Cheeta, descansa en paz


La semana pasada murió a los 80 años de edad el chimpancé más famoso de la historia del cine. Fue el primer animal en convertirse en estrella de Hollywood cuando en los años 30 realizó el papel de Cheeta en las películas de Tarzan. Su verdadero nombre era Jiggs, debutó con la versión estrenada en 1932 de Tarzan of the apes, falleció la pasada nochebuena debido a una insuficiencia renal en un centro para animales de Florida. Formaba parte del libro Guinnes por su larga longevidad, ocupa un puesto de honor en la industria cinematográfica y en el recuerdo de quienes disfrutamos con el personaje de Cheeta.

Zombie Walk en Madrid

Con motivo del estreno en España de la película Juan de los Muertos, se organiza una Zombiewalk por las calles de Madrid que culminará con el preestreno de la película en el Cine Palafox.

Mi opinión personal sobre la película, que vi en el Festival de Sitges, no es precisamente favorable, aunque respeto que haya gente que le guste.


Además creo que el 'mercado' zombie está sobresaturado. No se equivoquen señores, me gustan los zombies pero a veces me da rabia que esté tan de moda, sin embargo tampoco soy tan malvado como para no promocionar dicho evento.

El Miércoles 4 de enero de 14h-20h: Sesión de Maquillaje en el Centro Pasquale Caprile, Plaza de Santa Bárbara 3.
A las 20:30h: Inicio de la Zombie Walk Salida desde la Plaza de Santa Bárbara hacia los cines Palafox, en callle Luchana. A las 22:00 Preestreno exclusivo de Juan de los Muertos, en el cine Palafox con la presencia de los actores y director de la película.

Visita la página de Avalon y averigua como ganar entradas para ver Juan de los Muertos en su preestreno exclusivo. http://www.facebook.com/Avaloncine?sk=wall

Organiza: Avalon Producciones, A.C. Spooky Entertainment
Colabora: Fnac, Gotic Maquillaje, La Zanfoña Producciones, Rara Avis Store, Ugamuri FX, Paco Ferrari Fotografía

Porno Gore Garri Extreme Festival VII


El Buque Maldito Fanzine vuelve -como cada año- con una proyección dedicada exclusivamente al mundo del cortometraje. Desde el marco del festival musical Porno Gore Garri Extreme Festival VII - 2012 podremos gozar de los siguientes cortometrajes. La proyección contará con la presencia de sus realizadores.


LEYENDA, de Pau Teixidor.

Claudia, una niña de diez años, se va con sus padres a pasar el fin de semana fuera de la ciudad. Durante el viaje en coche, deciden hacer un pequeño descanso en una gasolinera abandonada. La aparición de una extraña mujer revelará a Claudia su verdadero destino.


DECAPODA SHOCK, de Javier Chillon.

Un astronauta regresa a la Tierra tras un fatal incidente en un lejano planeta.

CORTE, de Arnau Pons.
(No he encontrado portada, lo siento)

Una melodía suena de fondo. Sara, aturdida por el efecto de alguna droga, abre los ojos. Tiene las manos vendadas y se encuentra en lo que parece una mansión abandonada. ¿Cómo ha llegado allí? ¿Quién la ha traído? Solo una cosa parece clara: tiene que salir de ahí.


CAZADOR DE ZOMBIES, de Jacint Espuny.

El la sociedad actual hemos aprendido a convivir con los zombis, han surgido multitud de empleos que los rodean, aquí veréis uno de ellos.


ALASTOR, de Rafa Dengrá.

¿Cuál es tu historia de miedo favorita? ¿Estás preparado para escuchar la mía?


METAL CREEPERS, de Adrián Cardona y J. Oskura Nájera.

Una popular banda de Glam metal, se encuentra en el estudio de grabación preparando su próximo disco. Su productor les entrega unas extrañas partituras que supuestamente tienen poderes mágicos.

SÁBADO 14 DE ENERO 2012 - 18h. Entrada gratuita.
Centro Garcilaso
C/. Garcilaso, nº103
Barcelona
Sagrera L1-L5.


Y recordad que ya está a la venta el nuevo número de El Buque Maldito, con una extensa crónica del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya - SITGES 2011 junto a diferentes entrevistas con algunos de sus protagonistas. Más info en su web.

El almuerzo desnudo



TÍTULO ORIGINAL: Naked Lunch
AÑO: 1991
DURACIÓN: 115 min.
PAÍS: Canadá
DIRECTOR: David Cronenberg
GUIÓN: David Cronenberg (Novela: William Burroughs)
MÚSICA: Howard Shore
FOTOGRAFÍA: Peter Suschitzky
REPARTO: Peter Weller, Judy Davis, Ian Holm, Julian Sands, Roy Scheider, Nicholas Campbell, Monique Mercure, Michael Zelniker, Joseph Scorsiani, Robert A. Silverman, Mathilda May
PRODUCTORA: 20th Century Fox
PREMIOS 1992: Festival de Berlín: Sección oficial de largometrajes

William Lee es un exterminador de insectos que ha dejado atrás las drogas y quiere dedicarse a la escritura, pero su esposa se ha convertido en adicta al insecticida que él utiliza. Tras un trágico accidente, William debe escapar a la Interzona, un extraño lugar donde se verá envuelto en una peculiar trama de espionaje mientras trata de escribir.

David Cronenberg dispone de un recorrido como cineasta que mejora de forma gradual, con un estilo muy personal trabaja siempre utilizando una serie de temáticas en común. En todas sus películas desarrolla una serie de elementos en relación a sus inquietudes, crea una dimensión sórdida, un universo propio que en mayor o menor grado define en todas sus películas siempre al servicio de la historia. Cronenberg se mueve por temáticas comunes dentro de lo cotidiano, pero con un tratamiento distinto respecto a lo que se considera socialmente correcto dentro de un canon moral impuesto. El almuerzo desnudo no es una adaptación de la conocida novela, más bien se trata de una interpretación. El escritor William Burroughs comenzó su carrera como escritor con un estilo convencional y formal, pero con temáticas que no lo eran tanto. En su obra hay un gran porcentaje de elementos autobiográficos, su adición a diversas drogas, experiencias auto destructivas, una evolución literaria dirigida al surrealismo, la experimentación y la vanguardia. Su estilo para escribir disponía técnicas donde se pretende eliminar lo narrativo, romper las normas sintácticas sin perder el sentido del relato.


El almuerzo desnudo se publicó en 1959, la novela se escribió en Tánger y contiene una gran carga de crítica en diferentes conceptos sociales de Estados Unidos. David Cronenberg a modo de falso biopic, muestra su interpretación de la novela desde su propio terreno, una concentración de la esencia de lo escrito por William Burroughs, pero en su proceso de creación. El protagonista William Lee, alter ego del propio escritor en sus novelas, es interpretado por Peter Weller de forma inquietante y desesperanzadora. Un personaje triste cargado de sentimiento de culpa, se resiste a aceptar su condición homosexual, al igual que pudo ocurrir con Burroughs. El casting, como el resto de las películas de Cronenberg, es muy acertado. Interpretaciones como la del carismático Roy Scheider, Julian Sands o Ian Holm, juegan con pequeños papeles pero con interesantes funciones en la historia. El doble papel de Judy Davis como mujer de William Lee consigue transmitir la esencia de todo el ambiente que se construye durante la película; hay otros personajes secundarios que no forman parte de la novela escrita por Burroughs, pero sí de diferentes episodios de su vida personal, llena de trágicos sucesos como la accidental muerte de su mujer.


Esta sería la película más surrealista de David Cronenberg, como se puede considerar Spider su película más expresionista. La estructura argumental está expuesta de un modo abrupto, la ambientación está presentada del mismo modo, la iluminación de Peter Suschitzky está dentro de los margenes de lo correcto, se podría haber arriesgado mucho más en la propuesta por la temática y su tratamiento, pero dentro de unas gamas cromáticas arenosas que predominan durante toda la película, matiza muy bien el estilo visual de Cronenberg. La banda sonora es muy acertada, como una descontrolada jam session de Jazz pero bajo control, bien integrada y muy acorde con el movimiento de la generación beat, consigue recrear el sentimiento interior de Burroughs. El compositor Howard Shore será más conocido por la banda sonora de El señor de los anillos con la que ganó dos Oscar, pero es habitual colaborador de David Cronenberg y responsable en cierto modo de la creación del estilo característico del cineasta.


David Cronenberg tubo que realizar un exhaustivo trabajo de profundización en toda la obra del escritor, que seguramente admire, pues con El almuerzo desnudo demuestra la inspiración como vía de desarrollo donde mostrar los elementos que siempre trata en sus películas. La particularidad de este proyecto es que vio la posibilidad de experimentar con lo realizado hasta ese momento en su carrera como cineasta. En la actualidad Cronenberg trabaja una línea dentro del clasicismo, sigue arrastrando todo lo tratado hasta la fecha, pero canalizado de otro modo. En su filmografía hay variedad, con muchos elementos en común consigue crear películas distintas las unas de las otras, pero con un estilo muy definido. El almuerzo desnudo representa una etapa en la vida del escritor William Burroughs, que al igual que la novela homónima, evoca los sentimientos autodestructivos de un autor peculiar en una espiral degenerativa, por lo tanto, la película no podía tener un tratamiento convencional. ¡Olvidad toda lógica!

Trailer El Hobbit: Un Viaje Inesperado

Sólo hay una cosa que espere con más ansia (aún) que el estreno de The Dark Knight Rises y si no hace ni dos días que Nolan nos deleitó con un trailer que realmente promete mucho. Ahora Peter Jackson nos muestra un pedazo de orgásmico avance de El Hobbit. Constará de dos partes, la primera será estrenada en diciembre de 2012 y la segunda en diciembre de 2013.


Siempre he pensado que la tendría que haber realizado justo después de la trilogía de El Señor de los Anillos, pues rompería demasiado la estética, similar a lo que le pasó a Star Wars. Me tengo que tragar mis propias palabras. Lo cierto que están siendo unas navidades de infarto, en lo que avances de futuros estrenos se refiere.

Disfrútenlo...y no se toquen mucho mientras lo ven.

Nuevo trailer y poster de The Dark Knight Rises, la épica conclusión

A la espera estoy impacientemente de ver la conclusión creada por Christopher Nolan para cerrar la trilogía del hombre murciélago. Que cuando se cierre estará compuesta por Batman Begins, The Dark Knight y esta última por estrenar The Dark Knight Rises.
Hace ya unos días que salió a la luz un nuevo póster (aquí el primero), y deja entrever un trágico final para la saga, que concuerda plenamente con la prometida épica conclusión del primer teaser trailer.

A esperas del nuevo y esperado trailer, pospuse la publicación de dicho póster, que muchos habréis visto ya. Ahora aprovecho para unificar ambas perlas doradas, póster y trailer. Todo un orgasmo visual.




Código Fuente


TÍTULO ORIGINAL: Source Code
AÑO: 2011
DURACIÓN: 87 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Duncan Jones
GUIÓN: Billy Ray, Ben Ripley
MÚSICA: Chris Bacon
FOTOGRAFÍA: Don Burgess
REPARTO: Jake Gyllenhaal, Michelle Monaghan, Vera Farmiga, Jeffrey Wright, Russell Peters, Michael Arden, Cas Anvar, Craig Thomas
PRODUCTORA: The Mark Gordon Company / Vendome Pictures / Vendome

El capitán Colter Stevens (Jake Gyllenhaal), un soldado que forma parte de un programa experimental del gobierno para investigar un atentado terrorista, despierta en la piel de un viajero del tiempo cuya misión es vivir una y otra vez el atentado a un tren hasta que consiga averiguar quién es el culpable. Guiado por una oficial de comunicaciones (Vera Farmiga) que controlará a Stevens en su viaje a través del tiempo, en el tren el joven conocerá a una viajera (Michelle Monaghan) con la que se implicará emocionalmente.

Duncan Jones es hijo de David Bowie y debutó por la puerta grande en el mundo del largometraje, en el año 2009 con la película Moon. Una epopeya espacial que prometía mucho más de lo que terminó ofreciendo. Para mi no ofrecía nada que no hubiésemos visto ya, bebía directamente de 2001 Odisea en el espacio u otras películas metafísicas en el espacio, algo que no tenía por que ser malo, pero para mí se quedó a medio camino. Creo que fue una de esas películas que agradó a una parte del público, pero que decepcionó a otra gran parte, entre los que me ayo.
Terminó por ser totalmente olvidable, aunque en el Festival de Sitges se empeñaron en lo contrario y fue galardonada como mejor película, tema en el que obviamente discrepo. Puesto que no era una película de acción interestelar como Star Trek o Star Wars, su apoyo aguardaba en su actor, único y principal, Sam Rockwell pero bajo mi punto de vista fue desperdiciado totalmente. Miraros La Milla Verde de Frank Darabont, ahí si que se marca un papelón, aún siendo un simple secundario.


Ahora tres años más tarde, Jones retorna con una película que me parece mucho más noble, o por lo pronto no tan pretenciosa como lo fue Moon en su momento. Es cierto que aquí vuelve a pecar de lo mismo, no ofrecer nada nuevo al espectador, sin embargo esta vez el protagonista si que ha explayado su talento y en parte gracias a Jake Gyllenghaal que es un gran actor, la cinta no cae en saco roto. Donnie Darko, Brokeback Mountain o Zodiac dan fe de su talento. Dichas películas te pueden gustar más o menos, pero es indudable la valentía con que afronta sus papeles. Igual o más que su hermana Maggie Gyllenghaal en papeles como el de Secretary o El Caballero Oscuro.
El resto del reparto principal, aunque el que lleva todo el peso es Jake, lo conforman Michelle Monaghan (Mision Imposible 3, La Conspiración del pánico), se limita a plasmar su belleza facial y ser el punto de partida para el capitán Colter(Gyllenghaal) cada vez que comienza de nuevo su misión. Vera Farmiga (La Huérfana) es el punto de enlace con el capitán Colter, pero no tiene ningún momento estelar e importante hasta su desenlace. En La Huérfana tenía mucho más protagonismo. Jeffrey Wright que lo vimos en las dos ultimas entregas de 007 (las interpretadas por Daniel Craig) es una especie de Morfeo pero sin el carisma de éste. El resto del reparto son meros peones, que hacen de sospechosos, cual juego de cluedo, serían el mayordomo, la sirvienta, el jardinero….vamos que no pinchan ni cortan. Ni siquiera el verdadero malo tiene una relevancia impetuosa en la historia. La verdadera historia es el destino del capitán Colter, de hecho la amenaza de bomba es un gran mcguffin.

Al igual que en Moon, Jones repite esta vez en ambos campos, dirección y guionista. Se limita a coger elementos de otras películas que si marcaron un antes y un después. Sus principales referencias las hallamos directamente en relación con Matrix, Atrapado en el tiempo y El Efecto Mariposa. Aunque su desarrollo no va más allá de cualquier película de Tony Scott, sobretodo por la inevitable comparación en la que su mayor parte se desarrolla en un tren, y todos sabemos que si Cameron ‘ama’ el mundo marino a Scott le ‘ponen’ los trenes.


La película no es para tirar cohetes pero consigue mantener nuestro interés sobre la misión, muy a pesar de que la situación real del capitán Colter la adivinaremos muy fácilmente, incluso antes de que se nos den las pistas de rigor. Así que su supuesto giro final no pasa a ser algo transcendental, ni dejarnos con la boca abierta.

Como he dicho, no es una película que ofrezca nada nuevo, ni estéticamente, ni argumentalmente. Se limita a copiar sin aportar algo propio, pero muchos son los que copian sin compasión y encima mal. Creo que a Jones le ha salido una película suficientemente entretenida como para lapidarla sin compasión, únicamente por no imprimirle un sello personal al copy paste realizado. A veces no es cuestión de talento, sino de saber estar en el lugar y momento adecuado, diez años atrás posiblemente se hubiera convertido en un ‘modelo’ a seguir y copiar, tal como lo hizo Matrix en su momento.

En efectos especiales la cosa anda algo justa, teniendo en cuenta sus estimado presupuesto de 32 millones de $. Por suerte no es una película que se apoye en los efectos especiales, los trozos son cortos, aunque debido al esquema de la misión se repiten bastantes veces, dejando ver que no están tan bien hechos como parece. El montaje está bien realizado, teniendo en cuenta las reiterativas secuencias que terminan variando.

La banda sonora realizada por Chris Bacon, es un score sin florituras, ni arpegios. Bacon participó como técnico de sonido en el Caballero Oscuro o programador de sonido en El Incidente y ha compuesto diversas pieza para productos televisivos.

Una película para ver sin demasiadas expectativas. Seguro que no os parecerá mal.

En un mundo cromático

El mundo del cine está lleno de trucos, los efectos digitales no solo se usan a la hora de crear situaciones o acciones difíciles de llevar a cabo de forma tangible, no al menos sin llevar a la productora a la ruina económica. Antaño se completaban los escenarios con decorados ‘reales’, hoy se sigue haciendo, aunque digitalmente. Aquí tenemos la prueba fehaciente.

El ángel exterminador


TÍTULO ORIGINAL: El ángel exterminador
AÑO: 1962
DURACIÓN: 90 min.
PAÍS: México
DIRECTOR: Luis Buñuel
GUIÓN: Luis Buñuel & Luis Alcoriza
MÚSICA: Raúl Lavista
FOTOGRAFÍA: Gabriel Figueroa (B&W)
REPARTO: Silvia Pinal, Enrique Rambal, Jacqueline Andere, José Baviera, Augusto Benedicto, Claudio Brook, César del Campo, Antonio Bravo
PRODUCTORA: Uninci y Films 59 / Producciones Alatriste
PREMIOS 1962: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película)

 Después de una cena en la mansión de los Nóbile, los invitados descubren que, por razones inexplicables, no pueden salir del lugar. Al prolongarse la situación durante varios días, la cortesía en el trato deja paso al más primitivo y brutal instinto de supervivencia. Una parábola sobre la descomposición de una clase social encerrada en sí misma.

La idea de El ángel exterminador es contundente, en la actualidad sigue siendo sorprendente y utilizada dentro de otros contextos. A partir de esa idea, el director Luis Buñuel realizó una película donde su paralelismo directo podría ser la vida misma. Con el productor Gustavo Alatriste, como en otras exitosas producciones, Luis Buñuel desarrolló junto al escritor Luis Alcoriza el guión de la película cuyo título inicial era Los náufragos de la calle Providencia; la modificación se produjo cuando Buñuel conoció al escritor José Bergamín, quien tenía pensado escribir una obra teatral que al final nunca llegó a realizarse. El título de dicha obra era El ángel exterminador.


El presupuesto para la película estaba muy ajustado, pero Alatriste daba total libertad de trabajo a Buñuel. Una idea que no pudieron realizar era rodar la película en París o Londres, donde el estilo de vida de alta sociedad respondía mucho mejor a las necesidades para recrear una cena de alta burguesía. De todos modos, se consiguió plasmar ese ambiente, incluso con el reparto de México se consigue una mayor inquietud durante la película. Las actuaciones consiguen transmitir todas las sensaciones y emociones que la situación provoca, aunque hay algunas actuaciones mejor que otras. La utilización del espacio consigue crear la claustrofobia necesaria, toda la angustia que sienten los personajes se percibe fuera de la pantalla. Con una fotografía en blanco y negro, Gabriel Figueroa consigue una unidad lumínica durante toda la película con algunos momentos aislados, que sin desentonar, crean la dimensión más onírica pasando por la inquietud y lo extravagante. La banda sonora de Raúl Lavista también contiene una carga enigmática, utilizando coros eclesiásticos llena de misticismo a la película.


El ángel exterminador es una película de supervivencia, dispone de un grupo de personas egocéntricas en una situación límite, dentro de ese marco se crea el retrato de la degeneración humana en lo absurdo, Buñuel utiliza pinceladas de surrealismo para crear una composición que se encuentra suspendida en los límites de la verosimilitud. La película se estrenó en 1962, en la actualidad sigue siendo mucho más atrevida en sus formas que muchas producciones actuales que imitan su contenido. Más allá de la estructura narrativa convencional, se puede decir que El ángel exterminador es más moderna que muchas películas que se consideran como tales. Siendo también fruto de inspiración para muchos cineastas que han utilizado distintos elementos en sus películas, para no desvelar nada de El ángel exterminador no entraremos en detalles, pero son esas curiosidades que por lo menos a mi, me resultan alentadoras. La grandeza de la película reside en que está abierta al entendimiento de todo el publico, pero lo mejor es que se disfruta de algo que en realidad no se comprende.


La película es perfecta para el debate tras su visionado, pues puede interpretarse desde muchos puntos de vista, crear muchas opiniones, así como distintas explicaciones, todas validas, todas inciertas. Otra característica de la película es la repetición, muchas escenas se repiten moduladas a través de la angulación de cámara, de forma sutil también veremos frases y comportamientos de los personajes que se van repitiendo, van desarrollando un proceso. Algunas repeticiones son degradantes respecto a los personajes y la situación que los acontece, otras repeticiones son más bien una imitación entre los personajes y las situaciones; construyen la idea de contagio degradante. Todo ello cobra un sentido tanto en la evolución de los personajes como en el desenlace de la película, por desgracia la película fue  alterada sin consentimiento. El montaje siempre lo solía realizar el propio Buñuel, con el paso de los años, en la restauración de la película alguien pensó que esas intencionadas repeticiones era un error de montaje y muchas fueron eliminadas.


El ángel exterminador consigue trascender su ya de por si interesante planteamiento argumental, son tantas las interpretaciones que pueden leerse, diferentes puntos de vista que al final pueden confluir en disputa, lo mismo que les ocurre en cierto modo a los personajes de la película. Una analogía sociológica muy bien tramada, todos los símbolos que puede presentar no dejan de ser la interpretación de una justificación para esclarecer o dar explicación racional a todo aquello que no lo es. La película de Buñuel arremete contra todo, incluso contra toda simbología explicativa, pues una película que trata sobre la inquietud desde lo irreal puede interpretarse desde todos los puntos de vista, con diferentes variantes, pero lo importante es disfrutar de ello. El ángel exterminador no necesita que todo esté justificado explícitamente, es una película para sentirla, disfrutarla y llenarse de inspiración.

"Si el filme que van a ver les parece enigmático e incoherente, también la vida lo es. Es repetitivo como la vida y, como la vida, sujeto a múltiples interpretaciones. El autor declara no haber querido jugar con los símbolos, al menos conscientemente. Quizá la explicación de El ángel exterminador sea que, racionalmente, no hay ninguna."
(Luis Buñuel)

A sangre fría


TÍTULO ORIGINAL: In Cold Blood
AÑO: 1967
DURACIÓN: 134 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Richard Brooks
GUIÓN: Richard Brooks (Novela: Truman Capote)
MÚSICA: Quincy Jones
FOTOGRAFÍA: Conrad Hall (B&W)
REPARTO: Robert Blake, Scott Wilson, John Forsythe, Paul Stewart, Jeff Corey
PRODUCTORA: Columbia Pictures
PREMIOS: 4 nominaciones al Oscar (1967): mejor director, bso, fotografía, guión adaptado

Un honrado granjero de Kansas lleva una vida tranquila junto su familia. No puede sospechar ni remotamente que dos ex- convictos, con las facultades mentales perturbadas, planean matarlos. Una vez cometido el crimen, lejos de sentirse culpables o atormentados, los asesinos se recrean en la crueldad. Emprenden la huida perseguidos por el eco del sangriento caso. La policía les pisa los talones y después de meses de persecución son detenidos y condenados a muerte.

Considerada una de las mejores adaptaciones de una novela, tanto su contenido como su narrativa, A sangre fría consiguió 4 nominaciones a los Oscars y con el paso del tiempo, un mayor reconocimiento del que recibió a partir de su estreno en 1967. La novela homónima de Truman Capote de la que se adapta la película es de 1965, una de las más influyentes novelas inspiradas en un caso real, el asesinato de una familia del pueblo de Holcomb en Kansas, cometido por dos ex-convictos el 15 de noviembre de 1959. No he leído la novela, pero despierta mucha curiosidad, tanto por la críticas favorables que la avalan, como los hechos que acontecen a su desarrollo. Lo cual llevó a la realización de la película Capote en el 2005, Truman Capote fue interpretado por Philip Seymour Hoffman quien recibió el Oscar al mejor actor; la película se centra en el periodo de la vida del escritor en el que estuvo inmerso en la investigación sobre los hechos para la escritura de su novela A sangre fría.


Hechos que a parte de obsesionar, llegaron a resultar perjudiciales al mismo Capote. En compañía de Harper Lee, la autora de Matar a un Ruiseñor, pasó de entrevistar a la policía hasta los conocidos de la familia Clutter, una vez se descubrieron los nombres de los sospechosos avanzaba la investigación, cuando fueron detenidos y condenados Capote tuvo que ganarse su confianza para poder entrevistarlos, así como la de todos los testigos y habitantes del pueblo de Holcomb. La actitud estrafalaria de Capote, así como su comportamiento extrovertido dificultó todo el proceso, hasta el punto de llegar a confrontarlo con problemas de alcoholismo y drogadicción. El resultado final es el de una novela que parece impactar a quien la lea por muchos motivos y por lo que parece, la adaptación cinematográfica consigue trasladar esos temas de un modo audaz y pragmático.


Sin leer la novela y con tan solo ver la película, el efecto de conocer a las víctimas tanto como a sus verdugos, consigue llevarte a la reflexión sobre la pena de muerte, te hace valorar el distinto punto de vista de quien de algún modo u otro estuvo relacionado con el caso. También se conocerá con todo detalle qué ocurrió la noche del 14 de noviembre de 1959 en Holcomb, Kansas. De ese modo te puedes posicionar sobre muchos factores emocionales que se desarrollan a lo largo de la película, así como valorar hasta que punto hay diferencias en el modo de actuar de algunas personas respecto a los de la justicia. Lo mejor es que quienes han leído la novela antes de ver la película quedan con gran satisfacción y admiración por el resultado. La película está llena de detalles muy cuidados, se trabaja con delicadeza los sentimientos internos de los dos protagonistas, al igual que la investigación policial hasta llegar a la condena. Es mejor no desvelar detalles e ir descubriendo todo lo que concierne a la historia. La película se estrenó hace casi 45 años y sigue siendo de actualidad, su tratamiento cinematográfico es digno de ser contemplado por todos esos detalles que construyen una adaptación que consigue dejarte la sangre fría.

Killbots


TÍTULO ORIGINAL: Chopping Mall (Killbots)
AÑO: 1986
DURACIÓN: 77 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Jim Wynorski
GUIÓN: Steve Mitchell, Jim Wynorski
MÚSICA: Chuck Cirino
FOTOGRAFÍA: Tom Richmond
REPARTO: Kelli Maroney, Tony O'Dell, Russell Todd, Karrie Emerson, Barbara Crampton
PRODUCTORA: Concorde Pictures / Trinity Pictures

Ocho adolescentes quedan atrapados en un centro comercial, donde un error en los robots guardianes les provocarán un peligro mortal.

Aviso que la puntuación de la película se refiere a sus características, no se corresponde a la sensación que me ha dejado la película, puesto que ha sido de lo más agradable. No voy a mentir cuando diga que esa sensación, se debe en gran parte al ambiente en que la he visionado, dentro del Horrorvision. Un ambiente muy distendido, con comentarios sumamente graciosos. Muy similar al ambiente que se vive en el Festival de Cotxeres, pero sin el -a veces- masivo griterío impertinente. La frescura y genialidad de los comentarios fue realmente asombroso y convirtió a la película en una comedia que ya quisieran muchas encajadas en ese género hacer reír tanto a su público.

Jim Winorsky ha dirigido obras ‘míticas’ para los seguidores del cine de bajo presupuesto, como Vampirella o 976 Evil II (si señores hay secuela de la obra de Wes Craven).
Aunque en la actualidad Winorsky se encuentra ‘envuelto’ en productos como Dinocroc Vs Supergator o Piranhaconda. Obras muy propias del estilo que sigue la productora Asylum, productora que se dedica a plagiar grandes estrenos, al menos en lo referente a su título, ya que pocas veces tienen que ver con la obra a la que copian. Ejemplos de ello serían Transformers, 10.000 BC o Terminator Salvation reconvertidas a Transmorphers, 100 Million BC o The Terminators, respectivamente.


Winorsky nos arranca la carcajada y más de un OMG(Oh my god) ya desde el primer minuto, con la puesta en escena de los personajes, la estética de los robots, incluido su variopinto armamento y habilidades varias (como subir escaleras mecánicas). Una estética ¿copiada?, no que va, prefiero ser benevolente y decir que ha sido rediseñada partiendo de la base de Nº 5 en Cortocircuito, al menos las manos en forma de pinzas de cocina, lo son.

Lo sorprendente es que los tres robots terminan por ser más carismáticos que los propios personajes, incluso se les coge más aprecio. Los actores cumplen todos los requisitos para un buen slasher, personalidad estupida, atuendo de juventudes del PP etc... consiguiendo en poco minutos que tu empatía hacia ellos esté totalmente basada en el más profundo odio, deseando que los robots rindan cuenta sin impunidad alguna. Y gracias a una tormenta los robots verán alterados sus parámetros, ejecutando sus directrices con una motivación sobrehumana, pero con educación "que pase un buen día" después de matar. Pero en el fondo ellos solo hacen que cumplir con su deber, regir su autoridad para mantener el orden y la ley en el centro comercial. Y que nosotros como espectadores disfrutaremos viendo como matan a los ocho entupidos jovenzuelos, que en lugar de montar una fiesta en su propia casa, deciden hacerlo en una especie de Ikea, dentro del centro comercial.

No sé hasta que punto se han debido respetar los diálogos de la versión original, pero sin reparos, diré que la película tiene frases muy, pero que muy antológicas, que en buena compañía (recomiendo verla con amigotes ya que solo puede ser bastante duro) despierta risas, aplausos y comentarios de rigor.


El nivel de interpretaciones es para ver y no creer, y las acciones realizadas por parte de los personajes para intentar defenderse, huir y destruir (en defensa propia) a los enloquecidos robots, son un tanto surrealistas e incoherentes, pero sumamente divertidas. Pero ahí tenemos a los tres robots que darán cuenta de ello, castigando impunemente a todo el que no muestre la debida identificación, aunque uno de ellos lo hace no le sirve de mucho…¿será que el robot no leía de lejos?.

La banda sonora intenta recrear una tensión, que resta decir no se puede cortar ni con una hoja de papel. Compuesta por Chuck Cirino que ya ha compuesto el score para otros trabajos de Winorsky, si algo funciona para que cambiarlo.

Una película mala en sus características, pero mucho más divertida que muchas de las comedias actuales con miles de millones de presupuesto a sus espaldas. Eso si, recordad no la veáis solos.

No he encontrado trailer, dejo un clip de una escena.