Phoenix Pictures / Sikelia Productions / Appian Way

Verano de 1954. Los agentes federales Teddy Daniels (Leonardo DiCaprio) y Chuck Aule (Mark Ruffalo) son destinados a una remota isla del puerto de Boston para investigar la desaparición de una peligrosa asesina (Emily Mortimer) recluida en el hospital psiquiátrico Ashecliffe, un centro penitenciario para criminales perturbados dirigido por el siniestro doctor John Cawley (Ben Kingsley). Pronto descubrirán que el centro guarda muchos secretos, y que la isla esconde algo más peligroso que los pacientes...

Que Scorsese es un director consolidado dentro del séptimo arte, no hay duda, sin embargo no todas sus obras resultan ser del todo convincentes y Shutter Island, es una de ellas.
No porqué el reparto y sus interpretaciones no sean creíbles, algo sobreactuada la de DiCaprio, pero igualmente creíble. Ni por que la fotografía, la puesta en escena y la oscura ambientación, no sea más que correcta, lo es. La ambientación es el plato fuerte de la cinta y en su arranque promete ser mucho más siniestra y oscura de lo que acaba siendo. La banda sonora es extremadamente minimalista, pero ayuda a realzar la siniestra ambientación.

Todo muy bien, sin embargo nos encontramos con un gran problema, la historia, tramposa de una forma inconstante, tanto que acaba convirtiéndose en una enorme bola de basura inconexa y con un desenlace de función de circo. Vamos que lo siniestra que prometia ser, nada.
Es cierto que no es la única película que recurre a esta técnica de los bajos suburbios, hacerte creer cosas que no son con tal se sorprender en el desenlace, Shyamalan es un gran especialista en esto.


Pero a mí personalmente si me quieres engañar, hazlo de una forma algo más constante y con la misma premisa, no cambiando cada diez minutos el planteamiento de lo sucedido en la escena anterior. Cierto que Scorsese se ve limitado en este caso a la propia novela, pero un esfuerzo por adaptar el guión no habría estado nada mal, hacerla menos confusa.
A menudo los guionistas se piensan que contra más se lían las cosas más se sorprende al espectador, sin embargo es todo lo contrario. Algo similar me sucedió con Red de Mentiras de Ridley Scott.

Y prefiero no hablar de las pistas que se nos van mostrando para que vayamos resolviendo parte del misterio, en forma de sueños oníricos que sufre DiCaprio, que más que aclararme las cosas, lo que han conseguido es confundirme aún más, hasta tal punto de no enterarme de nada de lo que estaba sucediendo en la pantalla, además de sufrir momentos de autentico sopor en la butaca.

Como resultado tenemos una película demasíado inconstante argumentalmente, se deja ver, técnicamente, pero se han preocupado más de esta parte, que de intentar plantear mejor la historia y su montaje.