El Hundimiento

TÍTULO ORIGINAL: Der Untergang
AÑO :2004
DURACIÓN : 155 min.
PAÍS: Alemania
DIRECTOR :Oliver Hirschbiegel
GUIÓN :Bernd Eichinger (Novela: Joaquim Fest)
MÚSICA :Stephan Zacharias
FOTOGRAFÍA :Rainer Klausmann
REPARTO :Bruno Ganz, Alexandra Maria Lara, Corinna Harfouch, Ulrich Matthes, Juliane Köhler, Heino Ferch, Christian Berkel, Matthias Habich, Thomas Kretschmann
PRODUCTORA :Constantin Film

Berlín, abril de 1945. En las calles de Berlín se libra una encarnizada batalla. Hitler (Bruno Ganz) y sus fieles se han atrincherado en un búnker. Entre ellos se encuentra Traudl Junge (Alexandra Maria Lara), la secretaria personal del Führer. En el exterior, la situación se recrudece. A pesar de que Berlín ya no puede resistir más, Hitler se niega a abandonar la ciudad y, acompañado de Eva Braun (Juliane Köhler), prepara su despedida.

Hundimiento es lo que ha producido esta película en mi mente, pero no por malas interpretaciones ni aspectos técnicos nefastos, todo lo contrario, está todo muy bien recreado. Entonces pensaréis ¿porqué no le gustó?, muy sencillo, su extensa duración fue lo que me "mató". Llegó un momento que pensé, "pero porqué no se acaba" y eso que visualmente y argumentalmente me estaba gustando, pero este tipo de sensación no es una buena señal, cuando acaba pesa más esa sensación que todos los elementos que te hayan podido gustar. La cuestión, no es una mala película, todo dependerá del aguante de cada uno, el mío pudo conmigo mismo.


Seguro que los hechos están contados de una forma fiel, estamos ante una película histórica, creo que la intención es similar a lo que podría ser un documental sobre la segunda guerra mundial. Aunque seguramente tenga licencias, pero mi escasez sobre conocimientos históricos, al menos en profundidad de detalles, me impide saber si se han tomado licencias para darle un ritmo cinematográfico.
Ante todo el resultado me parece más que correcto y el guión está muy bien construido, pero repito, un poco de tijera le habría venido muy bien en la sala de montaje.

Puestos a disfrutar con una película de Nazis me quedo con Malditos Bastardos de Tarantino, cierto que los hechos en ésta son inventados. Además El Hundimiento relata otros hechos totalmente distintos, los últimos días del mandato de Hitler, independientemente si se han tomado licencias o no, las intenciones de ambas son muy diferentes. La de Quentin era divertir, en cambio la de Hirschbiegel era reflexionar sobre lo sucedido con uno de los mayores genocidios de nuestro tiempo. Volvamos a la que aquí nos ocupa que como me ponga hablar de Malditos Bastardos, me pierdo.


En la obra de Hirschbiegel se retrata todo con mucho detalle, los escenarios, el atrezzo, la vestimenta de los actores y la puesta en escena es fenomenal. Las interpretaciones son muy solventes, salvo algunos extras, como las escenas de los niños que no me resultaron del todo creíbles. Aunque seguro que son cosas del doblaje y eso que no soy un fanático de la versión original, tampoco detractor lógicamente. Algún día que saque fuerza y muchas ganas, después de la sensación de pesadez que me dejó, tendré que volver a verla en V.O.S puesto que al hablar en alemán queda más acorde con el ambiente general.
Volviendo a las interpretaciones un irreconocible Bruno Ganz ensombrece a todos los presentes en el plano, su papel de Hitler es sencillamente magistral. Digo lo de irreconocible por que si no hubiera repasado su filmografía no habría caído en la cuenta de que interpretó a Jonathan Harker en Nosferatu, vampiro de la noche (remake de la película de Murnau) re-realizada por Werner Herzog en 1979.
Algunos extras y sobretodo algunos mandos del tercer Reich no son debidamente presentados, claro que son meros secundarios y no interfieren sobremanera en el relato principal, los últimos días del mandato de Hitler.
Se acaba profundizando mucho más en sus últimos pensamientos e intenciones póstumas. Así que puesto la mayoría de ellos no intervienen mas allá de estos hechos no le voy a dar más importancia, aunque me dejó con algunas lagunas y teniendo en cuenta su duración, 155 minutos, es un poco raro.

La sensación que me dejó en conjunto es de aburrimiento, sobretodo su última media hora. Así que mi puntuación se ajusta a la baja. Hay momentos muy grandes y en conjunto es todo muy elocuente, sin embargo le recortaría algunas escenas menos importantes con tal de no llegar al soberano aburrimiento que me produjo. Me da rabia que por culpa de su extensa duración no me haya gustado todo lo que debería, pues salvo el exceso de celuloide, todo lo demás consiguió encandilarme.

Creo que estamos ante una muy buena película histórica, sin embargo un servidor se quedó con una pobre sensación ¿o es que quizás estaba demasiado cansado?....no lo creo.

Corazón Rebelde

TÍTULO ORIGINAL : Crazy Heart
AÑO :2009
DURACIÓN: 112 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR :Scott Cooper
GUIÓN :Scott Cooper (Novela: Thomas Cobb)
MÚSICA :T-Bone Burnett
FOTOGRAFÍA :Barry Markowitz
REPARTO :Jeff Bridges, Maggie Gyllenhaal, Robert Duvall, Colin Farrell, Sarah Jane Morris, Beth Grant, Annie Corley, Tom Bower, Alexandria Morrow, Luce Rains, Therese Olson, Josh Berry, Jack Nation, Ryan Bingham
PRODUCTORA :Fox Searchlight / Butcher's Run Films / Informant Media / Country Music Television

Bad Blake (Jeff Bridges), un cantante de música country que vive al margen de la sociedad, después de diversos fracasos matrimoniales, se refugia en el alcohol. Cuando parece que ya no hay salvación para él, aparece Jean (Maggie Gyllenhaal), una reportera que descubrirá quién es el verdadero Bad.

Había oído buenas recomendaciones sobre ésta película y a pesar de ello la fui dejando de lado. Lastima no haberla visto antes.
Estamos ante un drama tópico, incluso con situaciones semejantes al de un telefilm. Sin embargo el guión está mucho mejor hilvanado que en los dramas televisivos. Eso sin contar que las interpretaciones están a años luz.


Los clichés del drama familiar bailan a su antojo por el film, y aunque tiene momentos muy intuibles la interpretación de Bridges hace sobresalir el producto de una forma bastante colosal. Es cierto que el registro usado nos recordará al perdedor de El Nota en El Gran Lebowsky y el lado underground de Noah en Tideland, aquí bastante descafeinado pero igualmente efectivo.
Y es que Bridges ha ganado carisma con los años, además de una facilidad interpretativa que asombra, no se denota un gran esfuerzo por su parte en interpretar a la vieja estrella del Country, aunque me hubiera gustado más que fuera de Rock, gustos musicales que tiene un servidor.
Gyllenhaal cumple muy bien con su papel y nos dará momentos muy dulces pero también muy amargos y Collin Farrel no tiene el tiempo suficiente para empatizar con el espectador, pero que demonios solo es un pequeño suplemento en la historia no en los hechos. La historia es la vida de Bad.

A pesar de sus momentos bastante previsibles juega muy bien el desenlace, es un quiero y no puedo, pequeño truco burdo pero efectista. Así que de esta manera no sabes muy bien si la historia terminará realmente bien o acabara en final catastrófico. Fuera como fuere - no lo desvelare para los que no la hayan visto - el final me dejó una sensación emocionante.


A pesar de su lentitud y sobrios planos la historia va sobre raíles como si de un gran travelling se tratase. Cuando apenas te quieres dar cuenta ya estás leyendo los títulos de crédito. En aspectos técnicos destaca su fotografía, con unas tonalidades similares a las que usaron los Coen en No Es País Para Viejos. La Banda sonora está bastante bien, aunque es un estilo que lo encuentro repetitivo, así que no fue el plato fuerte, al menos para mí.

Una recomendable película en la que Bridges carga con una gran interpretación sin apenas costarle esfuerzo, al menos así lo parece. Y con gran motivo se llevó el Oscar a mejor actor y un Globo de Oro a la misma categoría.

Portada dvd de Sharktopus

Ésta se nos quedó en el tintero en el Festival de Sitges, casi mejor pues las recomendaciones posteriores no fueron realmente buenas. Aún así con esta portada dan ganas de verla.



Y aunque parezca mentira también hay merchandising oficial y de los propios fans, que también los tiene.

Piraña 3D

TÍTULO ORIGINAL: Piranha (Piranha 3-D)
AÑO :2010
DURACIÓN :89 min.
PAÍS :Estados Unidos
DIRECTOR :Alexandre Aja
GUIÓN Alexandre Aja, Josh Stolberg, Pete Goldfinger, Grégory Levasseur (Remake: John Sayles)
MÚSICA Michael Wandmacher
FOTOGRAFÍA :John R. Leonetti
REPARTO :Elisabeth Shue, Adam Scott, Ving Rhames, Richard Dreyfuss, Eli Roth, Jerry O'Connell, Ricardo Chavira, Dina Meyer, Steven R. McQueen, Jessica Szohr, Kelly Brook, Riley Steele, Paul Scheer, Brooklynn Proulx
PRODUCTORA :Dimension Films / Chako Film Company / Intellectual Properties Worldwide / The Weinstein Company

El lago Victoria (Arizona) es un lugar que se llena de gente joven durante las vacaciones de primavera. De repente, se producen una serie de temblores submarinos que liberan unos peces prehistóricos antropófagos. Todos deberán unir sus fuerzas para sobrevivir a estas criaturas.

Piraña es lo que yo llamo vulgarmente una película chusca pero que cojones cumple sobradamente con lo prometido. Tetas, tetas y mas tetas...culos, muslo, pechuga, chichorra, rostros femeninos de infarto y mucha, mucha sangre. Aunque no tantos litros como se presumía antes de su estreno, llegando a compararla con la inamovible Braindead de Peter Jackson, considerada la película que ha usado más litros de sangre en la historia del cine, creo que va a ser muy dificil quitarle el puesto en ese aspecto.

La caña y la dosis de gamberrismo está concentrada al final, aunque nos van dando pequeños aperitivos con muertes aisladas, pero vamos que entre tanta teta y culo el público masculino tiene un rato largo entretenido hasta que llega la parte más bestia de la película, casi al final.
En ese aspecto el esquema es muy similar a la obra de Joe Dante los elementos y la disposición de estos son practicamente los mismos, pero el resultado es diferente.
Etiquetar de remake la obra de Aja es como etiquetar al cine de Robert Rodriguez como comedia romántica. Aunque realmente lo prefiero así, la obra de Dante tenía un toque serio y Aja le ha imprimido un nuevo enfoque totalmente exagerado y humoristico, más cutre que el de Rodriguez pero muy similar en la intención, cosas del presupuesto. Pero lo que mayor tienen en común es que en ambas hay pirañas hambrientas de carne humana, pero en conjunto global y la intención de cada una son bastante diferentes.


En aspectos técnicos los efectos digitales están cerca de las películas de Asylum las cgi's algo toscas para venir de la mano de Aja. Lo que me ha gustado es que se haga uso de muñecos en las escenas más sangrientas, como en la vieja escuela, algo que agradezco y me gusta que no sea 100% digital. De todas formas la limitación en el presupuesto también hace que se note una baja calidad en éste campo, pero cumple bastante bien con su cometido.

Es un producto "mal" hecho a propósito y la verdad que a estas alturas, cuando lo único que parece importar es la "perfección" en el diseño y los efectos especiales, que la predisposición de Aja haya sido hacer un producto ochentero juvenil y sin miramientos me parece genial. Referente al 3D no se aprovecha todo lo que se debería, tiene escenas que se podrían haber exprimido mucho más. De momento lo mejor que he visto en 3D es Avatar y Destino Final 4. Piraña es una película que tendría que haber seguido las pautas de ésta ultima, "interactuar" un poco más con el espectador. Vamos no me parece una mala técnica, pero su precio si que me parece realmente abusivo. La industria no debería dejarse cegar pensando solo en estrenar todo en 3D, cayendo así en el grave error de que llenarán más las salas, más aún con ese abusivo precio, en lugar de ofrecer productos de mayor calidad.


Su propósito es divertir al espectador y eso lo consigue de sobras, por lo tanto la sensación que nos deja (al menos a mí) es positiva. Claro que tiene fallos de guión y de puesta en escena, las situaciones se resuelven sin más preámbulos ni explicaciones coherentes, los personajes se personan en la escena y sin apenas presentación desarrollan su papel en la escena ¿pero acaso importa?. A mí NO, es un producto hecho así a propósito para disfrutar y punto. Además acaso no alabamos muchas obras peor hechas, tan solo por el hecho de haberlas visto en nuestra infancia. La cuestión es que no se puede comparar con sus dos primeros trabajos, ahí es donde reside el problema, en comparar. Esta película será recordada como una gamberrada que se ha permitido hacer en su filmografia, otra cosa sería que fuera un producto hecho con la pretensión de Hollywood, pero en este caso no lo es.

Salvando diferencias todo se sucede de forma similar a las películas de Jhon Carpenter. Aunque muchos son los que defenderan a éste y muchos otros, sobretodo los fans de Aja, lo lapidarán por haber hecho tal producto. Y es que el listón con el remake de Las Colinas Tienen Ojos, dejó en muy buena posición a Aja. En cambio Carpenter, salvo por La Cosa, siempre ha hecho productos similares, serie B pura y dura.
Pero creo que hay que saber discernir sobre lo que Aja nos ofrece con cada una de sus obras. El caso es que creo que sí ha habido un bajón en su filmografía respecto a sus dos primeras películas, de todas formas habrá que esperar a su próxima obra para poder afirmar si se está echando a perder ese preciado talento.

Vamos que esta vez ha decidido ofrecernos barco como animal acuático y yo lo acepto.

The Troll Hunter

TÍTULO ORIGINAL: Trolljegeren (Trollhunter)
AÑO: 2010
DURACIÓN: 90 min.
PAÍS: Noruega
DIRECTOR: André Øvredal
GUIÓN: André Øvredal
FOTOGRAFÍA: Hallvard Bræin
REPARTO: Otto Jespersen, Hans Morten Hansen, Tomas Alf Larsen
PRODUCTORA: Film Fund FUZZ / Filmkameratene A/S
WEB OFICIAL: http://www.filmfondet.no/icm.aspx?PageId=2245

Falso documental noruego que narra la historia de un grupo de estudiantes que trata de destapar una conspiración del gobierno para mantener ocultos Trolls que viven en Noruega. Lo que nos propone el film es que el gobierno noruego ha estado ocultando el hecho de que existe una población secreta de Trolls viviendo en cotos de caza en la zona del polo norte del país, manteniéndolos seguros y alejando la atención pública del lugar y la posibilidad de que se desate el pánico masivo si la gente se entera de que estas criaturas son reales.

Nueva aportación nórdica al género fantástico, está vez haciendo gala de una parte de su atractiva mitología y folclore. La película está realizada con presupuesto irrisorio para tal propósito, pero ante tal adversidad hay mucho talento tras el apartado visual. La elección del falso documental como estilismo para la película es acertado, aunque algo trillado. Será irremediable que sufra comparaciones con Cloverfield, [REC], The blair witch project y derivados, aunque hayan similitudes, la propuesta de Trolljegeren es algo distinta. En los países nórdicos se le otorga mucha importancia a la figura del Troll en todas sus variantes y formas, hay muchos lugares que en honor a los troles han adquirido un nombre relacionado con ellos. La ferviente creencia en estos seres y el aura mágica intangible que les rodea, se vive con emoción y tiene mucha relación con el entorno natural de su zona. La literatura, el arte y la música nórdica de la época romántica en adelante ha adaptado los troles de diversas formas; siendo una figura mística que se balancea en un escepticismo quimérico.

La película adquiere mayor valor si dispones de alguna cercanía con el simbolismo y la significación de dichos seres mitológicos desde el punto de vista escandinavo. Las pequeñas diferencias culturales hacen que nos sintamos más afines, si en lugar de Trolls, utilizan extraterrestres o fantasmas; en el caso de los americanos necesitan siempre ir a lo grande, con enormes monstruos indefinidos en la argumentación que destruyen la ciudad. Existen figuras emblemáticas dentro de lo que se podría llamar "género de monstruos", algunas con un mayor peso representativo dentro de su confección, como puede ser el caso de Godzilla en Japón, creación fruto del miedo social tras el bombardeo atómico durante la Segunda Guerra Mundial. En el caso de los Trolls, su peso emocional es mucho mayor en las tierras nórdicas, por lo que sus planteamientos tienen una buena base, tanto para su crítica social como elemento emocional de ficción.

Por consecuente, la elección del formato "falso documental" está muy bien pensada para discurrir el desarrollo de la trama entre lo fantástico y lo real. Una forma original de otorgar de realidad la ficción que forma parte de mitos y leyendas de un país. Hay que decir que la película no es ninguna maravilla, pero consigue hacerte pasar un buen rato, sobre todo si sientes simpatía por tales creencias.

Las actuaciones de los jóvenes personajes documentalistas tienen ese toque amateur, pero no son nada molestas, la actuación más relevante es la del comediante Otto Jespersen, muy creíble y de gran talento. El grupo formado por los personajes consigue llegar a lo variopinto y adquiere un fuerte carisma evolutivo durante su desarrollo.

El punto fuerte se encuentra en las diferentes secuencias y escenas que muestran a los verdaderos protagonistas de la historia, los Trolls. A pesar de contar con un presupuesto bajo, la recreación de tales seres está muy elaborada, su integración con el entorno y el desarrollo de la acción consigue altas cotas de efectividad. Trolljegeren es una recomendable experiencia, un producto para nada pretencioso que dispone de un aura especial de comedia de aventuras. Lastima que para el disfrute de una distribución multitudinaria de tal idea, lo más probable es que se tenga que esperar a un innecesario remake americano. Por nuestra parte, todo el apoyo hacia Noruega por está simpática creación.

Persona

TÍTULO ORIGINAL: Persona
AÑO: 1966
DURACIÓN: 81 min.
PAÍS: Suecia
DIRECTOR: Ingmar Bergman
GUIÓN: Ingmar Bergman
MÚSICA: Lars Johan Werle
FOTOGRAFÍA: Sven Nykvist (B&W)
REPARTO: Liv Ullmann, Bibi Andersson, Margaretha Krook, Gunnar Björnstrand, Jörgen Lindström
PRODUCTORA: Svensk Filmindustri (SF)

La actriz Elizabeth Vogler durante una interpretación teatral dejó de hablar. Al día siguiente, su ama de llaves la encuentra en su cama, inmóvil y callada. Es ingresada en una clínica durante tres meses, pero su estado no mejora. No hay causas que expliquen su postración y su silencio. La doctora que atiende su caso decide enviarla con la enfermera Alma, a una finca junto al mar. Elisabeth sigue callada, así que Alma decide hablar de forma constante, le cuenta su vida, sus problemas, y la actriz escucha sus confesiones. Pero, poco a poco, la relación entre las dos mujeres empieza a emponzoñarse.

Persona es una de las controvertidas obras del cineasta Sueco, con la particularidad de estar ideada fuera de ataduras de estudios y productores cinematográficos. El mismo Bergman la desarrolló mientras se encontraba ingresado en un hospital recuperándose de un fuerte periodo de estrés. Tras asumir la producción de la película, Bergman consigue un resultado en su dirección sobresaliente. Una película muy personal donde consigue una total desnudez de los personajes a través del minimalismo. Una fuerte reflexión sobre la lucha interior personal, una visión pragmática del debate entre el sentimiento constante de interpretar un papel como si fuéramos actores en nuestra propia vida. El contrapunto de librarse de esa máscara para abrirse al mundo con todo lo que ello conlleva; la representación de virtudes y defectos, atributos opuestos con un nexo de unión reflejados en los dos personajes femeninos.

El desarrollo tan bien ideado de la película obliga un replanteamiento constante del hilo argumental sobre el que se sustenta el guión, pero sin dejar de ser verosímil ni descarrilar en ningún momento. La película es una muestra de los sentimientos humanos, como si fuera el reflejo de un espejo proyectado a través de la pantalla; desconcierto, incomodidad, incertidumbre, sensualidad, temor, contradicción, todo lo que no podemos comprender ni explicar. Así pues, Bergman nos muestra y plantea las dudas, pero no las respuestas. El inicio de la película contiene un prólogo hermético, inquietante, con mucha simbología sobre conceptos humanos referentes a la vida, la muerte, la religión y el sexo. De ahí pasamos con una fascinante inmersión a una especie de pesadilla existencial, que gracias a la fotografía de Sven Nykvist, nos cautivará de forma estimulante. Pero al finalizar la película seguro que te deja K.O.

La película está realizada de forma para nada convencional, con elementos de la corriente vanguardista se consigue retractar la ambigüedad en su desenlace de una forma chocante. La película es fácil de comprender, pero te deja en un estado atónito. El duelo interpretativo, por así llamarlo, de las dos grandes actrices Liv Ullmann y Bibi Andersson, te deja sin aliento. Sin duda, la dirección actoral consigue realzar el talento de las dos protagonistas. Esta película es de alto riesgo, no siempre recomendable. Consciente de ello, hay que ver la película con calma y tranquilidad, con predisposición a lo extremo de su propuesta, pues es un ejemplo de porqué el cine es el séptimo arte.

Valor de ley

TÍTULO ORIGINAL: True Grit
AÑO: 2010
DURACIÓN: 110 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Joel Coen, Ethan Coen
GUIÓN: Joel Coen, Ethan Coen (Novela: Charles Portis)
MÚSICA: Carter Burwell
FOTOGRAFÍA: Roger Deakins
REPARTO: Jeff Bridges, Hailee Steinfeld, Matt Damon, Josh Brolin, Barry Pepper, Paul Rae, Ed Corbin
PRODUCTORA: Paramount Pictures / Skydance Productions / Scott Rudin Productions
WEB OFICIAL: http://www.TrueGritMovie.com
PREMIOS 2010: Oscars: 0/10 nominaciones, incluyendo mejor película, director y actor (Bridges)
2010 BAFTA: Mejor fotografía (Deakins). 8 nominaciones, incluyendo mejor película
2011 Festival de Berlín: Sección oficial largometrajes - Fuera de competición [Apertura]

Después del asesinato de su padre por Tom Chaney (Josh Brolin), Mattie Ross (Hailee Steinfeld), una chica de catorce años firmemente decidida a hacer justicia, contrata los servicios del veterano alguacil Rooster Cogburn (Jeff Bridges), un borracho de gatillo fácil. Ambos perseguirán al criminal hasta territorio indio e intentarán atraparlo acompañados de LaBoeuf (Matt Damon), un ranger de Texas, que quiere atrapar de Chaney para juzgarlo por el asesinato de un senador.

La nueva película de los hermanos Coen tiene un resultado curioso a nivel global; con buenos ingredientes y la receta adecuada para cocinar un suculento manjar, se han quedado a las puertas de la victoria. Como es normal en este caso, hay diversidad de opiniones, aunque la película parece que cautiva. Hay quien le otorga la medalla de obra maestra, pero también está el bando contrario, que la odian. Lo que no se puede negar es que la película es buena y está realizada con bastante acierto. Lo que no ha sido un acierto es la elección de los Coen para lo que ellos dicen, nueva adaptación de la novela de Charles Portis publicada en 1968.

Mal porque a pesar de remarcar que la película está basada en la novela, ya existe una adaptación de 1969 dirigida por Henry Hathaway. Mal por querer revivir un estilo de Western que ya no se destila a través de una gran película, a parte de su importancia por reconocer a John Wayne como mejor actor con su único Oscar. La versión de los Coen dispone de variaciones respecto a la original, según ellos se ciernen más sobre la novela, pero han calcado y utilizado muchos recursos de la adaptación de Hathaway. De forma sutil los Coen dejan impreso parte del estilo que tienen en sus películas, pero sin contentar a quienes lo siguen o adulan. Entonces, ¿para qué una adaptación cinematográfica de una novela que ya tiene una buena adaptación? Tampoco han aprovechado para darle su visión personal o un nuevo enfoque, solo han modernizado algunos elementos. Todo esto quizás fuere la motivación de los Coen, llevar a cabo un proyecto que supusiera un reto por estar a la sombra de la primera adaptación.

True Grit cae en el saco del no era necesario, es una lastima, pero la película sigue una línea que en pequeñas ocasiones se atreve abandonar por las innovaciones y el pequeño granito de arena que aportan los Coen. Pero no se puede evitar pensar que es una producción donde no escasea el dinero y con un gran número de profesionales detrás para levantar está adaptación. La puesta en escena, la dirección de actores, los encuadres, localizaciones y banda sonora son de gran nivel. La fotografía de la película es de destacar por encima de la media actual, el colorido y el tono que le han dado a la película está muy logrado. Las interpretaciones están a la altura, no es necesario extenderse en el gran trabajo de Jeff Bridges recreando a Rooster Cogburn y dando un gran homenaje, pues no creo que sea correcto comparar, al trabajo que realizó John Wayne. De los personajes principales quien mejor parada queda es Hailee Steinfeld, una joven actriz que borda su interpretación y hace creíble un personaje que sobre el papel es totalmente irreal.

Por desgracia la película tiene sus partes más blandas, pero sobre todo, debería ser unánime la proclamación de que el doblaje de la película es nefasto, no hace justicia a los personajes, ni a los actores, ni al dramatismo que tiene que provocar la película. Los doblajes son una de las formas con las que se pervierten las películas, pero este doblaje se debería considerar una estafa en toda regla, no permite disfrutar de la película, incluso hace que guste menos. Así que, seas quien seas, si aún no has visto la película y tienes curiosidad, por favor hazlo en versión original. En esta ocasión el subtitulo vuelve a ser la forma menos mala de disfrutar una película, en este caso, la mejor opción. Si no hay ningún problema con el idioma original de la película no hará falta que esté subtitulada.
A parte de todo esto, los tiempos narrativos de la película no están bien definidos y el final queda resuelto de una forma que deja bastante que desear, por lo menos viendo el desarrollo de la película de forma cinematográfica. La versión de los Coen tiene el suficiente nivel para no crear insatisfacciones, pero es inevitable que una extraña sensación se apodere de ti tras ver la película. Los Coen no han arriesgado en su apuesta, se echa en falta por su parte algo más de True Grit.

Poster de Super

Sencillo pero genial poster de Super. Película de superheroes cómica que pudimos ver el pasado 2010 en el Festival de Sitges.

La Red Social

TÍTULO ORIGINAL: The Social Network
AÑO: 2010
DURACIÓN: 120 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: David Fincher
GUIÓN: Aaron Sorkin (Novela: Ben Mezrich)
MÚSICA: Atticus Ross, Trent Reznor
FOTOGRAFÍA: Jeff Cronenweth
REPARTO: Jesse Eisenberg, Andrew Garfield, Justin Timberlake, Armie Hammer, Joseph Mazzello, Max Minghella, Rashida Jones, Brenda Song, Rooney Mara, Malese Jow, Trevor Wright, Dakota Johnson, Aaron Sorkin
PRODUCTORA: Sony Pictures / Michael De Luca Productions / Scott Rudin Productions / Trigger Street Productions

Una noche de otoño del año 2003, Mark Zuckerberg (Jesse Eisenberg), alumno de Harvard y genio de la programación, se sienta a su ordenador y con empeño y entusiasmo comienza a desarrollar una nueva idea. En un furor de blogging y programación, lo que comenzó en la habitación de su colegio mayor pronto se convirtió en una red social global y una revolución en la comunicación. Seis años y 500 millones de amigos después, Mark Zuckerberg es el billonario más joven de la historia. Pero para este emprendedor, el éxito ha supuesto complicaciones personales y legales... Escrita por Aaron Sorkin basada en el libro "The Accidental Billionaires" de Ben Mezrich, "The Social Network" narra la historia de los jóvenes fundadores de la popular red social Facebook, especialmente de su creador más conocido, Mark Zuckerberg.
Su leyenda reza: "No se hacen 500 millones de amigos sin hacer unos cuantos enemigos." Mucho mejor el lema que la película entera.

La historia tiene su parte interesante pero se estira de una manera demasiado forzada. Su parte de critica está bastante disimulada bajo un envoltorio algo descafeinado. Pero si buscamos vemos una patada en la boca a los lobbys de la industria que no tienen piedad, aunque su mensaje se puede resumir de una manera bastante escueta, el dinero no tiene amigos.

Las interpretaciones son creíbles, puesto que no evolucionan fisicamente ni psicologicamente, tienen practicamente la misma edad en toda la película. Así que el papel es fácil de desarrollar si la historia, como es el caso, no avanza tanto en el tiempo como para convertir a sus personajes en adultos. Jóvenes que no tienen escrúpulos sobre lo que puedan repercutir sus decisiones en el entorno social más próximo a ellos.


La historia como en la mayoría de casos se habrá adornado respecto a la realidad para imprimir en la historia algo más de emoción, que por desgracia no llega a tener. No es que aburra soberanamente pero tampoco divierte todo lo que debiera. La dirección es bastante buena, gracias en parte a un guión que casi funciona solo y los diálogos están bien construidos. El montaje es dinámico, intercala los hechos del pasado y los del presente con avidez, pero no consigue el ritmo adecuado para la película. No se hace, ni es excesivamente larga, pero llega cierto momento que tienes ganas de que finiquiten el acuerdo y con éste la película.

No le voy a restar méritos ni técnicos ni argumentales, pero esta vez me parece que se han meado fuera del tiesto y la lista de premios obtenidos está totalmente fuera de lugar.
3 Oscars: Mejor guión, montaje y banda sonora. 8 nominaciones, incluyendo película 4 Globos de Oro: Mejor película, director, guión y música. 6 nominaciones 3 Premios BAFTA: mejor director, guión original y montaje. 6 nominaciones NBR - Asociación de Críticos Norteamericanos: 4 Premios, incluyendo mejor película Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película, mejor director Satellite Awards: Mejor película, director, guión. 7 nominaciones


No soy de los que hacen reverencias a una película por los premios obtenidos.
Pero me parece absolutamente excesivo y lo que más rabia me da es que otras obras mucho menos pretenciosas que la que acaece, se merecen mucho más de lo que obtienen, aunque fuera solo el reconocimiento.
Además tener en cuenta que Fincher tiene grandes (y mucho mejores) obras en su carrera, no siendo ésta precisamente la que más premios se merezca.

Que se puede ver, pues sí, pero parece que a la industria le sobraban estatuillas y trofeos varios en el cuarto trastero y se dispusieron a hacer limpieza.

Spooky Cinema 10

"A la décima va la vencida", pues no, seguro que hay undécima edición...y posteriores. La Oscura Ceremonia sigue organizando sus pases temáticos, cada vez más frecuentes. Recientemente tuvimos un especial gusanos, ahora le toca al voodoo, un "subgénero" que ha derivado en los zombies que conocemos actualmente, no hay que olvidar que tan de moda que están estos tetricos y putrefactos seres, parten de esta "religión" tan siniestra como es el Voodoo. Una obra bastante emblematica sería La Serpiente del Arco Iris de Wes Craven, pero no hay demasiadas obras que toquen esta cultura de África Occidental, al menos bajo mi conocimiento.

Las películas proyectadas serán Voodoo Woman (1957) y Masacre En La Isla De Los Zombies (1984). Gran oportunidad de ver obras que de otra forma probablemente no vería.

La proyección será el Domingo, 20 de marzo de 2011 a las 18:00 y retorna al Centre Civic Les Basses. Entrada Gratuita.

Personal En Ataque

TÍTULO ORIGINAL: Monster High
AÑO: 1989
DURACIÓN: 84 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Rudy Poe
GUIÓN: Roy Langsdon, John Platt
MÚSICA: Richard Lyons
FOTOGRAFÍA: Eric J. Goldstein
REPARTO: Dean Iandoli, Diana Frank, David Marriott, Robert Lind, Sean Haines, Doug Kerzner, Bob Cady, Susan Smeltzer
PRODUCTOR: Eric Bernt

Mr. Armageddon desafía a dos jóvenes estudiantes a un partido de baloncesto.
Arnold nunca podría imaginar que el campo de baloncesto de su instituto seria el lugar elegido para el partido más importante del mundo, y él uno de los jugadores principales.
La tierra está en peligro, los extraterrestres amenazan con destruirla. De este partido depende que continué el mundo.


Lo que viene a suponer Plan 9 del Espacio Exterior para el cine de ciencia ficción, lo es Monster High (por estos lares rebautizada como Personal En Ataque, supongo que con la intención de que más incautos cayeran en el error de alquilar semejante producto) para las comedias de adolescentes ochenteras. Obras como Porkis, Los Albondigas en Remojo y muchas otras de semejante calaña, no aguantarían un revisionado en la actualidad, al menos sin lapidarlas hasta el punto de quedarnos sin piedras. Pero hay que reconocer que al menos la gran mayoría de las bromas tenían su gracia, algunas hasta tenían su punto debido a su propia estupidez. Pero la película aquí presente carece de ese pequeño "don" desde el primer minuto. Solamente su secuencia final tiene el toque absurdo e irreverente que se esperaba en un producto de éste estilo.


Cuando te sientas delante de una pantalla a visionar un producto de esta índole, no creo que se pretenda encontrar un producto de calidad, ni con interpretaciones brillantes, ni un guión coherente, ni diálogos profundos o situaciones que te emocionen, sino todo lo contrario. Tan solo se espera que su humor tenga gracia, no basta con que éste sea el punto motriz de la cinta, si carece de ello. Ni siquiera salvan la situación la escena gore, que he de reconocer que tiene su momento, ni siquiera un par de buenas tetas, que las hay, salvan tal infame producto.


En conjunto es la insensatez hecha película, sus escasos 84 minutos se convierten en una insoportable agonía. Hasta el más descabellado sketch de los Monty Python (y eso que los detesto) tiene más gracia que la larga cola de situaciones aquí presentadas.

No os dejéis engañar por su portada o capturas, la película es realmente insoportable. Si deseáis vengaros de alguien recomendádsela, pero solo si lo que os ha hecho es realmente grave.

No he encontrado trailer, ni falta que hace....

Cisne Negro

TÍTULO ORIGINAL: Black Swan
AÑO: 2010
DURACIÓN: 103 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Darren Aronofsky
GUIÓN: John McLaughlin, Mark Heyman
MÚSICA: Clint Mansell
FOTOGRAFÍA: Matthew Libatique
REPARTO: Natalie Portman, Mila Kunis, Vincent Cassel, Winona Ryder, Barbara Hershey, Christopher Gartin, Sebastian Stan
PRODUCTORA: Fox Searchlight Pictures
WEB OFICIAL: http://www.foxsearchlight.com/blackswan/
PREMIOS 2010:
1 Oscar: Mejor Actriz (Natalie Portman). 5 nominaciones, incluyendo mejor película
1 Globo de Oro: Mejor Actriz (Portman). 4 Nominaciones, incluyendo mejor película
1 BAFTA: Mejor Actriz (Portman). 12 nominaciones, incluyendo mejor película
Festival de Venecia: Mejor actriz o actor joven (Mila Kunis)
4 Independent Spirit Awards: mejor película, director, actriz (Portman) y fotografía
Satellite Awards: 5 nominaciones, incluyendo director y actriz principal (Portman)

Nina (Natalie Portman), una brillante bailarina que forma parte de una compañía de ballet de Nueva York, vive completamente absorbida por la danza. La rivalidad con su compañera Lily (Mila Kunis) y las presiones del director (Vincent Cassel) se agudizan a medida que se acerca el día del estreno. Esta tensión provoca en Nina un agotamiento exhaustivo, nervios y una confusión mental que la incapacitan para distinguir entre realidad y ficción.

El nuevo largometraje del controvertido cineasta Darren Aronofsky golpea con fuerza, sin miedo al ridículo muestra un camino hacia el delirio. La película dispone de un argumento anecdótico, es de lo más sencillo y no pretende sorprender a nadie, es la forma de contarlo lo que cautiva. Con imágenes y sonidos en contexto con el tono de la película, se muestra una progresión hacia los excesos justificados por la historia. Es una de esas películas que al terminar consigue que se debata sobre ella y que de un modo u otro, no sea fácil quitártela de la cabeza.

La película arranca transmitiendo pureza e inocencia, la belleza y la perfección, a medida que despierta el Cisne Negro se desata la lujuria, crece una sensación compulsiva de caos hasta la autodestrucción. Todo está representado por un cúmulo de pequeños elementos, aunque lo que más se destaca son los movimientos de cámara. Varían según el estado de ánimo de la protagonista, será nuestro hilo conductor, en ningún momento nos apartaremos de ella. Pasaremos desde planos fijos en los momentos de más calma a movimientos bruscos cuando el sentimiento de nerviosismo y descontrol florece. Se utiliza la cámara de manera sugerente, muy cerca de los personajes y de la acción, crea una sensación envolvente que consigue hacernos sentir los sentimientos de los personajes.

La película avanza con un desarrollo progresivo que sin darte cuenta, se introduce en tu interior, cada vez más intensa, hasta llegar al punto donde llegas a sentir la presión que siente el personaje. Al principio el tono es sobrio, crea la sensación de perfección armónica, la puesta en escena dispone del clima correcto, la presentación de los personajes suscita suspense y su desarrollo hace vislumbrar la sensación de que todo se fracturará. De ahí pasamos a unos recursos visuales y sonoros efectistas, pero nada caóticos, todos los pequeños elementos están hilados y premeditados para conducirnos hacia la consecución de un largo clímax que nos dejará exhaustos.

No es necesario remarcar la obviedad de la buena selección y resultados tan positivos del reparto, lo cual es digno de elogios que ya han sido manifestados. También hay que mencionar un conseguido uso de efectos visuales, que pueden pecar en algunos momentos de un uso excesivo a la hora de representar el estado interior de los personajes. Aunque viendo la película desde la distancia y en conjunto, no está fuera de lo que se propone y forma parte del exceso y el dejarse llevar. Hay muchos momentos pensados para crear la distorsión de la realidad que funcionan muy bien, mostrando lo que sería una realidad suspendida y en algunos momentos la alteración temporal, todo para ayudar a desarrollar la fatídica sensación de descontrol que hay que transmitir al espectador.

Con una edición de sonido muy cuidada, se sugiere, se narra y se describe al compás de la iluminación y en conjunto de los movimientos de cámara. La fotografía de la película consigue crear un ambiente malsano y aterrador, cautiva y desconcierta a la vez. Todo ello está acariciado por una banda sonora de Clint Mansell, compositor de todas las películas de Aronofsky y más conocido por el tema Lux Aeterna para Requiem for a dream. En está ocasión para Black Swan recicla parte de los temas originales de El lago de los cisnes de Chaikovski, los modifica de forma muy sutil y complementa con piezas personales, de una naturaleza más oscura y melancólica. La perfección no se trata solo de control. También se trata de dejarlo de lado. Y como la perfección no existe, la experiencia que nos ofrece el Cisne Negro seguro que encantará y horrorizará.

Conan, motion poster

Nueva relectura del personaje creado por Robert E. Howard y del cual ya se hicieron dos películas en los 80, con Arnold Schwarzenegger como protagonista.
Esta vez Marcus Nispel que nos sorprendió con el remake de La Matanza de Texas y nos decepcionó con el de Viernes 13, se pone detrás de las cámaras.

El argumento no es muy original que digamos...para vengar la muerte de su padre y la matanza de su pueblo, Conan emprenderá una búsqueda para encontrar y asesinar al sádico responsable: Khalar Zym. Por su parte, Khalar Zym está a su vez buscando a una joven, Tamara, que es la llave de un ritual enigmático que otorga la resurrección...

No espero que esté a la altura de los comics, eso sería demasiado pedir. Me conformo que la película sea buena, como mínimo la mitad que el poster.

Blade

TÍTULO ORIGINAL: Blade
AÑO :1998
DURACIÓN :120 min.
PAÍS :Estados Unidosvisual
DIRECTOR: Stephen Norrington
GUIÓN: David S. Goyer (Cómic: Marv Wolfman & Gene Colan)
MÚSICA :Mark Isham
FOTOGRAFÍA :Theo Van de Sande
REPARTO :Wesley Snipes, Stephen Dorff, Kris Kristofferson, Sanaa Lathan, Donal Logue, Traci Lords, Udo Kier, N'Bushe Wright, Arly Jover
PRODUCTORA :New Line Cinema / Amen Ra Films

En un mundo cohabitado en guerra por hombres y vampiros Blade es un vampiro que, al contrario que el resto, no se alimenta de humanos, y que pretende acabar con la raza de "seres superiores" que mordieron a su madre cuando estaba embarazada.

Los vampiros y el cine se han dado la mano desde tiempos inmemoriales. Tenemos obras de todos los tipos, con más acción, con más dramatismo, algunos un tanto humorísticos. Vamos lo que viene estando de moda con los zombies, se ha hecho desde antaño con los vampiros.

Blade combina un poco de cada uno de ellos y la verdad debo decir que su revisionado se aguanta muy bien. Una cinta con pilares bastante sólidos.

Puede que más de uno aunque la recuerde con agrado, dude de su calidad en la actualidad, pues a simple vista puede parecer una rudimentaria cinta de acción con premisa vampirica, pero más quisieran muchos dramas tener ese toque de profundidad que tiene una parte de la historia. Es cierto que los elementos no son novedosos, la relación que se crea entre Blade y su madre, el personaje secundario que cuida de él y la venganza ansiada por éste hacía los de su propia raza. Pero son llevados por buen camino y eso nos deja con una cinta de pilares sólidos.

Técnicamente no ha envejecido nada mal, sus efectos especiales están realmente conseguidos, a pesar de ser digitales al 100%. En su desenlace pecan de volverse demasiado "artificiales". Aunque el desenlace tampoco es novedoso, el resultado de los mencionados efectos cumplen y solventan la idea que se buscaba, de haberlo echo de forma tradicional se hubiera disparado el presupuesto, además de dificultar sobremanera su realización. El resultado es totalmente efectivo y cumple con lo estipulado.


La banda sonora compuesta en su mayoría por temas techno industrial encaja muy bien en las escenas de acción. Los personajes están bien caracterizados y tanto Dorff, como Snipes, como Kristofferson hacen sus personajes suyos llevandolos cada uno a su propio terreno. El malo, el vengador y el "empresario" borracho, respectivamente. Si sumamos los secundarios tenemos una bomba de relojería, personajes tan dispares en un mismo espacio, sencillamente genial.

Las coreografías están bien estudiadas y la cámara se mueve con fluidez pero sin el tembleque de muchas cintas de acción actuales.
A pesar de ese toque moderno, creo que Blade es una de las últimas cintas que mantiene el espíritu del cine de acción de los 90, practicamente intacto. En la siguiente década se han parido algunas buenas obras pero otras demasiado malas. El "parkinson" pareció adueñarse de muchas cámaras.
Aeon Flux, Los Guardianes de la Noche y tantas cintas que vendrían años después solo se centran en bonitos efectos especiales, cámaras temblorosas y guiones realmente penosos.
Blade todavía cuidaba esos aspectos. Y aunque que como muchos comics adaptados a la pantalla son suavizados para llegar a un público más amplio, éste seguro no fue una excepción, sin embargo encontramos una buena dosis de crueldad en sus imágenes, no llega a ser un producto totalmente descafeinado.
A pesar de ambas cosas la cinta triunfó bastante y como era de esperar propició dos secuelas bastante decadentes.

Una recomendable cinta de acción que se mantiene prácticamente intacta después de más de una década.

Apocalipsis Caníbal en Barcelona

SÁBADO 19 DE MARZO 2011 - 18h.

Proyección de la película "Apocalipsis caníbal" con la presencia del actor Bernard Seray.

La coproducción italo-española "Apocalipsis caníbal" (1980), uno de los films de zombies más míticos del realizador Bruno Mattei -emblema del explotation italiano- y responsable de clásicos como "L'altro inferno" (1981), "Rats - Notte di terrore" (1984) o "Zombie 3" (1988), ha sido el título seleccionado para esta nueva proyección que contará con la presencia del actor Bernard Seray. Icono del cine quinqui, gracias a sus trabajos en las películas "Los violadores del amanecer" (1978) de Ignacio F. Iquino, "Perros callejeros 2" (1979) o "Los últimos golpes del Torete" (1980), estás dos últimas dirigidas por José Antonio de la Loma, y que también se introdujo en el cine de terror trabajando en el film de Mattei o en "El invernadero" (1983) de Santiago Lapeira; sin olvidar su presencia en la película de Lucio Fulci "La miel del diablo" (1986).

Entrada gratuita.

Centro Garcilaso
C/. Juan de Garay, 116.
Barcelona
Metro Sagrera L1-L5.

www.elbuquemaldito.com